Lo imposible del año: ponerse de acuerdo sobre "Los miserables"

No una ni dos. Me acabo de leer veinte críticas de Los miserables. Cada una de su padre y de su madre. Hay de todo, pero muy poca indiferencia. Mi opinión no es muy positiva. Me encantan los musicales, la novela de Víctor Hugo, la versión que hizo Bill August en 1998 con Uma Thurman y una jovencísima Claire Danes. Pero de esta versión....

Me gusta mucho: 

Anne Hathaway. La única que logra consenso, está perfecta. Su interpretación del I Dreamed a Dream es desbordante de autenticidad y talento. Que se prepare un buen armario porque le van a caer premios por todas partes.

Eddie Redmayne ya demostró en Mi semana con Marylin que no era una gran promesa sino un gran actor. Aquí es la voz masculina que mejor suena. Hace buena pareja tanto con Samantha Barks (que viene del musical) como con Amanda Seyfried, que están espléndidas en todo.





Me ha defraudado:

Russell Crowe. Como rockero tendrá buena voz pero aquí está fuera de lugar. Por voz, por interpretación. Es curioso, teniendo una voz tan poderosa, pero le falta carisma, matiz para entonar sentimientos. Es demasiado plano en todo lo que hace.

Tom Hooper: Me pareció excesiva la alabanza tan unánime y premiada que recibió por la serie John Adams (que me resultó un tostón), y las películas The Damned United y El discurso del Rey (que no estaban nada mal, pero de ahí a considerarlas joyas o genialidades...). Aquí me exaspera abiertamente con los primeros planos, los grandes angulares, el tempo de muchas escenas, el montaje... Echo demasiado de menos planos que tengan algo de fuerza visual. Coincido con lo que dice algún crítico: es lo peor de la peli. Creo que es el principal responsable de que la película sea emocionante sólo 20 ó 25 minutos de los larguísimos 152 del metraje final.

Helena Bonham-Carter y Sacha Baron Cohen: parecen salidos de una peli de Terry Gillian. Y no es el caso.

Hugh Jackman. Esperaba mucho de él. Es un gran actor que además venía del musical. Está correcto, pero ninguna de sus canciones llega tan lejos como debería. Creo que un musical como este, en el que no hay coreografía, sale perdiendo.

One day more. Una de las canciones fundamentales y la diferencia entre la película y el musical teatral es abismal. En el teatro la gente se pone en pie y aplaude durante bastantes minutos. Yo haría lo mismo. En el cine me iba a dar algo viendo el torpe montaje y escuchando las voces tan limitadas de Russell y compañía. Juzgar vosotros mismos... Desgraciadamente sólo os puedo poner la voz del musical teatral porque Youtube ha borrado el vídeo con las imágenes que era una verdadera maravilla. ¡Cabrones! Aún así las voces son imponentes.

Nostalgia de pantalla grande

En los próximos meses Sam Raimi y los hermanos Wachowski estrenan dos película para ver en pantalla grande. No sé qué tal estará el guión pero el aspecto es muy espectacular y la historia da mucho de sí. Una es otra vuelta de tuerca al mundo de Oz. Y van... unas cuantas desde esa maravilla de Victor Fleming y Judy Garland en 1939.

La otra es la enésima oportunidad de los hermanos Wachowski para demostrar que su talento no empezó y acabó con la primera parte de Matrix. Tom Tykwer (Corre, Lola, Corre, The International)  es también codirector. Un reparto espectacular, metraje desmedido, historia rocambolesca... Da bastante vértigo, pero si sale bien puede ser una gozada disfrutarla en pantalla grande. 

Las "listas" del "Profesor Lazhar"

Todo el mundo pide listas. Y hay gente que se las trabaja mucho. Para listas la de nuestra compañera Ana. 24 pelis ni más ni menos. Muy bien reseñadas. Yo he puesto 13. Pero quiero destacar una. Hay películas canadienses interesantes. Y bastantes más que hablen en francés de la educación. Profesor Lazhar es una de las más imprescindibles. Muy sutil, entrañable, profunda, certera. Una joya que desgraciadamente no ha tenido la repercusión que merecía. No es raro que esté en cabeza de todas las listas de las mejores del año.

Calificación: 9

Chus y la autoestima ibérica navideña

Campofrío ha hecho un anuncio navideño que, aunque no deja de ser una vuelta más al orgullo patrio en tiempos de crisis, tiene a Chus Lampreave (a quien tuve el gusto de entrevistar en San Sebastián). Y a Fofito. Y a Santiago Segura. Y las magdalenas gordas... Muy ibérico todo con un final apoteósico enviando España en lonchas a la Merkel. Digno de Berlanga.

El Paul Haggis de 2004 hizo "crash"

Hace unos días vi con publico altamente peligroso de edad adolescente la película Crash. Ganadora de 3 Óscar (película, guión y montaje) en 2004, esta película escrita y dirigida por Paul Haggis birló justamente y por sorpresa la gloria que parecía que iban  llevarse los cowboys gays de Ang Lee (Brokeback Mountain).



Me asombró que mucho de los asistentes a la proyección ni la habían visto ni habían oído hablar de ella. A mí me gustó en su día y ahora me ha parecido uno de las películas más modernas y diferentes que se han hecho en los últimos años. Lo que no entiendo es el declive de Haggis, que también en 2004 escribió el guión de Million Dollar Baby. Es verdad que están muy bien los guiones de Casino Royale, e incluso los libretos de En el valle de Elah y Banderas de nuestrtos padres tienen grandes momentos. Pero Los próximos tres días, The last kiss, el guión del videojuego Call of Duty 3... están en otro nivel.



Veo que en 2013 tiene previsto terminar de escribir y dirigir The Third Person con un reparto que quita el hipo: Mila Kunis, Liam Neeson, Kim Basinger, Olivia Wilde, James Franco, Cassey Aflleck, Adrien Brody... La última vez que Haggis reunió a un reparto de esta magnitud hizo algo muy parecido a una obra maestra (el tiempo lo dirá, pero Crash 8 años después no pierde, gana). Por cierto, el trailer es una maravilla. Y la música de Mark Isham, caso aparte, que no fuese ni nominada desmerece a los Óscar, no a la peli.

Calificación: 9

"La jungla 5": Explota otra vez, Mac Claine

No sé si llegará al nivel de La Jungla 4, pero todo apunta a que nos vamos a volver a divertir con próxima película de Bruce Willis. Desde luego el trailer ya se ha ganado las primeras carcajadas (a pesar de que me agota ver a la chica objeto motorista homenaje a Michael Bay). Llegará a mediados de febrero. No irá a los Oscar, pero probablemente volverá a barrer en taquilla. Bruce y la Madre Rusia nos esperan.

Will Hunting cree en el Atleti

Quedan horas. 13 años de historia pueden cambiar hoy a las 22h en el Santiago Bernabéu. El cine no mira indiferente esta batalla histórica. Will Hunting, que hace unos meses ya daba su opinión sobre Justin Bieber, apuesta por Falcao y el Atleti.

Hossein Amini, Pedro Antonio y "Jude"

Hossein Amini es el escritor iraní que ha dejado una huella muy definida en los guiones de películas como Drive, Las alas de la paloma, Blancanieves y la leyenda del cazador y, sobre todo, Jude. Esta película de Michael Wintebotton es una de esas joya que he podido descubrir gracias a una de sus críticas clarividentes de Pedro Antonio Urbina (uno de los grandes escritores de cine que han pasado por Fila Siete). Os dejo con sus palabras y la música de esta obra de arte que brilla en cada gesto, en cada fotograma.

"Es sin duda un film políticamente incorrecto, como han debido de pensar los encargados de su promoción, que mienten absolutamente sobre su contenido. Última novela de Thomas Hardy (1896), expone la tragedia de un obstinado orgullo; cierto, la soberbia suele ir acompañada de lujuria, como así es en este perfecto retrato. En su tiempo la novela fue atacada y motejada como Judas el Obsceno. En eso se ha centrado la propaganda, pero ahora como un derecho "frente a una sociedad timorata y a la opresiva moral tradicional". Muy al contrario. Si bien la película muestra esa obscenidad, a veces explícitamente, es difícil hallar hoy una tan correcta visión del bien y del mal, de la grandeza del matrimonio, del arrepentimiento, de la fe y la gracia, de la presencia de Dios en las vidas de los hombres.

La película es un espléndido traslado de la novela. Se trata, por tanto, de un film narrativo, argumental, de perfectos trazos psicológicos, magníficamente recreados por todos los actores. Bellísima, conmovedora, tremenda, y cuyo fondo cristiano la hace para algunos políticamente incorrecta".

Calificación: 8,5

El regreso de Bigelow... Y Jessica

La primera mujer en lograr el Oscar a la mejor dirección por En tierra hostil, vuelve al lugar en el que se siente cómoda. Terrorismo, Oriente Medio, Estados Unidos visto desde una distancia crítica. Y qué mejor que la captura más famosa del siglo XXI.

Tras la sombra de Osama Bin Laden estuvo medio mundo durante casi 10 años, y el momento del final de la historia quizás no tuvo la intensidad necesaria. La directora de Días extraños vuelve a ponerse en primera fila para los Oscar. Junto a ella, una actriz que nunca deja indiferente con su trabajo: Jessica Chastain.

"Los miserables", el Oscar y los musicales

Sólo 9 musicales han logrado hasta ahora el Óscar a la mejor película. Lo más curioso es que 7 de ellos pertenecen a una etapa muy específica: entre 1944 (Siguiendo mi camino) y 1968 (Oliver). Desde entonces sólo un Oscar (Chicago) en 2002. Es evidente que en los años del cine clásico había muchos y mejores musicales, pero aún así resulta curioso que en los últimos años 50 años tan pocas películas de este genero hayan sido valoradas por la Academia. Aparte de Chicago, sólo Moulin Rouge (2001) y El violinista en el tejado (1971), han llegado a ser nominadas.

Este año hay un musical muy bien posicionado de cara a los premios de la Academia: la versión del inglés Tom Hopper (ganador de un Oscar por El discurso del Rey en 2010), del prestigioso musical de Boublil y Schönberg. Lo tiene todo. Grandes actores, una poderosa banda sonora, un musical que lleva décadas llenando teatros de todo el mundo, un director con personalidad... Por ahora no parece que Lincoln (de Spielberg), The Master (de Paul Thomas Anderson) o Argo (de Ben Affleck) vayan a poder con ella.

"Un cuento de hadas" de Charles Sturridge

Hay muchos alicientes para recuperar esta película de Charles Sturridge de 1997. La primera es que aunque es una historia fantástica está basada en hechos reales. En 1917 unas niñas de Yorkshire hicieron unas fotografías de unas hadas que dieron la vuelta al mundo. Incluso personajes contemporáneos como Arthur Conan Doyle (en la película un estupendo Peter O´Toole) o el mago Houdini (Harvey Keitel), se interesaron por este fenómeno.

Ahora que Campanilla (en su versión más infantil y simple en mi opinión), vuelve a los cines, es buen momento para recordar esta maravilla del director de Donde los ángeles no se aventuran o la serie de Retorno a Brideshead (la mejor adaptación hasta hoy del clásico de Evelyn Waugh). Una película deliciosa para todo tipo de públicos, que además cuenta con una de las composiciones musicales menos conocidas del maestro polaco Zbiniew Preisner (Tres colores, Cuando un hombre ama a una mujer, El jardín secreto).

"Liberal Arts": el regreso de Josh Radnor

El actor protagonista de Cómo conocí a vuestra madre es también un director y guionista excelente. Con sólo un millón de dólares rodó su opera prima, Happythankyoumoreplease, que fue presentada hace dos años en el Festival de Cine de San Sebastián. Esta comedia generacional es una verdadera joya de la comedia americana independiente. Una de esas películas que no quieres que acabe porque todo lo que ves y oyes es brillante, divertido y ocurrente.

Todavía no he visto su segunda película (Liberal Arts, en España, Amor y letras... sin comentarios), que se estrenará en España el próximo 14 de diciembre. Pero todos los comentarios que me han llegado son positivos, en la línea de su película anterior. El trailer es muy atractivo. Esperemos que este discípulo de Woody Allen, mucho menos cínico y destructivo que su maestro, vuelva a conmover y divertir como en su primera película.

Canciones finales para regresar

Si la película te ha gustado te quedas paralizado, como rebobinando todo lo que has vivido para que no se pierda nada en la vuelta al mundo real. Un buen final no es tarea fácil, pero si tienes el apoyo de una buena canción que resuma el tono de la película es más sencillo. Te vas del cine lentamente con una melodía en la cabeza que se quedara un tiempo contigo.

Recientemente he visto una película (Blancanieves y la leyenda del cazador) y una miniserie (Hatfields y McCoy, por la que Kevin Costner "Western" acaba de recibir el Emmy) que, después de haberme entretenido y emocionado en algunos momentos, han concluido con una acertada canción.

En el caso de la canción de Florence and the machine incluyo la canción y un vídeo explicativo sobre su composición. Una buena oportunidad de escuchar a uno de los mejores músicos de cine de las últimas décadas: James Newton Howard.

80 años del toque Lubitsch

Realmente Ernest Lubitsch empezó a hacer películas en Alemania hace casi 100 años (su primera película data de 1914), pero muchos consideran Un ladrón en la alcoba (1932) como la película que consolidó un estilo.

Peter Bogdanovich no dudaba en colocar The Merry Widow (La viuda alegre, 1934) como una de las 10 mejores películas de la historia. No digamos ya hasta dónde llegaban los elogios de su mejor discípulo Billy Wilder. Desde luego este director alemán dejó una huella inmortal en la sofisticación cinematográfica que muchas veces se echa en falta en las comedias norteamericanas actuales.

Este breve reportaje da las claves del famoso toque Lubitsch y anima a volver a ver obras maestras como Ninotchka, El pecado de Cluny Brown, Una mujer para dos, Ser o no ser, La octava mujer de Barba Azul, Ángel, El bazar de las sorpresas, El diablo dijo no o Lo que piensan las mujeres. Un ejemplo del cine clásico que con el paso de los años no deja de ser más moderno y sutil.

"Los descendientes": gran película, estupenda novela

Hace unos días he comprendido el entusiasmo de Alexander Payne por la novela en la que se basa su última película: Los descendientes. La primera novela de la hawaiana afincada en Estados Unidos Kaui Hart Hemmings es una mezcla muy acertada de comedia, crítica y ternura por el ser humano. En palabras del crítico literario del New York Times: "Hemmings encauza con virtuosismo la voz de un desconcertado héroe de mediana edad".

Todo lo que Payne sugiere en la película se desarrolla con mucho talento en la novela, con diálogos afilados, descripciones certeras y un ritmo narrativo muy preciso, capaz de conmoverte, hacerte reír y pensar en el paso de una línea a otra. Hemmings se apoya en unos personajes definidos minuciosamente sin caer en arquetipos. Tal y como sucede en la película todos tienen su lado patético, egoísta y mortal, pero también su reverso luminoso, entrañable y humano. 

A lo largo de poco más de 300 páginas el retrato sociológico es completo. Partiendo de la pregunta ¿qué dejarás a tus hijos cuando te marches?, Hemmings no adoctrina al lector a pesar de mostrar las lagunas negras de una familia moderna, rica, aparentemente perfecta y realmente infeliz. Pero su novela se instala en tu cerebro haciéndote preguntas molestas una vez que sus personajes han conseguido, uno por uno, meterse de lleno en tu vida.

La novela se digiere especialmente bien en chanclas y bermudas, bajo el sol y en una tumbona con el sonido leve de las olas hawaianas. Pero como no es fácil tal grado de inmersión, una solución más asequible es instalarnos en cualquier rincón de nuestra Ikeahouse y poner de fondo la música hawaiana de la película. Es una experiencia catártica necesaria.

A falta de Shyamalan: "Touch"

Llevamos tiempo sin saber nada del director de El sexto sentido, El protegido y La joven del agua. Muchos esperan el momento de su regreso para volver a tener alguien al que menospreciar. Yo no. Espero la necesaria redención después de la infumable Airbender. Hasta 2013 no podremos ver a Will Smith e hijo en After Earth, la próxima peli del director indio que tiene un argumento peligrosamente parecido a la prescindible serie de ciencia-ficción Terra Nova. Será la primera vez que Shyamalan no escribirá el guión de una película suya.

Mientras tanto, hay un serie que recuerda a lo mejor del director de Señales: Touch. Un juego ingenioso que mezcla historias cortas al estilo de Crash de Paul Haggis (otro genio moderno desaparecido). Kiefer Sutherland (24), cambia de registro con acierto y pasa de las persecuciones a descifrar los crucigramas vitales que interpreta su hijo (David Mazouz), uno de los niño prodigio más interesantes de los últimos años.

Emotiva, bien contada, con una música incidental muy sugerente, Touch ya ha empezado su segunda temporada. Una de las buenas noticias de un otoño televisivo bastante redondo.

Directed by John Ford

Leer y releer a Bogdanovich es peligroso. Este buen actor, notable director y aún mejor crítico hace que te des cuenta de todo el buen cine que aún te queda por ver. Ahora mismo estoy leyendo el primer volumen de El director es la estrella. En él habla del libro y documental que hizo sobre John Ford, el genio indiscutible que odiaba las entrevistas.

En el comienzo del documental Bogdanovich cuenta el origen de la famosa frase de Orson Welles sobre John Ford. Haré como el cineasta serbo-croata, adelanto un aperitivo que deja con muchas ganas de ver más y mejor.

Sí, Mel sigue haciendo películas

Y es una pena que haya gente que se esté perdiendo a un actor, director, guionista y productor de un talento tan desbordante. Desgraciadamente se habla demasiado de Mel Gibson por cuestiones extracinematográficas. Algo parecido le pasa a Tom Cruise, que está en uno de sus grandes momentos le pese a quién le pese. Pero lo del director de 4 de 4 (4 películas dirigidas; 4 películas enormes), es persecución en toda regla.

En Hollywood pocos le perdonan el dinero que hizo con con La Pasión; la película más taquillera del cine independiente con más de 600 millones de dólares ingresados, un filme para mayores de 18 años, pagado de su bolsillo y rodado en arameo y latín.

En Estados Unidos ha tenido que estrenar su película en televisión por cable después del fracaso económico, que no artístico, de El castor.



Aquí la podemos ver en cine gracias a Filmax. Dejo el cartel entre otros motivos porque el trailer me parece un delito. No porque cuente parte del argumento (que lo hace), sino porque no está a la altura de una película más que notable. Me alegro de que haya gente que coincida con mi opinión de la peli. Y espero que le "vaya bonito" a Mel en este viaje mejicano.

"Mamá": 3 minutos que convencieron a Guillermo del Toro

El cortometraje Mamá de Andrés Muschietti dirigido en 2008 apenas duraba 3 minutos. Suficiente para convencer a Guillermo del Toro de que detrás de esa mínima historia había un buen largometraje. Después de su salida fulminante del proyecto de El Hobbit, el mejicano está plenamente dedicado a la producción. Con esta nueva película de terror vuelve a ejercer de padrino. Veremos si realmente la historia da para tanto. La película se estrenará en España el 8 de febrero de 2013, coincidiendo con el esperado biopic Hitchcock, protagonizado por Anthony Hopkins.

"El Hobbit", el gaélico escocés y el élfico argentino

Llegará el 14 de diciembre. A Peter Jackson le gusta compartir la Navidad y vuelve a traernos a Tolkien en esas fechas. Al final El Hobbit, después de dar vueltas y vueltas, será un trilogía dirigida por el director neozelandés tras el abandono de Guillermo del Toro. Los trailer no son nada del otro mundo y el primero mejor que el segundo. Pero muy lejos del que hicieron para El Retorno del rey. Aún así espero mucho de la peli de Peter Jackson. Le salen muy bien estas películas (y casi sólo estas películas).








Lo que es una pena  es empeñarse en doblar las canciones que no se pueden traducir. Es como si hubiesen doblado a Viggo Mortensen en la escena de la coronación de El Retorno del Rey. En Brave lo han hecho muy bien dejando el gaélico en el tema cantado por Emma Thompson y Peigi Barker.





Una última curiosidad. Una de esas cosas que produce Youtube. Muy divertida la traducción que hacen del discurso de Aragorn.

El cine clásico cada vez más moderno

Cuando uno se dedica a esto del cine tiene el peligro de vivir de lo inmediato. Decenas de películas todas las semanas, no digamos ya si uno intenta estar al tanto de las series de la tele que logran la perfección cinematográfica. Y en medio de todo lo que está claro es que hacer una película en mudo, en blanco y negro, sobre una estrella de Hollywood, la invención del cine, es cada vez más habitual. Un reclamo para volver a ver el cine perdurable, ése que nunca deja de ser moderno.

A modo de collage pongo algunas de las películas más interesantes que el cine nos está ofreciendo para que no olvidemos dónde está el principio de todo. Hitchcock, Vivien Leigh, Laurence Olivier, Tippi Hedren, Janet Leigh, Walt Disney, Marylin, Melies (lo mejor es el trailer, la peli me dejó muy frío)... Casi nada

Esa chica pelirroja

No es el mejor Pixar. No llega a la primera línea, pero Brave es una gran película. Sólo por la animación del movimiento y definición del pelo rojo de la protagonista merecería ya la pena. Pero luego también hay humor, una relación madre-hija deliciosa y una banda sonora formidable de Patrick Doyle. Lo único malo es que el trailer que hicieron era muy flojo, muy Dreamworks en el peor sentido (bromas fáciles, personajes planos y exagerados). Y no, se parece al mejor Dreamworks (Cómo entrenar a tu dragón).



Generalmente no suelo aguantar los doblajes de canciones pero hay que reconocer que la versión española que ha hecho Russian Red en esta banda sonora está muy lograda. Larga vida a Doyle y a Pixar.

Calificación: 7

La noche de Ewan

Con 41 años Ewan McGregor se convirtió ayer en el actor más joven en recibir el Premio Donostia. El escocés es uno de los grandes de su generación, un artista polivalente capaz de meterse en personajes tan distintos como los protagonistas de Moulin Rouge, A tumba abierta, Big Fish o Star Wars.

El actor presentaba además Lo imposible, la esperada película de Juan Antonio Bayona, la segunda en recrear un tsunamí después de Más allá de la vida de Clint Eastwood.

Bayona hace una película muy spielbergiana en espectacularidad y algunos planos "homenaje" al Rey Midas. Sólo hay que ver el plano de Naomi Watts frente al cristal que tiembla de miedo ante la llegada de la catástrofe. Además el empeño por reflejar la importancia de la maternidad y la paternidad recuerda mucho al director de Cincinati. La película demuestra además que Bayona es capaz de hacer una gran superproducción al estilo norteamericano.

Quizás la película no tenga toda la emoción que debería y quizás el final sea demasiado seco. Pero Lo imposible es un filme importante de un cineasta que crece muy rápido.

Donostia se suma a la bronca nacional con luto, silencio y mosqueo kurdestaní

Quedaba mal eso de que en Madrid hubiese manifestaciones y palos y en San Sebastian siguiésemos con flashes y sonrisas. Así que solidaridad total. Películas de luto, recogida de alfombra roja y toque de queda. Desértico Donosti con sólo una película en competición oficial presentado con gran mosqueo del director Bahman Ghobadi (ganador de dos Conchas de Oro por Las tortugas también vuelan y Media luna). Según el director del Kurdistán iraní, la copia de Fasle Kargaden que se ha proyectado esta mañana no tenía bien sincronizado el sonido (algo que no he percibido, sinceramente), por lo que se ha negado a dar rueda prensa hasta que "podamos" ver la versión buena que sí se va a proyectar esta tarde llegada directamente de Estambul.

No me veo repitiendo aunque la película cuenta una historia interesante de un poeta recién salido de la cárcel en busca de su bella mujer (la italiana Monica Bellucci, que hoy se quedó sin alfombra), y del hombre que le mantuvo durante años apartado de ella. Es una película turca, es decir, turca, pero Ghobadi tiene un talento bastante universal para contar historias. Y siempre te deja detalles visuales muy originales y sugerentes, algo que muestra bien el trailer de la peli.


The attack del director libanés Ziad Doueiri que fue ayudante de cámara de Quentin Tarantino, es un buen ejemplo del cine que intenta acercarse al terrorismo islámico con enfoques novedosos. En este filme se explora el desconcierto de Amin Jaafari, un cirujano israelí de origen palestino, completamente integrado en la sociedad de Tel Aviv. Tiene un matrimonio feliz, una carrera brillante y numerosos amigos judíos. Cuando un ataque suicida en un restaurante deja diecinueve muertos y la policía israelí le confirma que su mujer, que también ha muerto en la explosión, era la causante del atentado.

Una historia muy dura, muy bien contada al principio y al final, tumbativa en los tremendos interrogatorios pero que peca de excesivos momentos "Crash" (música a lo Mark Isham, cámara cercana, momentos de reflexión para el espectador, muy al estilo de la oscarizada película de Paul Haggis). El director consigue meterte en una piel de lo más incómoda, acercándote a un planteamiento muy matizado y sugerente sobre un problema complejo: las personas que teniendo una educación y una cultura occidental, se sienten libremente atraídos o obligatoriamente incrustados en el islamismo radical. En este sentido la película recuerda en su planteamiento argumental y personajes a los de la serie norteamericana Homeland (recientemente triunfadora en los Emmy).

Y acabo rápido con All apologies, de la china Emily Tang que cierra el (sospechosamente reducido), tramo Babel de este Festival. Dramón trágico que sin embargo te deja frío para lo fuerte que te cuenta. La historia es demasiado culebrón con niños que mueren en accidente, violaciones en busca de recuperar el niño perdido... Según la directora, la vida misma. Es una manera de verlo. Yo no la incluiré en mi lista de las 10 películas chinas que aconsejo a los que piensan que el cine chino es para cortarse las venas.

Mañana vuelve España, Occidente, Hollywood y la alfombra roja a San Sebastián con el estreno de Lo imposible de Juan Antonio Bayona. Hasta entonces toque de queda. A recuperar sueño o a ver el Betis-Atlético de Madrid, duelo por la segunda plaza con Falcao como estrella invitada que promete desplegar su particular alfombra roja en las dos áreas (es que se juega primero en un campo y luego otro, lo digo por ti Sara, que sé que te has quedado desconcertada con la metáfora).  

Traca de petardos en Donosti

Todo Festival tiene que innovar, sorprender y, por descontado, aburrir de vez en cuando para que la profesión de crítico de cine no sea tan gratificante. Este año hay que reconocer que las películas estaban sorprendiendo. Contaban historias, argumentos que avanzaban, cine que se entendía y entretenía. Con excepción de la Experiencia Rebollo (por favor no se pierdan la entrevista al director en el Diario Vasco y una crítica de la peli a modo de antídoto), todo estaba siendo demasiado asequible.

Pero siempre hay un día negro. Uno de esos en los que uno piensa si lo mejor no hubiese sido hacer caso a mamá y papá y hacer una oposición, un máster y esas cosas que te capacitan para ganar pasta durante toda tu vida de sueldo, horario y muermo fijo. Iré rápido a ritmo de traca, por la cosa de no aburrirles más de lo que ya me he aburrido yo. Y la colección de petardos es generosa.

Después de Lucía. Acercarse a la sección Horizontes Latinos siempre es peligroso. Hasta ayer no tuve valor. Eran las 2 de la tarde, otra peli a las 16:30, en fin, que uno no está uno para bromas y la salida es fácil, pasillo, puerta a la derecha. Y la verdad es que aguanté hasta el final. Pero tengo que decirlo: ¿Hay algún mejicano al que no torturen, violen, secuestren, droguen o corten la cabeza en algún momento de su vida? Mira que me molesta que los norteamericanos pinten ese país como la Babilonia del delito (El fuego de la venganza, Salvajes), pero es que se lo ganan a pulso. ¿Qué es Después de Lucía? Una niña adolescente que se le muere la madre, los compañeros abusan de ella, la humillan, miccionan encima suya, la golpean... ¿Y ella que hace? Callar. Debe pensar, claro, como soy mejicana, ¿qué menos? La peli tiene planos larguísimos excesivos, está bien interpretada, pero lo siento, ya he visto demasiados homenajes a Iñarritu.

 

Apres Mai: Vino Assayas (Carlos, Clean, Las horas del verano), el director, a presentarla en la Zabaltegui. Dijo que era una película para los jóvenes de ahora... No veo yo colas de palomiteros descerebrados comprando una entrada para ver una peli francesa de más de dos horas sobre Mayo del 68. Y eso que los actores no profesionales cumplen, pero la peli es muy pesada. Quizás porque quiera expresar que los jóvenes del 68 se aburrían mucho con la cosa de no ir a clase. Parece que ese es el principal motivo por el que escribían pasquines, hacían pintadas en los colegios y huían de la poli. El comunismo se está poniendo muy aburrido en el cine y yo para recordar a los estudiantes fumando con melenas y minifalda me quedo con una canción de Ismael Serrano o Sabina cuando se pone nostálgico. Y acabo antes.

Die Libenden o The Dead and the living: Peli austriaca de una directora de Viena nacida en 1970. Sección oficial. Intentona de ser distinta con músicas distintas y una narración a saltos que sin explicarte nada te pone delante de una chica que protagoniza sexo inmediato (dos en 10 minutos de peli, para que luego digan de Bigas, hermanita de la caridad), se pregunta si su abuelo es de las SS, entrevista a chicos para un programa estilo Operación Triunfo. Y yo preguntándome ¿Y esta quién es? ¿Qué hace? ¿Por qué esta aquí? ¿Por qué no la matan?

Venuto al mondo de Sergio Castellito (No te muevas), con Penélope, que por ahí andará huyendo de la prensa. Lo siento, no pienso perseguirla. No es mi tipo, a mí la que me pone a sus pies es Chus Lampreave con sus 81 años (qué gozada de entrevista, solos, ella, yo y el sol donostierra que no pica en la terracita del María Cristina, ya les contaré). Pero volvamos. Es la película más pitada y la que más carcajadas ha provocado de manera involuntaria. El culebrón es tremendo con Sarajevo por medio, Penélope yéndose con uno, dos, tres y al final ese niño ¿de quién es Penélope? Ojo Pe, que todo queda en IMDB, y desde Volver seguimos esperando-TE.
 


       

Afrancesado y maduro Trueba

Hay demasiadas cosas que me han gustado de El artista y la modelo de Fernando Trueba, presentada en la sección oficial. Es una película que habla del proceso creador de un artista con profundidad, poesía y tacto, sin llegar a ser pedante ni repelente. En mi opinión quizás le sobra algún exceso de retórica y cierta redundancia en la primera media hora, pero hay que tener en cuenta que el material era muy resbaladizo.

El artista y la modelo es desde luego una película grande, muy bien interpretada y cuidada hasta el detalle (se nota que el director ha tardado años en madurarla con la intención de dedicarsela a su hermano Máximo, escultor fallecido en 1996). La pareja Cardinale-Lampreave es una verdadera delicia, un ejemplo de personajes secundarios que enriquecen el argumento central. La película tiene mucho silencio, habitualmente inteligente y necesario, aunque está tan bien dialogada la película (la visita del nazi, las conversaciones del artista y su musa), que echas de menos en algunos tramos un mayor desarrollo narrativo que poético.

Lo que no acabo de entender es el blanco y negro. Siempre le da un tono clásico pero pierdes los matices del color que son necesarios en una película tan contemplativa. Me hubiese resultado extraño que Victor Erice lo hubiese utilizado el El sol del membrillo (película bastante conectada con la de Trueba).

Puestos a pedir más, creo que a la película no le hacía falta la sombra cínica y desesperanzada tan característica del director madrileño. Pocos artistas pueden permitirse ser luminosos en una película tan honda sin caer en la cursilería con exceso de didáctica. Y Trueba podía haberlo hecho, pero no ha querido tomando una decisión muy concreta que marca toda la película. La belleza como el ser humano para el director es y será una pasión inútil.  

"El muerto y ser feliz": el rebollismo para los rebollistas

Que un artista intente agotar su especie tiene sus ventajas y sus inconvenientes. ¿Es de agradecer que un director de cine en 2012 intente hacer distinto? Depende, que dirían en la terra galega. Si esa rareza consigue ser más o menos universal se convierte en genialidad. Si no.... pues ahí los tienen. Ese grupo de directores como Wes Anderson, Jim Jarmusch y, en España, Javier Rebollo.

El director de La mujer sin piano (película aquejada de estilitis aguda según Alberto Fijo), acaba de presentar El muerto y ser feliz un ejercicio altamente metacinematográfico. Una voz en off monótona más que contar la película, persigue al espectador inocente durante todo el metraje que observa como todo se lo cuentan dos y tres veces. La voz en off (1) nos adelanta lo que vemos (2) y en muchos casos escuchamos en boca de los personajes (3). La historia es lo de menos. Tiene su gracia en algunos momentos pero a la media hora una ya está harto de tanta metanoia estilística, de personajes tan huecos y diálogos tan sacrificados en el altar de la pura (y sobre todo dura) creatividad.

Como cortometraje podía estar bien, como largo desde luego no funciona. Seguimos esperando que Rebollo nos cuente "algo". Por ahora sólo ha enseñado una forma, original desde luego, de no contarnos nada. Y los no rebollistas nos sigue gustando más que, como Ozon o Berger, nos cuenten algo original de manera original.  
  

Los juegos de Ozon

François Ozon presentó hoy en Sección Oficial una de las pelis más interesantes que hemos visto en este Festival: Dans la maison (En la casa). Jugueteando con la realidad y la ficción consigue una película irónica y muy ácida partiendo de una obra teatral del madrileño Juan Mayorga. El argumento se centra en un profesor de literatura harto del analfabetismo existencial de sus alumnos que de repente encuentra un niño prodigio en su propia clase. El alumno es consciente de la admiración de su tutor y desarrolla, como si fuese un folletín, una novela que diariamente entrega a su profesor.

 

Ozon sorprende con un ritmo ágil y divertido después de la aburrida e insulsa Potiche. Con unos actores soberbios entre los que destaca como siempre Kristin Scott Thomas (a la que cada vez se la ve más integrada en el cine europeo), y su marido en la película Fabrice Luccini, el director francés muestra sin piedad hasta donde puede el arte confundir la realidad. El novelista adolescente que navega en una ficción-realidad enfermiza alentado por su tutor, es una metáfora cruel de la educación y el arte que se desentienden del bien y la bondad en busca de una belleza prohibida.

Una película que te deja pensativo después de haberte hecho reír tiene mucho mérito. Ozon te mete en una casa de la que es difícil salir y a la que uno desea regresar. El juego de dobles lecturas que propone la peli es tan sugerente porque el director francés logra despistar al espectador con giros sorprendentes y golpes de ingenio constantes. No es el primer director que juega con la realidad y la ficción ni será el último. Pero Dans la maison ya cuenta con registro y voz propia. Y el cine francés ya tiene otro título más a añadir a la considerable lista de películas sobre la educación y el arte verdaderamente necesarias.      

"Salvajes": la jungla de Oliver

Hoy he podido entrevistar al director y actor secundario de Salvajes: Oliver Stone y Benicio del Toro. Como cabía esperar Oliver ha hablado más de política que de cine, y Benicio al revés. Pero de la entrevista ya hablaré más tarde, vayamos a la película presentada en la sección Zabaltegui.

Salvajes amenaza con ser una continuación del look de Asesinos natos y Giro salvaje, las dos películas más ultraviolentas de Oliver Stone. Y en realidad tiene momentos tremendos, pero esta vez hay un tono más luminoso. Una luz salvaje que ilumina con todo el color posible a auténticos personajes de la selva. Lo sorprendente de la película es la complicidad de Stone con estos tipos que matan y viven del delito entre rayas de coca y cachimbas rellenas de todo tipo de hierbas del bosque animado.

La película navega durante casi dos horas en busca del entretenimiento más eficaz. Benicio es maligno, abusador, machista, pero la jefa es Salma, mujer fatal, madre coraje, serpiente venenosa. Y en frente dos jóvenes vividores que comparten rubia. Uno es budista, otro más pragmático y dispuesto a mancharse las manos de sangre. Ambos comparten el oficio de narcos de lujo en su casa mejicana a la orilla del mar. Salma y Benicio amenazan al negocio del trío hippie ante la atenta mirada del poli corrupto (John Travolta).

La película intenta huir de la sombra alargada de Tarantino y lo consigue a ratos. Sobre todo cuando Oliver se pone moralista e intenta que el espectador empatice con el mundo salvaje de drogas, sexo y dinero. Eso no lo hace Quentin. Por eso, entre otras cosas, es tan grande.

Resultado. Ni un aplauso. Ni uno en el pase de prensa. La trampa y cartón de Oliver es demasiado evidente. Se nota que la película intenta entretener a toda costa con personajes extremos, anclados en su ser tópicos. Y sobre todo el planteamiento del director queriendo ser revolucionariamente salvaje acaba siendo inocentemente pijo. Los héroes de Stone acaban siendo niños de papá que viven de escándalo gracias a la explotación del indígena. Así es la jungla de Oliver, por más que haya algún que otro muerto, alguna que otra escena violenta. Aquí más que Giro al infierno es Inmersión y retoce en la casa de Mamma Mía. 

Calificación: 4

"Argo": la falta de complejos de Affleck

Y Affleck salió de Boston sin dejar de ser Affleck. Argo es una película política con carga de acción, drama, heroísmo y, como novedad, una acertada dosis de comedia gracias a unos divertidos Alan Arkin y John Goodman.

La realidad y la ficción se confunden en Argo como ya sucedió en su gran opera prima Adiós pequeña, adios. Si su primera película coincidió temporalmente con el caso Madeleine, su tercer filme se estrena con las embajadas de Estados Unidos asediadas en Oriente Medio después de la polémica película sobre Mahoma.



Como ha dicho el propio Affleck hoy en el Kursaal, "si la historia de Argo no fuese real sería inconcebible". Un plan de rescate de unos diplomáticos norteamericanos en Irán que consiste en simular un rodaje de Hollywood en el lugar del conflicto es una idea de locos. Pero así sucedió. Y el director, actor y guionista la cuenta sabiendo que tiene una historia muy original, bien apoyada en personajes de carne y hueso. Con una estética setentera que coincide con el momento en que sucedieron los hechos, Affleck te mantiene en vilo y centra la historia en un humanismo norteamericano sin complejos.

Porque la película no se arrodilla y pide perdón por ser norteamericano, a pesar de un prólogo durísimo y muy eficaz contra lo que Estados Unidos hizo con Irán en el tercer cuarto del siglo XX. "Mi película se enorgullece de personas que se juegan la vida por los demás. Es un humanismo que me gusta reflejar en mis películas, no me arrepiento de ello".

La película es muy completa y a la altura de las dos anteriores de Affleck. Además es distinta y muy matizada a la hora de reflejar un tema tan complejo. El también director George Clooney participa en la producción de la peli y se nota. El trabajo de estos dos tipos tan astutos es de agradecer, un entretenimiento sugerente que no me extrañaría que el paso del tiempo haga crecer aún más.

Calificación: 8

"Blancanieves" de Triana

¡Olé! Así tenía que responder el público a esta enésima versión de Blancanieves (la tercera en un año). Esta vez en mudo y con un blanco y negro. Más díficil todavía. Más genial aún. Pablo Berger da todo una lección de hasta donde puede llegar el ingenio. Con una película que refleja toda la luz y el arte de Andalucía sin el sabor paleto que nos dejan los acercamientos hollywoodienses a nuestra piel de toro (Manolete es la última, pero no la única).

Coincido con los que dicen que Blancanieves es mejor que The artist. Más divertida, más personal y menos acartonada. Y mucho mejor montada. Maribel se merecería el Oscar de una vez por todas. Y los ojos de Inma Cuesta, Macarena García y Sofia Oria un monumento. Menuda opera prima la del bilbaíno Pablo Berger. Ocho años ha tardado en hacerla. Un título más a la lista de "La edad dorada del cine español".

Calificación: 9´5

Haneke no escribe poemas de amor

Una prueba de que el cine actual se está volviendo loco es que en Cannes se premie una película de Haneke titulada Amor, y en Venecia Kim Ki-duc se lleve el Leon de Oro por Piedad. Ni lo uno ni lo otro. Ni el alemán ni el surcoreano son de los que les gusta que el espectador se sienta cómodo en la butaca.

Amor ganó la Palma de Oro en Cannes y ayer inauguraba la sección Zabaltegui del Festival. Con un trío protagonista sensacional (Jean Louis Trintignant, Emmanuelle Riva e Isabelle Huppert), el director bávaro Michael Haneke cuenta la historia de un matrimonio que sufre la enfermedad degenerativa de la mujer. Es la manera de ponerse romántico del director de las crueles, certeras e incómodas Funny Games, Caché o La cinta blanca.

"¡Maldito Haneke!" decía ayer una de los periodistas que acudió al pase. No era para menos. Que tiene talento no hay duda. Inmenso talento para no dejarte indiferente, para revolcarte en la ciénaga existencial de una vejez sin sentido, para engañarte con una ternura momentánea que acaba con un golpe seco y definitivo.

Como todo lo de Haneke, Amor es muy minoritaria. Sólo accesible a los que aceptan un tempo lento, una reflexión dolorosa y un cine sin concesiones a la bondad o la empatía.

Calificación: 8

Zinemaldia 2012: Comenzando que no es poco

Una nueva edición, la nº60 del Festival de Cine de San Sebastian, ha comenzado con la llegada de Richard Gere y Susan Sarandon. Dos viejos conocidos, dos Premios Donostia, una película correcta presentada en la sección oficial fuera de concurso: Arbitrage (El fraude).

Esta opera prima de Nicholas Jarecki un matrimonio que en medio de la crisis económica y la explosión inmobiliaria intenta mantener intacto su poder y riqueza. En la rueda de prensa Sarandon ha comparado esta película con la muy poco valorada Wall Street 2, de Oliver Stone. No es la única referencia, la crisis está de moda y ahí tenemos grandes películas como Margin Call, The Company Men, Inside job o Malas noticias. Arbitrage se queda lejos de todas ellas porque no llega a ser tan certera, tan humana, tan tumbativa.

Casi todos los problemas están en el guión del propio Jarecki que no desarrolla bien los personajes y hace demasiado evidentes los diálogos y la trama financiera. Ellos están bien pero se echa de menos a Susan, que tiene un personaje muy cortito que sólo le deja lucirse en la mejor escena de la película. 

Eso sí, la presencia de la pareja protagonista ha revolucionado San Sebastián con su cercanía y naturalidad. Comenzando, que no es poco...

"Lincoln", de una vez por todas

Pocos proyectos han sido tan comentados como el de esta película que finalmente se estrenará en enero de 2013. El trailer muestra la misma línea del último Spielberg (War Horse), a la sombra de su maestro John Ford que ya hizo una película titulada El joven Lincoln protagonizada por Henry Fonda.

¿Obra maestra o película excesiva? A Spielberg ya le toca hacer una película grande pero el patriotismo le suele perder. Veremos.

"Sherlock", muy cerca de Nolan

Hace unos días volví a ver el último capítulo de la segunda temporada de Sherlock. En mi opinión, el mejor. Tiene mucho del universo Nolan. Me recuerda en muchos giros a El caballero óscuro (el bien que debe de huir, morir, disfrazarse de mal para que el mundo siga teniendo cuatro coordenadas básicas) y Origen (una idea puede matarte, convertirte en la nada más absoluta).

Y lo de Moriarty es una obra de arte, eso es un "malo" y lo demás son tonterías. La inteligencia perversa que destila el personaje es de lo mejor que he podido ver una pantalla de cine y televisión. Sólo la maléfica Alice de Luther llega a ese nivel de astucia sugerente. ¡Qué ganas de ver esas dos esperadísimas terceras temporadas!

Spiderman rejuvenece a James Horner

James Horner (Titanic, Braveheart, Avatar) necesitaba una banda sonora que demostrase toda su personalidad después de trabajos bastante discretos (Oro negro, The Karate Kid). Con Spiderman, Horner ha dado un paso adelante con una fusión muy sugerente entre la música orquestal y la música electrónica.

Junto a la interpretación de la pareja Stone y Garfield, la banda sonora de Horner es lo mejor de una película que no llega a ser ni tan divertida ni tan dinámica como la de Sam Raimi. 

La ceguera del terror

Agosto siempre es un buen mes para recuperar alguno de esos cientos de títulos pendientes. Los ojos de Julia es una de esas películas que he podido recuperar en dvd. Es de esas obras que sin ser perfecta tiene momentos muy logrados. El uso de luces y sombras, la ceguera como motor metafórico, la tensión inteligente... Todo tiene un gran aspecto con ese tono de cuento que tanto le gusta a su productor Guillermo del Toro. Los actores están muy bien y aunque en mi opinión hay exceso de giros y vueltas de tuerca se agradece que la película no se haga demasiado previsible.

La película recuerda por el tema, que no por el tono, a esa maravillosa Audrey Hepburn en una de las grandes cintas de terror de los 60: Sola en la oscuridad.

Calificación: 6

Londres 2012: el espectáculo de Danny Boyle

Parecía difícil superar la espectacular inauguración de los Juegos Olímpicos de Zhang Yimou en Pekín 2008. Pero Danny Boyle es tipo ingenioso como pocos, capaz de hacer "saltar" a la Reina Madre y a James Bond desde un helicóptero a un Estadio Olímpico o reírse con Mr. Bean de la reiterativa y mítica melodía de Vangelis para Carros de Fuego.

En mi opinión le sobró tanta historia de la Revolución Industrial, pero lo demás, especialmente la utilización de la música británica que iba de Mike Oldfield a Queen  pasando por Eurythmics fue muy acertado.

Como es lógico no faltaron referencias constantes al cine y la literatura. J.K. Rowling leyó un texto de Peter Pan, Kenneth Branagh recitó a Shakespeare y cientos de Mary Poppins sobrevolaron el Estadio Olímpico mientras aparecían los perversos secuestradores de niños de Chitty Chitty Bang Bang.

Si quieres ver la ceremonia de inauguración completa.

"Argo" de primer plato en San Sebastián

Muy buena noticia para el Festival de Cine de San Sebastián. En mi opinión el director joven (el próximo 15 de agosto cumplirá 40 años), más prometedor del cine norteamericana actual estrenará su tercera película, Argo fuera de concurso en Zinemaldia 2012. Ben Affleck tiene el nivel muy alto ya que sus dos películas anteriores fueron más que notables: Adiós pequeña, adiós y The town. Además aquí cuenta con la ayuda de otro tipo listo donde los haya como George Clooney en la producción y un actor tan veraz como el prota de Breaking Bad (Bryan Cranston).

Por si fuera poco, Affleck (que otra vez vuelve a reservarse el papel principal), Alan Arkin y John Goodman también acudirán a Donostia a promocionar la película. Por ahora el trailer está muy conseguido.

"Todo lo que tú quieras": Achero Mañas, gracias

Achero Mañas ya me había ganado con El Bola. Pero ésta es una película aún más especial. Habla de casi todos los temas que me parecen más interesantes: filiación, muerte, educación, amar hasta darse por completo.

Y Juan Diego Botto está inconmensurable. Y esa niña no puede ser más sincera y expresiva. La química entre los dos es algo más que mágica.

No tuvo un gran éxito de taquilla, pero a mí me resulta inolvidable como pocas.

Así empieza y acaba una película que me emocionó de principio a fin. No os preocupéis. no es un spoiler. La película no es una novela de misterio de Agatha Christie se puede ver el final sin problema. Aunque lo mejor es verla entera y un par de veces.

Calificación: 8,5

"Futbolín": Campanella pasa de la tele al dibujo

Juan Jose Campanella lleva casi 4 años en un proyecto que en principio se estrenará en 2013 (en Argentina a principios y en España a mediados). El director argentino ganador de un Óscar en 2010 por El secreto de sus ojos llevaba varios años dedicado a la televisión con la miniserie El hombre de tu vida (que por cierto tienes un magnífico arranque con todo lo que se le puede pedir a los 5 primeros minutos de un piloto: humor, suspense, diálogos vivos, actores con gancho).

Con Futbolín (película de la que pudimos ver un avance en el último festival de Cine español de Málaga gracias a Antena 3, productora de la cinta), Campanella se estrena en el cine de animación con un terreno de juego que conoce bien: el del campo de fútbol. O, mejor dicho, futbolín. El trailer tiene buena pinta y la idea es muy original.

El cine español se "anima"

Lo dijo Kike Maíllo en los últimos Goya. "Ahora ganamos Mundiales de Fútbol y hacemos películas de ciencia ficción. Este país no lo conoce ni...". Pero quedaba una Copa que ganar: el cine de animación. El rival no era asequible: Pixar, Ghibli, Dreamworks. Una mezcla de talento y presupuesto difícil de igualar. Poco a poco nos hemos ido quitando el miedo en el cuerpo con películas como Planet 51, La dama y la muerte, Chico y Rita o Arrugas. Y Hollywood ha empezado a mirar nuestra animación con un aprecio concretado en nominaciones a los Oscar. En los próximos meses dos producciones de animación ambiciosas (Las aventuras de Tadeo Jones y Justin y la espada del valor), dan el definitivo salto al vacío. En unos tiempos de crisis, rescates y salvavidas, el cine español se "anima".

Fútbol y cine: por ahora sólo amigos

Por si alguien lleva años en un planeta muy lejano advierto que hoy empieza la Eurocopa. Tres semanas de emoción, decepción y entusiasmo... La vida. Para un porcentaje de la población es un período cuesta arriba ya que todo el mundo habla de algo que les importa un bledo. Y además la tele está monopolizada por la hierba de los campos de fútbol de Polonia y Ucrania. Comprensión. Son tres semanas.

A propósito del cine y el deporte, pensaba si realmente hay una película que refleja la pasión que genera el fútbol. Y la verdad es que me vienen a la cabeza varios títulos, pero ninguno me acaba de convencer. Pienso en el baseball, un deporte que no me apasiona ni a mi ni a gran parte del continente eurocopero, y me salen tres pelis muy grandes: Moneyball, Campos de sueños y El orgullo de los yankis. ¿El boxeo? Pff, casi nada. Toro salvaje, Cinderella man, La leyenda del indomable, Rocky, Más dura será la caída, Million Dollar Baby, La fuerza de uno (por favor que alguien reedite de una maldita vez esa magnífica novela).








   

El fútbol no llega a ese grado de intimidad con el séptimo arte. Y no es que no lo haya intentado. Pero por ahora no hay romance, sólo amistad. Sin irse muy lejos Rudo y cursi, Fuera de juego, La gran final, Días de fútbol, Quiero ser como Beckham, Buscando a Eric. Personalmente me quedo con una inglesa y reciente The Damned United, un clásico: Evasión o victoria y un producto de la tierra: El fenómeno, la divertidísima película de Fernán-Gómez donde se puede ver como reliquia el antiguo estadio del Atletico de Madrid (El Metropolitano).

¿Qué pasó con Andie MacDowell?

Hay artistas que desaparecen de repente sin apenas dejar huella. Andie MacDowell (Carolina, 1958) era una de las caras más habituales en los 90: Vida cruzadas, Matrimonio de conveniencia, Cuatro bodas y un funeral, Atrapado en el tiempo, Mis dobles, mi mujer y yo, Las flores de Harrison. Nada hacía presagiar que su carrera cinematográfica se iba a apagar a los cuarenta años... Pero así fue.

Desde entonces esta actriz nominada cuatro veces a los Globos de Oro ha pasado bastante indiferente con películas como Monte Carlo, Intervention, Practicamente muerto, o Footloose 2001. En los últimos años ha optado por buscar sitio en la pequeña pantalla en series de televisión (Rockefeller Plaza o Diseñando a Jane). Aunque Andie es madre de tres hijos y nunca ha mostrado gran interés por la vida de "estrella de cine", resulta sorprendente su situación actual en Hollywood donde muchas actrices de su misma edad no dejan de trabajar en películas importantes. Y la mayoría de ellas no pueden presumir de tener más talento que la mujer que enamoró a Bill Murray en "el día de la marmota".

Nicole, Zac y John Cusack... en un bosque perdido

Lee Daniels fue aclamado por un sector de la crítica por Precious. No me contaba entre su club de fans. Es más, la película me parecía tramposa y MANI-quea/puladora. Un juguete en manos de muchos lobbys que se lo pasaban pipa dando lecciones al mundo sobre como se debe ser en el siglo XXI para quedarse con la conciencia tranquila sin hacer ni el huevo.

Pues bien, Lee Daniels, por lo que nos dice María Guerra en su blog, ha hecho bajarse del guindo a mucha gente con su última película presentada en Cannes: The Paperboy. Al parecer Almodóvar hizo un primer tratamiento del guión pero abandonó el proyecto. ¿Y de que va la peli? ¿Pues de qué va a ir? ¿Unos tibetanos hablando del ente en cuando ente en la cima del Himalaya? No, de una furcia (Nicole Kidman) que visita con frecuencia una cárcel que lleva un presidiario salido (John Cusack) y en la que hay un preso aún más hor-MONO (Zac Efron).

La rueda de prensa de la peli ayer en Cannes no tiene desperdicio. Estuvo pletórica de signos gestuales. Nicole arqueando la ceja, John Cusack huyendo de la sala de prensa después de pasarse media hora con cara de qué pinto yo presentando una peli así en Cannes y Lee Daniels eufórico de que alguien se tome tan en serio su película.

Os dejo con tres declaraciones en la rueda de prensa de ayer.
“Está claro que yo no tenía que sentirme cómodo. Mi personaje es un chico que aprende rápidamente las durezas de la vida y eso no es agradable. Pero eso no era lo importante, sino que, por fin, he hecho algo nuevo” Zac Efron. Lo dice el tipo que presenta hoy en España De Irak a EuroDisney (aquí la han titulado Cuando te encuentre). Con lo bien que bailaba este chico y lo limitado que es como actor pensaba que haciendo Me and Orson Welles (una peli que rodó en 2008 con Richard Linklater de director y Claire Danes de pareja protagonista) estaba haciendo algo nuevo.

Vamos con Nicole. “En absoluto me he sentido incómoda rodando escenas íntimas, porque nosotros no nos hemos relacionado como Nicole y John, sino como los personajes. Yo sigo buscando papeles crudos y peligrosos. Aunque reconozco que todavía no he visto la película…(risas)”. Nicole, el próximo 20 de junio cumples 45 años. Asúmelo. Te hemos visto ya en demasiados papeles made in Sharon Stone (La mancha humana, Retratos de una obsesión) y tus últimas películas (Bajo amenaza, Nine, Sígueme el rollo, Rabbit Hole, Hemingway y Gellhorne) son a cada cual peor. Vuelve. Es decir: Las horas. Moulin Rouge, Un horizonte muy lejano... En fin, que ibas en la línea de Julia Roberts y cada vez nos recuerdas más a Meg Ryan. 

Un adelanto de "Brave"

Pixar continúa dando primicias de su próxima peli: Brave, que se estrenará este verano. Después de mucho años haciendo un cine sobresaliente, Cars 2 supuso una notable decepción (más narrativa que visual). Una previsible decepción todo hay que decirlo (Toy story merecía una segunda y una tercera parte pero... ¿Cars?). El caso es que estoy deseando volver a ver al Pixar carismático con Brave, pero esta escena de la película incrementa mis miedos. Parece una escena de una peli (floja) de Dreamwrks. Son sólo indicios. Ojalá me equivoque.

Literatura y cine: un romance de Oscar

William Joyce ganó el Oscar al mejor cortometraje de animación con The fantastic flying books of Mr. Morris Lessmore. Es una historia de amor al cine y la literatura que tiene que ver con Buster Keaton, el Huracán Katrina y El mago de Oz. Una delicia del cine mudo del siglo XXI con una magnífica banda sonora de John Hunter.

Calificación: 8´5

12 de julio: tan lejos, tan cerca

El tercer trailer de una de las pelis del año aumenta aún más las expectativas del desenlace final de Batman. Esta vez el ritmo es pausado y el matiz de las voces es fundamental. Aparece una de las novedades de la trilogía: hasta ahora el batmovil había sido coche, moto... y faltaba el modo avión. Nolan sigue demostrando que sabe como preparar el ambiente para que la gente se lance a ir el cine. No hay 3D, pero sí Imax. Y sobre todo hay historia que contar, unos pedazo de actores y un tipo muy listo y hábil detrás de la cámara.

Lástima que no la presente en Cannes.

"Un dios salvaje": cuatro asesinos andan sueltos

Es de esas películas que se quedan sin premios ni público y nadie sabe bien por qué. La adaptación cinematográfica de la obra de teatro de Un dios salvaje de Yasmina Reza tiene otra oportunidad con su llegada al dvd. El cuarteto protagonista está soberbio, la película dura lo que tiene que durar y Polanski sabe poner la cámara al servicio de la historia.

El argumento de Un dios salvaje habla de las apariencias y las debilidades que nos hacen portarnos como niños cuando presumimos de ser adultos y ejemplarmente civilizados. Sin darnos una clase de lo que debemos ser, la película de Polanski toca muchos palos de manera muy inteligente. Una de las películas imprescindibles de 2011 sin lugar a dudas.

La música de Alexandre Desplat es excelente en sus dos únicas apariciones: dos magníficos planos que suben y bajan el telón con mucho acierto. Os dejo una escena de la película y el tema principal de la banda sonora de la peli. Os pondría el trailer pero no quiero tritura las principales sorpresas de esta joya de la que se ha hablado demasiado poco.

Calificación: 8´5

"Habemus Papam": el declive de Nanni

Nanni Moretti es uno de esos artistas completos (hace de todo: dirige, actúa, escribe), un humorista que toca casi todos los palos. En sus películas como en las de Benigni o Woody Allen es una fuerza de la naturaleza que atrae todo lo demás hacía él. No es tan genial como el director de Brooklyn pero es menos exagerado que el protagonista de La vida es bella.

Sú última película no gustó a casi nadie en el último Festival de Cannes. A mí menos. La historia de un Conclave filmada por un director que nunca ha ocultado su etiqueta de artista de izquierdas prometía sangre y talento. Ni lo uno ni lo otro. Así, los que querían otro panfleto paródico sobre la Iglesia Católica se han quedado insatisfechos, y los que queríamos que tuviese respeto a los que no piensan como él no no nos hemos quedado especialmente ofendidos. Tanto a unos como otros nos ha dejado profundamente indiferentes.

La película aguanta media hora con una buena idea inicial. Luego es todo irreal, forzado y aburrido. Frío como un témpano. El director de Caro Diario, Abril y La habitación del hijo se pone reflexivo pero sus papas y cardenales son marionetas que fomentan el bostezo y la indiferencia. Es llamativo lo poco logrado que está el protagonista, lo mucho que dura el paranoico partido de volley y la ausencia de diálogos con algo de chispa. En definitiva, una de las peores películas de Nanni en años.

"The newsroom": Sorkin vuelve a la tele

Probablemente el mejor guionista actual de cine y televisión vuelve a la pequeña pantalla. Aaron Sorkin (El ala oeste de la Casa Blanca, Algunos hombres buenos, La red social) vuelve a centrarse en los medios de comunicación de masas en The newsroom, producida por HBO. En el reparto hay caras muy conocidas como Jeff Daniels, Emily Mortimer o Dev Patel.


Sorkin ya escribió una serie sobre la televisión titulada Sudio 60. Incomprensiblemente la serie no pasó de la primera temporada, algo que hundió en una profunda depresión a este ingenioso creador de la serie más premiada de la historia de la televisión (El ala Oeste).



The newsroom tiene a priori  el aspecto de cine inteligente y ácido al que nos tiene acostumbrado Sorkin. Esperemos que su serie no sea engullida por las dichosas audiencias que provocan interminables temporadas de tantas series estúpidas y repetitivas. 

3 minutos y 6 frases para convencer a Ridley

El concurso lleva el título "Cuéntalo a tu manera" y el jurado está presidido por el prestigioso director Ridley Scott (Blade Runner, Gladiator), que tiene pendiente el estreno de la precuela de Alien, titulada Prometeus con Michael Fassbender, Noomi Rapace, Charlize Theron e Idris Elba. Buen trailer por cierto.



Las bases del concurso son muy concisas: 3 minutos de metraje y sólo 6 frases de diálogos prefijadas. Una manera creativa de fomentar el ingenio. El premio es una semana de trabajo en la RSA (productora asociada de Ridley Scott) de Los Angeles.

Os dejo los dos finalistas. El mejor es claramente el ganador (Unicornio de porcelana), el otro me parece batante flojo pero tiene gracia cómo se pueden hacer cosas distintas con un mismo texto.

Tres trailer tres

Se me está haciendo larga la espera de la próxima película de Juan Antonio Bayona, el director catalán que dejó boquiabierto a público y gran parte de la crítica con su magnética opera prima: El orfanato. Pero todo llegará (en principio el 11 de octubre de 2012).

Por ahora tenemos 3 trailer muy diferentes que realmente prometen. Tres actorazos, una buena historia, una puesta en escena vibrante (incluido un plano "homenaje"que parece directamente fusilado de la peli de Eastwood Más allá de la vida, y varios que recuerdan mucho a Steven Spielberg). Ojalá podamos verla antes en San Sebastián.

"Los vengadores": la fórmula exacta

Los vengadores me ha gustado mucho. Ya lo he explicado en la crítica de la web, pero ahora quiero aprovechar para decir que no sólo es el mejor estreno en lo que va de año en España (5,2 millones de euros, superando a Los Juegos del Hambre), sino que además es una peli para todos los públicos. Es decir, que para llegar a los niños no se hace infantiloide y para llegar a los mayores no incluye dobles sentidos de humor zafio. Eso es, en mi opinión, cine para todos los públicos. Lo demás es apartheid cinematográfico, tratar a los niños como idiotas y a los mayores como salidos.


Los vengadores gustará aquí, en la China y en Nueva Zelanda porque da con la formula exacta para ser entretenida pero no acelerada, divertida pero no estúpida.

El Palmarés que ya adelantó....

Tienen afición los diarios, sobre todo los deportivos, por colocar la muletilla "como ya anunció/adelanto nuestro diario", siempre que se confirman una de las pocas exclusivas que no desmiente la realidad. Pues bien, el palmarés del Festival de Málaga (bit.ly/J73xDl) ha quedado tal y como "ya anunciamos" desde esta trinchera. Gana Carmina, Dechent y, sobre todo, el sermonazo pedagógico del momento, la clase que cualquier adolescente querrá dar a sus infantiles y egoístas padres y profesores (Los niños salvajes).

Ha sido un buen año. No creo que mucho mejor que el pasado. Pero bueno, tampoco peor. Me da un poco de pena que A puerta fría no haya tenido más premios y me parece increíble que Imanol Uribe haya obtenido el premio a la mejor dirección por una peli tan fría e impersonal como Miel de naranjas. Aunque el problema fundamental es que veníamos de un pedazo de año del cine español (También la lluvia, Verbo, No habrá paz para los malvados, Eva, Arrugas, Blackthorn, Grupo 7) y Málaga 2012 ha tenido buenos momentos pero no ha llegado a ese envidiable nivel.

Aún así San Sebastián y Málaga siguen teniendo fuera de las salas una obra maestra proyectada 24 horas al día en 3D y sin necesidad de las dichosas gafitas.

Burman y Stop-motion para un mal cierre de Málaga 2012

Empezamos regular (sábado, domingo), seguimos mal (lunes), continuamos mejor (martes y miércoles) y acabamos cuesta abajo (jueves y viernes). El primer stop-motion del cine español pasará a la historia por... ser el primer stop-motion del cine español. Y poco más tiene O apostolo. Curas tenebrosos, obispos comegambas malignos, un secreto de ultratumba, la Santa Compaña... Sólo falta de guionista Dan Brown. El trailer no engaña. La peli es aún peor. En mal sepulcro se ha ido a meter el excelente compositor Phillip Glass y la animación gallega (habitualmente bastante ingeniosa).



Daniel Burman presentó La suerte en tus manos, una peli muy bien interpretada pero que le falta ritmo, coherencia, no perderse en las ramas verborreas. Se le puede y debe pedir más el director de El abrazo partido y El nido vacío. 

"Buscando a Eimish": corazón que viaja

No es fácil hacer una peli bonita que hable sobre el amor sin ser descaradamente cursi. Ana Rodríguez Rossell lo ha intentado y parcialmente le ha salido. Con estilo propio habla sobre el amor y el miedo al compromiso con bastante soltura. Narrativamente la película también tiene sus virtudes aunque puede marear tanto flash back. Los actores desarrollan bien sus personajes y la película acaba siendo una cinta valiente, imperfecta como casi todas las operas primas, pero que invita al optimismo de cara al futuro de la directora.



También hemos visto El sexo de los ángeles... Almudena Grandes y un trío como protagonista. Es tan increíble y está tan mal montada que sorprende su presencia en esta sección oficial. El gallego Xavier Villaverde (Trece campanadas, Finisterre) sigue sin lograr una película de cierta calidad. Y Almudena Grandes, qué os voy a contar. Sigue forrándose.

"Los niños salvajes": trampa, cartón.... y talento

La peli favorita en el Festival de Málaga tiene muchas cosas para ser la más que probable ganadora. Dice la directora que llevaba tiempo con la idea de filmar los problemas de la adolescencia actual cuando quedó impactada al ver en el Festival de Cannes La clase de Laurent Cantet. Y se nota.

Los niños salvajes es su mejor película, la mejor rodada, interpretada, escrita (muy inteligente el esquema narrativo de la película). Y la más tramposa. Porque la película funciona como un reloj, milimétricamente, pero bajo su apariencia brillante no hay una obra maestra, ni siquiera una película sobresaliente. Hay una gran trampa que da lugar a muchas preguntas... demasiado respondidas por la guionista y directora.

La peli llega al final y si la revisas ves que hay un discurso maniqueo y demasiado simplista. Toda la historia gira en torno a una bomba atómica que cuando estalla la película pierde sinceridad y distancia. Le pasaba a Cantet y le pasa ahora a Ferreira. "Lo tengo claro, me pongo claramente del lado de los adolescentes". Y eso que suena tan bonito, es muy manipulador. No quiero contar más por no cargarme el argumento.

La película ganará Málaga, con permiso de A puerta fría (que me parece más veraz y mucho menos tramposa). Le lloverán elogios, como los que he dedicado al principio del post, pero ahora la pregunta la hago yo. ¿De verdad que la directora y la crítica se cree el desarrollo y desenlace de los personajes? Yo no, desde luego. Y las respuestas de la directora sobre la educación actual me parecen tan ingenuas como irresponsables.

Calificación: 7

"Ali": Juno en el Alcampo

Hoy la jornada malagueña gira en torno a la adolescencia. Empezamos con Ali, una opera prima a ratos fallida, a ratos sugerente. El director y guionista Paco R. Baños se estrena con tanto talento como la joven actriz Nadia de Santiago, que interpreta a una adolescente que vive haciendo de madre de su infantil progenitora (Verónica Forqué). Nadia aguanta el plano a Veronica e incluso le roba alguna escena para luego devorar sin piedad al pánfilo de su novio, compañero de trabajo en el Alcampo.

Que la película empiece de manera muy similar a Juno no es casualidad. Ali ha madurado por obligación antes de tiempo y expresa su rebeldía vital en cada fotograma sin ser tan pedante en su lenguaje como la adolescente que interpretó Ellen Page.

No es una película redonda, pero tiene bastantes aciertos visuales y unos cuantos diálogos interesantes. Le falta hondura en el retrato, terminar bien la historia, bajar el volumen de la música de vez en cuando (es llamativo que en varias pelis del Festival no se escuche bien el diálogo en algunas escenas). Pero insisto, habrá que estar atento a la evolución de Nadia y Paco R. Baños.

La familia León revienta de risa el Festival de Málaga

Cinemá verité en estado puramente andaluz. Un monólogo de 70 minutos que no decae y que se agradece en medio de un Festival que se nos estaba poniendo demasiado serio. Si el año pasado Primos fue la película que ganó el Premio del Publico a mitad de Festival a base de sumar carcajadas en todos los pases, este año hay una clara favorita para este galardón: Carmina o revienta, presentada hoy en la Sección Oficial.

Esta opera prima escrita y dirigida por Paco León y protagonizada por su madre Carmina y su hermana María, es un falso documental que cuenta la historia de una madre coraje en plena ebullición. Y es que a Carmina acaban de robarle ni más ni menos que 9 jamones del bar que sostiene económicamente a toda la familia. Como si fuese Beatrice Kido o el protagonista de Ladrón de bicicletas, Carmina no se detiene ante la desgracia y clama venganza, pitillo en mano y con una lengua como katana que ya quisiera la protagonista de Kill Bill.

Lo de la comparación con la peli de Tarantino no es gratuita (vean los créditos de la peli, el cartel, el tono de western de la historia). Algunos dirán que es un sketch de los Morancos alargado. Creo que no, los Morancos no aguantan 70 minutos en plano fijo. Carmina sí. La carcajada aguanta porque hay una historia detrás que apenas decae en los 8-9 minutos en los que dejamos de ver a Carmina.

Dice Paco León que le ha llegado a acomplejar la veracidad que transmite su madre interpretando sin haber dedicado ni un minuto a estudiar arte dramático. No me extraña.

Calificación: 6