El mejor cine de 2018

Cuarón ha hecho la mejor película del año y del siglo XXI mientras el cine español sigue destacando. Dos grandes noticias. 



1º) "Roma" de Alfonso Cuarón (10)

2º) "The Guilty" de Gustav Möller (9)
3º) "Ralph rompe Internet" de Rich Moore, Phil Johnston (9)

4º) "Bohemian Rhapsody" de Bryan Singer (8´5)

5º) "El reino" de Rodrigo Sorogoyen (8´5)

6º)"Un asunto de familia" de Hirokazu Koreeda (8´5)
7º) "Un lugar tranquilo" de John Karsinski (8´5)
8º) "Un día más con vida" de Raúl de la Fuente y Damian Nenow (8´5)



9º) "El hilo invisible" de Paul Thomas Anderson (8´5) 
10º) "Viaje al cuarto de una madre" de Celia Rico (8´5)
11º) "El regreso de Ben" de Peter Hedges (8´5)
12º) "Las distancias" de Elena Trapé (8´5)



13º) "Entre dos aguas" de Isaki Lacuesta (8)
14º) "Campeones" de Javier Fesser (8)
15º) "Whitney" de Kevin Macdonald (8)
16º) "Misión imposible 6: Fallout" de Christophe McQuarrie (8)

 

17º) "Spiderman: Un nuevo universo" de Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman (8)
18º) "Searching" de Aneesh Chaganty (8)
19º) "Kursk" de Thomas Vinterberg (8)
20º) "Benzinho" de Gustavo Pizzi (8)



Consulta aquí la lista de lo mejor del cine de 2017 y de 2016. 

Un nuevo universo donde menos te lo esperas

Así se ha vendido el nuevo Spiderman. Una nueva experiencia en dibujos animados con la textura del comic con una capacidad increíble para sorprender al espectador saturado de hombres araña. Visualmente la película está muy lograda con una imaginación desbordante en cada escena muy cercana al videojuego y al modo de percibir del adolescente del siglo XXI: música alternativa, giros constantes, ritmo hiperactivo, sentimentalismo y nostalgia friki. Pueden parecer que estoy indicando defectos de la película pero no es así. Me parece muy meritorio que esas características hayan permitido una película compleja e ingeniosa, inteligente en el modo de abordar nuevos mundos y personajes.

Me encanta el modo de arrancar que tiene la historia. Todos tememos que nos vuelvan a contar otra vez la picadura de la araña y los 3 directores de esta nueva película lo saben y se ríen de ese lógico agotamiento. Además la muerte de Stan Lee el pasado mes de noviembre ha convertido las escenas en las que aparece referenciado en momentos memorables.

Es verdad que la evolución los villanos y de algunos personajes secundarios les falta recorrido e impulso en los últimos metros. Y que muchos se perderán en eso que llaman el multiverso. Aún así doy la bienvenido a esta nueva forma de plantear los dibujos animados y el cine superheroico.

Calificación: 8     

Canciones para olvidar y una película que readmirar

Un musical debe tener buenas canciones y Mary Poppins returns carece de ellas. Por lo demás la película es más o menos defendible: buen reparto con Emily Blunt a la cabeza, nostálgicos cameos de Angela Lansbury y Dick Van Dike, un atractivo vestuario colorista, un diseño de producción notable... El problema es cuando suena la música y empiezan a cantar. Ahí estaba gran parte de la magia de la inmortal Mary Poppins de Robert Stevenson con canciones y música de los hermanos Sherman.



Han pasado más de 50 años y generaciones enteras se saben de memorias estrofas completas de Con un poco de azúcar o Supercalifragilisticoespialidoso. Me gustaría preguntar a la salida de los cines donde se proyecta esta continuación de Mary Poppins si alguien es capaz de tararear alguna canción de las que acaba de escuchar en la película. Hagan la prueba. La banda sonora de Marc Shaiman es para tipificarla en el Codigo Penal. No hay ritmo ni originalidad por ningún lado. Los personajes cantan porque hay que cantar pero el baile, la música y las letras son tan grises como el cielo londinense.



Por otra parte Rob Marshall acertó de pleno en Chicago pero el resto es para olvidar: Annie, Into the Woods, Nine. Además reconozco que tengo un problema y es que últimamente estoy repasando la filmografía de Vincente Minelli. Y ver en la misma semana un musical de Rob Marshall y cualquiera del director de Un americano en París, Brigadoon o Cita en San Luis es muy peligroso. Los 130 minutos que dura La nueva Mary Poppins sobreviven gracias a que tienen una gran historia detrás. Ni el director ni el guionista (David Magee: La vida de Pi, Descubriendo Nunca Jamás) aportan ese punto de personalidad y hechizo necesario para que las aventuras que viven sus peculiares personajes sean realmente inolvidables.

Mientras que en la película de 1964 había cientos de guiños cómplices al espectador sobre el modo de ser de los británicos, el feminismo o la fantasía como un modo nuevo de vivir la rutina, en esta actualización hay un intento asfixiante e inútil de no estropear el original. Al final el barco se hunde en un estilo neutro e insignificante.

Como homenaje a Mary Poppins quedará la nada despreciable Al servicio de Mr. Banks: una película elegante que animaba a ver la excelente película original interpretada por Julie Andrews en 1964 (he vuelto a verla en las últimas horas y he comprobado que es una de esas obras maestras que cada día que pasa está aún más encantadora). Seguiré soñando con el día en que pueda ordenar así mi habitación con un simple chasquido de dedos.

Calificación: 6 

Voces desde Dinamarca

The Guilty en una de las 10 preseleccionadas para el Oscar a la mejor película extranjera de 2018. Un año con una competencia fuera de lo común: Roma, Pájaros de verano, Cold War y Un asunto de familia. Esta película danesa es un thriller sin levantarse del asiento. Pasamos 80 minutos en la cabeza de Asger Holm, un oficial de policía apartado del trabajo de calle y recluido en la atención del servicio de emergencias por teléfono.

El primerizo director y guionista Gustav Möller firma una de la películas del año con una intensidad y un ritmo encomiables. El guión es una obra de orfebrería, un perfecto mecanismo de intriga, dramatismo inteligente y desarrollo de personajes. La voz se convierte en un protagonista absoluto de la historia: la única pista que tendrá el protagonista para poder acertar en sus complicadas decisiones.

Esta película recuerda en el estilo al cortometraje Madre por el uso de la voz y el teléfono como instrumento narrativo fundamental. El protagonista absoluto está interpretado por el actor sueco Jakob Cedergen, un rostro habitual en las series de TV nórdicas que hace un trabajo excelente. Toda la película se apoya en una interpretación sabe modular a su personaje y hacerlo creíble en situaciones extremas. 

La ausencia de música es otro de los riesgos y aciertos del director. Una manera de no distraer el espectador del sonido completo de la llamada: no sólo la voz, sino lo que todo se escucha detrás de ella y ayuda a que el espectador a imaginar la escena de la emergencias.

Calificación: 9 

"Kursk": Sumergirse abriendo los ojos

Thomas Vinterberg ha realizado una película más espectacular e interesante de lo que me imaginaba. Desde luego le ha venido de perlas el apoyo financiero de Luc Besson para su película sea reluciente y cuente con un reparto de primera línea. El director danés es uno de los cineastas europeos que merece la pena seguir su rastro haga lo que haga (Celebración, La caza), pero esta historia tenía elementos fascinantes y una gran dificultar para imprimirle ritmo e intensidad a un relato mayoritariamente estático.

La película se concede licencias dramática aceptables y logra una personalidad visual muy atinada. Desde los cambios de formato de pantalla al desarrollo de personajes, el uso de la música o la medida claustrofobia de algunas escenas. Es una historia real que merecía el tratamiento inteligente y delicado que le ha dado Vinterberg. 

Calificación: 8 

"Viudas": la crudeza y genialidad de Steve McQueen

Jamás dudaré de que Steve McQueen (Shame, 12 años de esclavitud) es un director y guionista excepcional. En Viudas hay muchas escenas memorables, pero todas ellas brutales. Sólo con la escena del paralítico en la bolera ya es como para plantearse aconsejarla a alguien. Sin embargo a la hora de definir el amor, la compasión o la filiación, se nota que este director es muy torpe. Por eso acude a la carnalidad como único salvavidas. Así lo confirma la relación entre los personajes de Viola Davis y Liam Neeson, tan primaria que resulta casi ridícula cuando pretende posturearse como romántica.

Otra cosa son los diálogos de "a ver quién es más hijo de puta" o las escenas de acción que el director rueda con un ritmo espectacular y una música espléndida del más grande: Hans Zimmmer. Y por supuesto Steve McQueen da miles de vueltas a los que le han precedido al intentar hacer versiones femeninas de películas de éxito. Viudas se toma en serio a las mujeres y no vende lo imposible. En ese sentido el director hace un trabajo extraordinario porque era fácil caer en tópicos mediocres.

Todo brillan en un reparto muy bien seleccionado en el que cada personaje tiene su interés dramático y su medida cuota de pantalla. En algunos momentos me recordaba a las mejores películas de Ben Aflleck (Adiós pequeña, adiós o The town: Ciudad de ladrones. No llega tan lejos pero merodea con habilidad por ese mismo terreno minado del cine negro norteamericano.

Calificación: 7´5

Julia, Lucas... Y Peter Hedges

Supongo que todo el mundo hablará de esta película por lo inconmensurables que están Julia Roberts y Lucas Hedges. Y lo están. Siempre lo han estado. Merecerían todos los premios que les puedan dar en los próximos meses, pero a ellos les sobra atención mediática. Sin embargo a Peter Hedges, el padre de Lucas, le tenemos un poco infravalorado. Su película anterior (La extraña vida de Timothy Green) era sencillamente deliciosa. Un cuento de lo más original. También Como la vida misma era una comedia muy simpática y Retrato de April recreaba notablemente el mundo adolescente.

Peter Hedges es novelista y se nota. Sus diálogos encajan y se superponen creando personajes muy detallados. En algunos momentos le puede faltar algo de talento visual (estoy convencido que la escena del cementerio es mucho más brillante en el texto que en la pantalla), pero con ese reparto cualquier plano es dinamita.



La historia no era fácil de medir porque el material es hipersensible. Sin embargo el guión está escrito con tanta pericia como sensibilidad. Hace poco pudimos ver como un argumento muy parecido en Beautiful Boy era malogrado por un director y guionista mucho más limitado. Esta vez todo el recorrido es más creíble, cruel, tierno e impactante. Un viaje que hace pensar tanto a padres como a adolescentes sin necesidad de ser agresivo con el espectador.

Lo que Peter Hedges logra sugerir con una frase mínima ("Llegamos a un acuerdo") es impresionante. No extraña que el personaje de Julia Roberts no pueda contenerse. Acaba de descubrir algo tremendo pero el guionista lo ha contado con una simple sugerencia. Como si fuese un clásico del cine negro, confiando en la inteligencia del espectador y respetando la intimidad del personaje con una impagable delicadeza.

Le falta una música más creativa, un piano menos convencional y más emotivo. Es lo único que se me ocurre echarle en cara a una película que en todo lo demás es simplemente sensacional.

Calificación: 8´5

"Ralph rompe Internet": Un bombazo

¡Qué explosión de imaginación de Rich Moore y Phil Johnston! No soy de los que salieron convencidos con la primera parte pero esta continuación es colosal. Sólo con las apariciones de las princesas de Disney de todos los tiempos es para darles el Oscar a la mejor película de animación del año. Una película de dibujos animados que disfrutarán aún más los adultos que los niños. Es incontable el número de guiños, ironías e infinitos derivados del metalenguaje sobre Internet, redes sociales y otras fuentes de estupidez actual.



Todo es más inteligente y tiene más ritmo que en la primera parte, y además acaba dejando una reflexión sobre los afectos que está expresada visualmente con una brillantez incontestable. La banda sonora es un compendio muy atractivo que acaba con una canción sensacional de Imagine Dragons. Una de las películas del año por guión, riesgo y simpatía en la pareja protagonista y en los innumerables secundarios adorables.

Calificación: 9

Kristin Scott Thomas y el dolor que no llora

Juliette (Kristin Scott Thomas) sale de la cárcel después de quince años de condena por el misterioso asesinato de su hijo. En este tiempo Juliette, abandonada por su marido y su familia, no ha tenido contacto con el mundo exterior. Léa (Elsa Zylberstein), su hermana menor, la acoge en su casa de Nancy, donde vive con su marido Luc (Serge Hazanavicius) y dos hijas adoptivas.

El argumento de esta película podría haber derivado con mucha facilidad al de una telenovela venezolana. Pero Philipe Claudel (Nancy, 1962) sabe de lo que habla (ha dedicado mucho tiempo a la enseñanza de niños discapacitados y presos) y sabe cómo contarlo. Ganador del prestigioso premio literario Renaudot por su novela Almas grises, Claudel escribe y dirige esta opera prima con la madurez de los buenos narradores que saben construir personajes y describir emociones sin caer en defectos tan habituales como la cursilería, la pedantería o el hermetismo.

En este caso vuelve a adentrarse en el dolor humano desde la perspectiva de las personas que rodean a los que sufren (uno de los temas fundamentales en Almas grises, novela que contemplaba los horrores de la I Guerra Mundial desde los habitantes de un pueblo francés ajeno al conflicto bélico). La película analiza y crítica la falta de respuestas y en muchos casos la carencia de tacto de los personajes que acompañan a Juliette. Y lo hace desde una interpretación sobresaliente de Kristin Scott Thomas que aguanta todo el peso dramático de la película casi sin palabras. Con su mirada y sus gestos va poniendo a la sociedad ante un difícil interrogante: ¿se puede ser feliz mirando a otro lado?

No es Claudel un hombre de muchas respuestas, pero tampoco es un narrador que arroja preguntas al espectador con el convencimiento de que no podrá responderlas. Aunque de fondo hay un planteamiento antropológico cercano al nihilismo y a la desesperanza, Claudel consigue no cargar las tintas en el dramatismo dando a los personajes una humanidad minimalista que salva en cierta medida la película del pesimismo cerrado. De esta manera Claudel acaba permitiendo algo de luz en el argumento aportando detalles de ternura, deseos de ayudar que hacen que la película haga pensar al espectador sin cerrarle todas las puertas.

Además, la película sabe mantener el interés dramático a lo largo de las casi dos horas de metraje jugando con las palabras y los silencios que ayudan a pensar e interpretar los matices de los personajes. 

Calificación: 8

Dos maneras de contar qué pasó en Utoya

El atentado en la isla de Utoya el 22 de julio de 2011 tenía todos los componentes para hacer una película impactante y Paul Greengrass era el director más adecuado para llevarla al cine. Netflix ha patrocinado esta producción sobrada de metraje (casi 2 horas y media) y algo escasa de emoción. Tiene unas interpretaciones fantásticas y una edición más que discutible en momentos esenciales de climax como el abrupto final.

Aún así la historia es tan interesante que sigues el tortuoso camino de las víctimas y el terrorismo con interés. El guion de propio Greengrass sabe ampliar el arco dramático de los personajes incluyendo interrogantes sobre el sentimiento de culpa de los supervivientes, la importancia de la unidad ante el terrorismo, la soledad del asesino como una condena impagable... Podía haber llegado mucho más lejos con un poco más de atención a los detalles pero aún así es una película apreciable.

Calificación: 6´5



No será la última vez que este atentado sea tratado en el cine. Una película noruega muy distinta a 22 de julio abordará el ataque en tiempo real desde el punto de vista de los jóvenes perseguidos y tiroteados. En un sólo plano intentará transmitir ese pánico extremo al espectador

Ikea vuelve a ser la estrella

No es la primera vez que Ikea hace la mejor promoción navideña. En la campaña de este año acierta con un buen slogan, un mensaje necesario y una presentación muy creativa. Instagram y la estupidez contemporánea en torno a las redes sociales merecen anuncios así.

Un antídoto eficaz para no volverse imbécil

Qué fue de Brad cuenta la crisis que al parecer tienen la mayor parte de norteamericanos cuando sus hijos se van a la universidad y les dejan solos. Hemos visto esta historia muchas veces, sin ir más lejos últimamente Lady Bird o Boyhood son las más célebres. Ben Stiller también protagonizó una crisis de los 40 en la fantástica Mientras seamos jóvenes con Naomi Watts.

El protagonista de esta película tiene ya casi 50 y es un hombre que lo tiene todo en la vida, pero menos que los demás. Ni es tan rico, ni su trabajo tiene tanta repercusión, ni es tan valorado... Con ironía y sentido común el director y guionista Mike White (creador de la serie Iluminada) ofrece al espectador un diagnóstico completo con receta incluida que se agradece. Películas así sirven como antídoto para evitar volverse idiota con el paso del tiempo y saber sacar conclusiones sin desfigurar la realidad de toda una vida.

El reparto es muy completo y estupendamente caracterizado con un buen guion que interesa y deja pensativo. La música de Mark Mothersbaugh subraya aún más el sentido de inestabilidad vital del protagonista.

Calificación: 7,5


 

"La clase de esgrima": Comunismo que hiela

Cuesta mucho ver sonreír a Ender. Es el nuevo profesor de educación física en un pequeño pueblo estonio pero pocos saben que es campeón de esgrima. En realidad trata de alejarse del foco de la ciudad cambiando de nombre y refugiándose en el anonimato ya que su verdadera identidad se considera un peligro para el régimen comunista.

Película finesa corta y de emoción contenida por obligación. Una buena historia que es creíble y que se cuenta con sencillez, habilidad y ritmo. La intensidad de la historia está en el interior de los personajes y así lo transmite el director Klaus Härö (Cartas al Padre Jacob). Las relaciones afectivas son mínimas pero entrañables gracias a un reparto excelente, encabezado por la pareja protagonista formada por Märt Avandi y Ursula Ratasepp. Les acompañan un grupo de actores infantiles y adolescentes de primer nivel.

Calificación: 7

Vivir en "Brigadoon"

No se puede entender el cine musical sin Alan Jay Jerner. Él fue el compositor y guionista de Un americano en París, Gigi, Camelot, Melodías de Broadway 1955, My fair lady... Casi nada. En 1954 inventó una historia que sobre el papel resultaría imposible pero Vincente Minnelli aceptó el reto y creo una fantasía para quedarse a vivir en ella. Imaginación al poder para llevarnos a un lugar mágico en medio de ninguna parte. Brigadoon es el mejor cine en color; nunca se ha logrado ese tono y ese brillo. Especialmente la primera media hora de película es magistral, con esas coreografías multitudinarias y esa pareja divertidísima compuesta por Gene Kelly y Van Johnson. El Cinemascope impagable de los años 50 nunca volverá.

Calificación: 8





   

Una canción maravillosa y muchos minutos perdidos

Lady Gaga y Bradley Cooper tienen voz y encanto. Incluso una extraña química entre ellos. Pero esta 4ª versión de Ha nacido una estrella depende demasiado de ellos y de dos memorables canciones que no llenan 135 minutos. Hay muchas escenas innecesarias con diálogos que cuesta creer. Tampoco la edición de la película ayuda a lograr la intensidad de una historia de vaivenes sentimentales y profesionales en que ni el amor, el arte, la soledad o el alcoholismo acaban de conmover.

Bradley Cooper es mejor director, cantante y actor que guionista. Una carencia fundamental. Probablemente su película sea mejor versión de Ha nacido una estrella que la de Barbra Streisand y Kris Kristofferson, pero no está la altura de los musicales de Wellman o Cukor.

Siempre nos quedaremos con ganas de saber que habría echo Clint Eastwood con Beyoncé de protagonista que era el proyecto original (cancelada por el embarazo de la cantante). Desde luego Bradley Cooper habrá dejado contento a los productores: con un presupuesto de 36 millones de dólares lleva ingresados 260. Y seguro que en las nominaciones a los Oscar estará lo mejor de la película: Shallow.

Calificación: 5´5

"Bohemian Rhapsody": Un espectáculo

Llevar al cine la historia de Queen es un reto que en manos de Bryan Singer podía acabar muy mal. El director de Sospechosos habituales y Valkiria también fue el realizador del olvidable Superman de 2006 con Brandon Routh o el fiasco de Jack, el Cazagigantes. Apadrinado en la producción por el mítico Bryan May la película dedicada al grupo liderado por Freddy Mercury sólo tiene un error importante: ese molde que le ponen en la boca a Ramy Malek para imitar los prominentes incisivos del cantante. El actor de Mr. Robot está sensacional pero esa dichoso ortopedia que le impide hablar y gesticular con naturalidad es imperdonable.

El guionista Anthony McCarten, dos veces nominado a los Oscar por La teoría del todo y El instante más óscuro, con el apoyo en el argumento de Peter Morgan ofrece un retrato complejo y contrastado de un genio. De manera inteligente muestra un personaje que tenia un don y un látigo que diría Truman Capote. El último tramo de la película está plagado de diálogos de doble lectura que expresan las dificultades del trabajo en grupo con un cantante de carácter tan volcánico.

La manera de insertar las mejores canciones de Queen sin abusar de su uso, aportando alguna variedad en los temas, y las escenas del concierto de Wembley del 84 hacen que la película esté a la altura del personaje. Una película que es un tributo y un espejo del lado oscuro de uno de los mayores talentos musicales del siglo XX.

Calificación: 8,5 

Las lágrimas de una estrella

La vida de Judy Garland fue la de una auténtica estrella. De esas que iluminan un firmamento con una existencia brillante y amarga. En este documental se reconocen las carencias de los niños prodigio maltratados por la fama y la ambición de sus padres.



Ha nacido una estrella ya había sido llevada al cine con mucho éxito por William A. Wellman en 1937 con Fredrich March y Janet Gaynor de protagonistas. En 1954 George Cukor volvió a contar esta historia con Judy Garland en un momento de su vida especialmente delicado de su vida. La actriz ofreció probablemente su mejor interpretación con un desarrollo dramático conmovedor que aunaba la tragedia y la magia del espectáculo. A su lado estaba James Mason como el alcohólico mecenas que aupaba a la artista a lo más alto de la fama para luego...



La película dura 175 minutos llenos de esplendor en las coreografías y escenas dramáticas verdaderamente desgarradoras. Martin Scorsese la incluía entre las películas que más le habían marcado. Es uno de los grandes musicales y uno de los mejores retratos del Hollywood dorado.

Ha nacido una estrella tuvo otra versión, muy poco destacable, setentera en el peor de los sentidos, con Barbra Streisand y Kris Kristofferson como protagonistas. Hoy veré la última de ellas, con Bradley Cooper y Lady Gaga. Ya os contaré.

Calificación: 9

 

El misterio de Frank Ariza

Que El Continental hay sido uno de los desastres televisivos de los últimos años no es ninguna sorpresa. La serie de TVE ha logrado una nota insultante en los principales medios de comunicación y unos datos de audiencia sin precedentes. Pero lo que me sorprende es la confianza que siguen dando a directores como Frank Ariza (Dreamland, Perdóname, Señor, Cúpido). El cine español vive un momento dorado, plagado de nombres propios con un lenguaje propio que merecen más minutos en el campo. Muchos más, desde luego, que los que le dan al director de El Continental.   

Calificación: 3

Revitalizado Jack Ryan

John Krasinski ha cambiado al gran héroe americano. Jack Ryan se ha hecho humano, mortal y creíble gracias a este extraordinario actor, director y guionista. Después de realizar el sleeper del año y una de las mejores películas de terror de los últimos años, acaba de protagonizar una serie inteligente, de esas que va a más claramente con el paso de los capítulos. Temporada corta que no pierde el interés en ningún momento. Una de las mejores producciones de Amazon series.

Calificación: 7´5

En "Hereditary" hay demasiado... poco

A algunos les ha maravillado esta película de terror que tiene casi todos los elementos que se pueden encontrar en este género: enfermedades mentales, una casa fantasmal, espíritus, trampillas, azoteas y sótanos secretos, maldiciones familiares. Pero la multitud no es suficiente y a veces satura. No hay ningún personaje que despierte algo de interés a pesar de estar interpretados por actores tan grandes como Toni Collete o Gabriel Byrne. 

El primerizo director Ari Aster promete como cineasta al generar atmósfera tenebrosas, pero como guionistas tiene mucho que recorrer. Hereditary padece un desarrollo de personajes muy poco elaborado y unos giros de guión que hacen muy inverosímil y confusa la trama por muchas concesiones que hagamos al cine de éste género. En la media hora final recarga la trama de tantos sustos y apariciones que finalmente hace imposible el miedo o la sorpresa.

Calificación: 5

"Las noches de Sullivan": El ritmo es esto

Que una película tenga o no ritmo es algo más subjetivo de lo que parece, aunque hay excepciones. Preston Sturges, uno de los gigantes de la comedia americana, realizó en 1941 una de sus mejores aportaciones al cine: Los viajes de Sullivan con Veronica Lake y Joel McCrea de protagonista. El arranque es explosivo, una catarata de ideas brillantes sobre la creación cinematográfica y las reacciones del público. Después de este inicio la película tiene un muy buen nivel pero no mantiene ese humor e ingenio. Basta con esas primeras escenas para revisarla con admiración y aprender como se construye ese ritmo que hace que una película viaje en la imaginación del espectador.

Calificación: 7´5

 

La aparición de Aneesh Chaganty

Probablemente no le conozcáis pero a sus 27 años ya ha ganado en Sundance con una primera película distinta. Searching es un  thriller que tiene la peculiaridad de usar las pantallas y redes sociales como vía de investigación para que un padre encuentre a su hija desaparecida. Lo intentó Vigalondo en Open Windows y no le salió bien. Aneesh Chaganty, director norteamericano de origen índio, ha sabido manejar mejor los hilos de una historia que está muy bien construida a partir de un drama con lugares comunes adecuadamente revestidos.

John Cho interpreta al protagonista absoluto de la historia y responde al reto con la misma capacidad que mostró en la extraordinaria Columbus. La música podría haber degenerado el producto hacia un videjuego y sin embargo logra humanizar a los personajes. Se han hecho muchas películas sobre Internet y las redes sociales, pero pocas han dejado tan claro que casi todo ese mundo es una gran mentira.

Calificación: 8 

La voz era "Whitney"

Termino de ver este documental presentado en el último Cannes con la intención de ver todos los documentales que pueda de Kevin Macdonald. Le conocía más por sus películas de ficción: algunas muy interesantes como El último Rey de Escocia o La sombra del poder. En Whitney demuestra que sabe manejar explosivos sin perder la dignidad. La vida de la cantante podría traducirse en un reality de sexo, drogas, pop y muerte, pero el director británico es hábil para contar los aspectos más tremendos manteniendo una cierta distancia.

El montaje de algunos de los mejores momentos de Whitney Houston es muy atractivo. Es fácil reconocer aquellas canciones que dieron la vuelta al mundo por muchos motivos. Los 80 y los 90 nunca se entenderán sin esas melodías. Al incluir escenas de éxito el relato resulta equilibrado, humano y veraz. Las dos horas son más que necesarias para resumir un talento inmortal con el sabor amargo de una vida malograda por episodios complejos y poco conocidos de su vida que salen a la luz en este gran documental. 

Calificación: 8 
    

"The captain": Granuja con uniforme

Una historia que capta el interés por su novedad, el saber hacer del director y un reparto desconocido muy entonado.

Calificación: 6,5

Otro acierto documental de Wim Wenders

A sus 73 años, el cineasta alemán ha rodado un documental sobre un Papa que no deja de romper inercias, modos de decir y hacer. Centra el argumento en su nombre, Francisco, tomado del Santo de Asís, un modelo de pobreza y regeneración espiritual. En hora y media vemos sus viajes y sus principales ideas explicadas por el Papa mirando a cámara.

Es un documental con muchas ideas expresadas con sencillez y apoyadas en imágenes muy impactantes del Santo Padre acercándose a enfermos, presos, pobres. Un testimonio luminoso y original, con un sentido del humor imprevisto y argumentos sobrenaturales inéditos.

Calificación: 7

"Todos lo saben": Asghar Farhadi es de aquí

La historia que cuenta el iraní ganador de 2 Óscar (Nadin y Simin; una separación y El viajante) es muy española. No es un extranjero rodando los tópicos ibéricos con producción, técnicos y actores nacionales. Lleva años en España y ha calado en nuestro país y su gente.

El reparto es galáctico y encantado de tener un guion tan bien perfilado en los caracteres de cada personaje. Es el mejor personaje que le dan a Penélope desde Volver y Bárbara Lennie está inmejorable (ese escena casi al final en que a ella se le quiebra la voz del dolor me parece una de las interpretaciones más conmovedoras que he visto en los últimos tiempos). Como Darín, Bardem, Inma Cuesta, Elvira Mínguez o Eduard Fernández.

Farhadi se apoya especialmente en algunos planos  y detalles marca de la casa. Esa verja verde que se abre y se cierra con el viento mostrando las tierras, el símbolo de la comarca, con su riqueza y sus miserias, el palomar del campanario con las firmas de los amantes del pasado o ese vídeo de la boda que ven al día siguiente contemplando la felicidad que se escapa de manera instantánea.

Calificación: 8

Ava Gardner en España

Ahora que Paco León ha realizado una serie que me da pánico sobre los rodajes y la vida de Ava Gardner en España quiero recordar este documental de  2010 de Isaki Lacuesta. Con mucha personalidad este cineasta se acerca a unos acontecimientos que tienden al esperpento. Me gusta que el director haya utilizado el humor y el respeto en el tono de las entrevistas y la utilización una documentación muy trabajada y plasmada en una edición modélica.

Calificación: 8´5

"El reverendo": Paul Schrader enloquece

Aunque la primera parte de esta película, con sus defectos, puede dar sensación de que estamos viendo una cierta resurrección del terminal Paul Schrader (guionista de prestigio por libretos como el de The Yakuza o Taxi Driver),  la realidad es justo lo contrario. El director y escritor de 72 años está peor que nunca y su última película se vuelve totalmente loca en el tramo final.

La mezcla de ecología, protestantismo oscurantista y terrorismo suicida provoca momentos sublimes en su patetismo. Me encantaría haber visto la cara de Ethan Hawke y Amanda Seyfried cuando les explicaron la escena de su "vuelo espiritual". No me asombra que la película lleve un año en la nevera (se estrenó en el Festival de Venecia de 2017). Lo peor es que haya críticos que hayan pasado por alto los artificios e incoherencias un cine tan fallido y petulante.

Calificación: 3 

Las 37 películas de San Sebastián (2018)

• Llevo 3 años haciendo estas listas de fin de Festival y creo que la edición de 2018 ha sido mejor que la de 2017, e incluso algo más brillante que en 2016. Incluyo aquí también el link a mi intervención en el programa de La Tarde de Cope al comienzo del Festival.

• 1º) "Roma": Cuarón y todos los demás (10)
• 2º) "The Sister Brothers": Fabuloso western (9)
• 3º) "Pájaros de verano": El vuelo imperial de Ciro Guerra (9)
• 4º)"Un asunto de familia": La Palma de Oro del mejor Cannes (9)
• 5º) "Un día más con vida": Cannes tenía razón (8´5)
• 6º) "Viaje al cuarto de una madre": Admirable microcosmos (8´5)
• 7º) "El reino": Sorogoyen también come aparte (8´5)

• 
  
• 8º) "Entre dos aguas": Veracidad deslumbrante (8)
• 9º) "Mudar la piel": Mi mejor amigo, el espía (8)
• 10º) "Cold War": Un verdadero autor (7´5)
• 11º) "El infiltrado del KKKlan": Riquezas y miserias de Spike Lee (7)
• 12º) Gigantes": El renacer de Enrique Urbizu (7)
• 13º) "Ni distintos, ni diferentes: Campeones": El acierto de Álvaro Longoria (7)

• 14º) "Petra": Jaime Rosales acierta y desentona (6´5)
• 15º) "El amor menos pensado": Mejor comedia que drama (6,5)
• 16º) "Capharnaum": ¿Pornografía emocional? (6)

• 17º) "First Man": Ay, las expectativas (6)
• 18º) "Beautiful Boy": Con la metanfetamina no se juega (6)
• 19º) "Tiempo después": Y Cuerda sigue igual (6)

•    20º) "Alpha: The Right to Kill": Me quedo con "Tropa de élite" (6)
•    21º) "Yuli": ¿De Icíar Bollaín y Paul Laverty? (6)
•    22º) "Apuntes para una película de atracos": Buen arranque pero poca gasolina (6)
•    23º) "Dilili en París": Alegría sólo para los ojos (6)
•    24º) "Quién te cantará": Esta melodía me suena (5)

•    25º) "Rojo": Qué bonita era la película de Kieslowki (5)
•    26º) "Blind Spot": El plano interminable (5)
•    27º) "Un hombre fiel": Ligereza francesa (5)
•    28º) "In fabric": La moda nos está matando (5)
•    29º) Illang: La Brigada del lobo": Caótica Corea (5)
•    30º) Malos tiempos en El Royale": Decepción sonora (5)
•    31º) "Red Joan": Poco más que un juego de mesa (5)
•    32º) "Visión": Si los árboles hablasen.... (5)
•    33º) El cuaderno negro": Carcajadas involuntarias (4)
•    34º) "El ángel": Caprichos de un niñato (4)
•    35º) "Angelo": Eternos planos austríacos (4)
•    36º) "The innocent": Le llamaban loca (4)
•    37º) "High Life": la galaxia perdida de Claire Denis (3)

"Tiempo después": Y Cuerda sigue igual

Hay unos parámetros especiales en los que tienes que estar cómodo para entrar en Amanece que no es poco o esta segunda parte futurista.

Calificación: 6

"El cuaderno negro": Carcajadas involuntarias

La directora chilena rueda bonito pero el culebrón acaba siendo ridículo. El Victoria Eugenia acaba muerto de la risa en el pase de prensa. Y con razón.

Calificación: 4

"Un asunto de familia": La Palma de Oro del mejor Cannes

Hirokazu Koreeda ganó por fin la Palma de Oro en Cannes con esta sensacional película. Lo merecía desde hace más de una década.

Calificación: 9 

"The innocent": Le llamaban loca

Habrá mucho que entender en esta película tan alucinógena e ininteligible, pero yo me he pasado todo el partido pidiendo la hora.

Calificación: 4

"El ángel": Caprichos de un niñato

La picaresca argentina ha dado grandes títulos al cine. El ángel no llega a ser más que un capricho producido por Pedro Almodóvar.

Calificación: 4

"Ni distintos ni diferentes: "Campeones": El acierto de Álvaro Longoria

Documental de Álvaro Longoria sobre los actores de esa comedia insuperable que ha convencido a todos.

Calificación: 7

"Illang: La Brigada del lobo": Caótica Corea

Me gustan las escenas de acción, la estética Blade Runner y la canción de Enya, pero entiendo muy poco de esta compleja batalla coreana.

Calificación: 5

"Petra": Jaime Rosales acierta y desentona

Jaime Rosales es un autor en busca de la verdad. Valiente y arriesgado, en Petra combina detalles brillantes con giros muy discutibles.

Calificación: 6´5

"Entre dos aguas": Veracidad deslumbrante

Isaki Lacuesta maneja con artesanía el relato de unas vidas maltratadas. Me mantuvo atento más de dos horas gracias a la sinceridad desnuda de estos actores que se interpretan a sí mismos.

Calificación: 8

"Gigantes": El renacer de Enrique Urbizu

El director de No habrá paz para los malvados vuelve a los retratos perros con un acierto notable en la descripción de la jungla.

Calificación: 7

"Capharnaum": ¿Pornografía emocional?

La historia y los actores eran perfectas para hacer una obra maestra, pero la cineasta libanesa Nadine Labaki se pierde en la manipulación de un material incandescente.

Calificación: 6

"High Life": la galaxia perdida de Claire Denis

Tediosa película francesa de la directora Claire Denis. Un viaje ensimismado en un pesimismo galáctico primerizo con Juliette Binoche y Robert Pattison como estrellas alienadas.

Calificación: 3

"El infiltrado del KKKlan": Riquezas y miserias de Spike Lee

Spike Lee y el productor Jordan Peele (Déjame salir) no son maestros de la sutileza. Aún así logran una comedia con escenas desternillantes.

Calificación: 7

"Malos tiempos en El Royale": Decepción sonora

Parece una mala película de Tarantino. No me esperaba algo tan fallido de Drew Goddard, uno de los cerebros más ingeniosos del cine actual.

Calificación: 5

"The Sister Brothers": Fabuloso western

Hablar de una película así no es fácil. No aciertas con las palabras para definir algo tan prodigioso, tan perfecto en todas sus medidas.

Calificación: 9

"Blind Spot": El plano interminable

De esas películas que les encantan a esos especialistas fascinados por el cine que casi nadie ve. Virtuosismo visual tedioso directamente llegado desde la fría Noruega.

Calificación: 5

"Viaje al cuarto de una madre": Admirable microcosmos

Una opera prima que señala otra directora-guionista-española con lenguaje propio: Celia Rico. Tiene mucho que decir sin salir de esa acogedora habitación iluminada por dos verdaderos astros de la interpretación.

Calificación: 8´5

"Alpha: The Right to Kill": Me quedo con "Tropa de élite"

El narcotráfico es el argumento de demasiadas series y películas imprescindibles. Esta película filipina se queda en aceptable.

Calificación: 6

"Dilili en París": Alegría sólo para los ojos

Una película para mirar con detalle. Preciosa, pero le falta una historia que esté a la altura.

Calificación: 6

"Mudar la piel": Mi mejor amigo, el espía

Una historia que merecía ser contada. Los directores de este documental tienen imaginación para generar tensión, drama e incertidumbre.

Calificación: 8

"Apuntes para una película de atracos": Poca gasolina

Me gusta mucho la idea y el arranque pero el motor se atasca demasiado pronto.

Calificación: 6

"Angelo": Eternos planos austríacos

Me cansa hasta el trailer de la película. En mi top ten de muermos festivaleros.

Calificación: 4

"Rojo": Qué bonita era la película de Kieslowki

Una película en la que podría aparecer una nave espacial, un hada madrina o Maradona declamando Shakespeare. Todo le cabe a esta peculiar cinta argentina.

Calificación: 5

"Visión": Si los árboles hablasen.... Pero como no hablan

Hay belleza innegable en varias escenas de esta película, pero a Naomi Kawase no se le puede consentir todo. La metáfora no lo aguanta todo.

Calificación: 5

"Quién te cantará": Esta melodía me suena

Carlos Vermut sigue en su línea. Más allá del impacto al que somete al espectador con toda la crueldad que le permiten sus delirios, no queda nada en su cine que deje alguna huella.

Calificación: 6

"Roma": Cuarón y todos los demás

Hay muchos directores de cine con habilidad, imaginación, sabiduría... Y luego está Alfonso Cuarón. Con Gravity rompió el molde y Roma no se queda atrás. Admirable en cada detalle. Es terrible que prácticamente se prohiba al espectador verla en pantalla grande.

Calificación: 10

"In fabric": La moda nos está matando

Ideal para una sesión golfa y algo fumada de Sitges. Lejos de ese ambiente paranoico, esta moda se cae de vieja como el Drácula de los 70.

Calificación: 5

"Un día más con vida": Cannes tenía razón

Una de las muestras de cine más incontestables del año. Y una historia espléndida de un periodista único en su especie.

Calificación: 8´5

"Red Joan": Poco más que un juego de mesa

La KGB, la bomba atómica, los servicios de inteligencia... Todo merece un tratamiento más inteligente en esta película de sobremesa.

Calificación: 5

"Cold War": Un verdadero autor

El director polaco de Ida se mantiene fiel a sus señas de identidad que le han llevado a ser uno de los cineastas más prestigiosos del mundo.

Calificación: 7´5

"Pájaros de verano": El vuelo imperial de Ciro Guerra

Ciro Guerra vuelve a demostrar que es uno de los directores latinoamericanos más destacables. Su última película es un verdadero espectáculo para ver en pantalla grande.

Calificación: 9

"Un hombre fiel": Ligereza francesa

Les encanta hacer este tipo de películas. Todos con su voz en off saltando de un sentimiento a otro con ese romanticismo tan irreal y encantado de haberse conocido.

Calificación: 5

"El reino": Sorogoyen también come aparte.

Hace unos días el Marca titulaba "Messi come aparte". Con Sorogoyen pasa lo mismo. Está en lo más alto y no parece cansado de crecer.

Calificación: 9

"Yuli": ¿De Icíar Bollaín y Paul Laverty?

Icíar Bollaín y Paul Laverty son dos maestros del cine europeo pero este viaje cubano no me ha convencido casi nada.

Calificación: 6

"Beautiful Boy": Con la metanfetamina no se juega

Después de Breaking Bad no todo el mundo puede ponerse a hacer una película sobre esa droga tan terrible. Aunque sea con un reparto excelente.

Calificación: 6

"First Man": Ay, las expectativas

Damien Chazelle (Whiplash, La La Land) es lo más valioso que ha dado el cine norteamericano en los últimos años. Su tercera película no está a la altura. Ni mucho menos.

Calificación: 6

"El amor menos pensado": Mejor comedia que drama

Una comedia que tiene dos actores con mayúsculas que se entienden y la cámara les quiere. Mucho. Quizás el director podría haber aprovechado mejor tanto tiempo con ellos en pantalla.

Calificación: 6´5

Asfixiando a Chejov

Me parecía imposible que la última versión cinematográfica de La Gaviota, una de las obras maestras del teatro de Chejov, fuese una mala película. Con ese repartazo, un buen presupuesto y ese texto era díficil no salir a hombros. Pero así es. Coincido plenamente lo que apuntan Jordi Costa en El País o Peter Debruge en Variety: el montaje y la planificación matan la lírica de Chejov.



La película es apresurada, entrecortada y asediada por insertos musicales desatinados. Los actores, fantásticos, acaban ahogados en un ritmo exasperante en el que el espectador no tiene la pausa necesaria para escuchar, contemplar y reflexionar sobre un texto tan complejo y fascinante. ¿Por qué a un director como Michael Mayer (Smash, Flicka, Una casa en el fin del mundo) se le encarga la versión de una obra tan intocable? Lo desconozco, pero ha sido un error evidente. No hace falta más que comparar esta película con otra versión chejoviana: Vania en la calle 42 (1994), esa obra de arte de Louis Malle y David Mamet interpretada por una gloriosa Julianne Moore.

Calificación: 5