En los Oscar lo difícil es no acertar. En cualquier Festival lo normal es lo inesperado en la mayoría de los casos. Aún así me lanzo con lo que yo votaría.
BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA La próxima pielde Isaki Lacuesta
BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO El rey tuerto de Marc Crehuet
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN Isaki Lacuesta por La próxima piel
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ Emma Suárez por La próxima piel
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR ACTOR Álex Monner por La próxima piel
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ DE REPARTO Bárbara Goenaga por La punta del iceberg
Ya hemos hablado varias veces en este blog de la caída en picado de Dani Rovira en diferentes fases. Primero flojeó en Ahora o nunca, luego defraudó con una de las peores secuelas del cine español actual (8 apellidos catalanes)y después vino su comentada la presentación de los Goya.
Nada comparable con El futuro ya no es lo que era. Nada.
Por ahora es mi favorita para los grandes premios. Interpretación, guión, dirección... Una película con muchos aciertos y sólo algún error en el tramo final.
Los deshaucios vuelven a ser protagonistas en el Festival de Málaga en el mejor día del certamen. Nos hacía mucha falta. El gran descubrimiento de esta película es Sílvia Pérez Cruz en su faceta como actriz; está muy tierna y natural. Su magnífica voz ya la habíamos escuchado en canciones para películas como Blancanieves de Pablo Berger o Rastros de sándalo de María Ripoll. Calificación: 6´5/10
Como llevo varios días despotricando sobre varias pelis quiero dejar claro que me gusta mucho el cine y la televisión españolas. Desgraciadamente en los últimos días no he podido alabar y aconsejar mucho de lo que he visto, así que he decidido dejar espacio a una película presentada en una sección paralela que me ha entusiasmado.
Aunque el director Koldo Serra ha afirmado que la película sólo ha costado 6 millones de dólares, Guernika parece una película de 30 o 40. El bombardeo es fantástico, con unos planos que no se recuerdan en el cine español. La recreación histórica, las localizaciones, el vestuario, la dirección artísticas y fotografía son magníficas. El reparto internacional también es brillante, pero el guión... Es la madre del cordero.
Es uno de los actores con más proyección del cine español. Era el secundario reconocible en series y comedias, ahora ya es el actor principal de dos de las mejores películas que hemos visto en Sección Oficial en este Festival de Málaga: Rumbos y El rey tuerto.
Esta vez me explico en vídeo. Perdón por la luz, es culpa del director de fotografía, que no es Emmanuel Lubezki precisamente, pero mejorará. Os dejo también un vídeo del making of de la película y el documental que fue el origen de Julie de Alba González de Molina.
El Festival de Málaga vuelve a la comedia negra después de presentar hace unos días la fallida La noche que mi madre mató a mi padre. En esta ocasión el argumento gira en torno a un cadáver desaparecido. El padre y la hija de la difunta quieren enterrar en sitios muy diferentes: ella en Francia y él en Quatretondeta, un pequeño pueblo en medio de las fiestas anuales.
La historia podía ser una comedia disparatada muy divertida con actores que resultan más cómicos cuando más serios se ponen. Laia Marull, José Sacristán y Julián Villagrán hacen lo que pueden pero al guión le falta chispa, ritmo y vida. Es muy difícil empatizar con unos personajes que apenas expresan una pasividad que acaba resultando exasperante. Sergi López intenta algo distinto y se pasa de registro haciendo de pueblerino primario.
Quatretondeta es una comedia que nace y muere siendo un cadáver, con algunos situaciones que sobre el papel deberían funcionar a la perfección y sin embargo... Película aburrida y desaprovechada. Calificación: 4/10
Una secta de jóvenes suicidas envueltos en túnicas blancas van con antorchas en medio de la noche a tirarse uno a uno por un acantilado en Canaria. Así de impactante empieza la última película de la directora navarra Helena Taberna (Yoyes, La buena nueva). El problema es que ahí se acaba la presión arterial de la historia.
El argumento está basado en una novela de Lucía Etxebarría (El contenido del silencio) y eso no tiene fácil solución. Sus personajes insulsos sólo tienen energía para buscar sexo impulsivo, inmediato y, en el caso de las protagonistas, homosexual. Hay grandes actores pero ni la investigación ni los personajes están bien tratados. De esta manera la película languidece con un ritmo cansino y una edición lamentable en la que sobran decenas de escenas que no aportan nada interesante a la historia.
Es verdad que las sectas es un tema controvertido y no es fácil abordarlo con objetividad, pero de ahí a dejar al espectador tan distante hay mucha distancia. Y Acantilado no ha generado ni un sólo aplauso en el pase de prensa.
No le tenía especial admiración a la jovencísima Manuela Burló ni por su corto nominado al Goya Pipas (una versión descafeinada de la webserieEntre pipas), y menos por su opera prima (Cómo sobrevivir a una despedida) que presentó en el Festival de Málaga el año pasado. Afortunadamente Rumbos, su nueva película, es de otro nivel. Mejor escrita y dirigida, con un reparto sensacional compuesto por Ernesto Alterio, Carmen Machi, Pilar López de Ayala, Miki Sparbé, Nora Navas y Karra Elejalde.
El argumento de la película son la historias entrecruzadas en la noche en las carreteras de una gran ciudad. Con una estructura dramática así es fácil acordarse de Crashde Paul Haggis, o de Hablarde Joaquín Oristrell, presentada el año pasado en el Festival de Málaga. Manuela Burló no llega tan lejos como la ganadora del Oscar a la mejor película en 2004, pero le da varias vueltas a la fallida producción catalana.
La música, los planos aéreos de la ciudad y la conexión entre historias es muy atractiva. Además la directora sabe que tiene actores de un talento fuera de lo común y arriesga con ellos tocando una y otra vez las teclas melodramáticas con bastante soltura. Es una lástima el exceso de retórica y redundancia en los diálogos y la falta de profundidad de unos personajes emotivos pero egocéntricos. Sin esa amplitud en los personajes y en los conflictos, todo queda en un amable y genérico retrato de la infelicidad humana condenada a lo efímero. Calificación: 7/10
La primera media hora de El rey tuerto se te pasa volando. Hay humor, acidez, buenas réplicas y unos actores que se meten de pleno en sus personajes, la mayoría caricaturizados como personajes extremos: el militar primario, el progresista complejo y amargado, la chica insoportable, la auto-suficiente... El conflicto central de dos parejas enfrentadas porque uno (policía) le ha dejado tuerto a otro en una manifestación.
En la crítica a los extremos no hay un trato excesivamente justo ni tampoco muy matizado. Los personajes están tan al límite que la crítica se queda en terreno de nadie porque es difícil sentirse aludido por ninguno de ellos. Miki Sparbé, que también hemos visto en Rumbos, confirma que un es simplemente el secundario para todo del cine y la televisión española, es uno de los más grandes de su generación.
El rey tuerto está basada en una obra de teatro muy divertida escrita por el director de la película Marc Crehuet, que ha mantenido el humor y la espontaneidad de la obra original. No es una trabajo perfecto pero tiene muchas escenas brillantes de interpretación y guion. Una opera prima arriesgada y valiosa.
Isabel Coixet se maneja muy bien en las historia cortas y ha vuelto a demostrarlo. Jugando con sus temas fundamentales (ruptura, soledad, desamor) ha logrado un cortometraje imaginativo, divertido y muy bien interpretado. De paso Coixet se ríe un poco de su melodramatismo a veces pedante y en muchas ocasiones genial.
El siguiente cortometraje ha sido presentado en el Festival de Cine de Málaga. Calificación: 8/10
No llevamos un buen arranque de Festival. Sobran tópicos y exageraciones para que todo quede bien clarito y al final resulta todo muy evidente. Si Toro era chillona en colores, salpiques de sangre y procesionismo casposo de cofradía, y La noche que mi madre... era un circo sin pies ni cabeza, La punta del iceberg peca de ser previsible y decepcionante.
Con todo es la mejor película hasta ahora. Los suicidios en una empresa de alto rendimiento son investigados por una Maribel Verdú algo tiesa pero siempre eficaz. Barbara Goenaga es la que más brilla con una interpretación y unos diálogos que tiene el matiz y la sutileza que tanto echamos de menos.
La película funciona a ratos pero casi siempre es teatrera y maniquea, con diálogos tan al límite de la verosimilitud que me cuesta mucho creer. No dudo que haya empresarios así, tan ácidos, impulsivos y carentes de interés pero.... ¿Todos en la misma empresa? No hay nadie que trabaje menos de 18 horas, que tenga una mujer a la que no engañe con la secretaria en el mismo despacho?
Sin irse muy lejos uno se acuerda de grandes películas del cine español como 5 metros cuadrados, Casual Day, El método, A puerta fría... y éste iceberg no queda muy lejos de poder derribar a todo un Titanic.
Arsénico por compasión de Frank Capra era una comedia sofisticada de un humor ceniza que hoy en día sigue siendo maravillosa. Han pasado más de 80 años y sigue siendo un clásico, ingenioso y elegante, todo una lección de cine. El guión era de los hermanos Epstein, que poco antes acababan de firmar quizá el mejor libreto de la historia del cine.
Me he ido muy lejos, pero vuelvo rápido. La noche en que mi madre mató a mi padre tiene actores fantásticos, una estructura dramática muy aprovechable y un comienzo divertido, pero... Ahí se acaban sus méritos.
Y eso que la película no llega a ser tan zafia y tonta como La que se avecina. Unos cuantos diálogos y escenas tienen su punto hasta que el tsunami del desmadre acaba por llevarse todo por delante. Se chilla y se subraya con tanta insistencia que cuando vale todo ya no hay humor porque no hay sorpresa, ni tampoco interés en personajes títeres y estirados. Calificación: 4/10
Ha empezado el Festival de Cine con una de las películas a priori más importantes aunque se presente fuera de competición. Kike Maíllo ganó un Goya merecido con su opera prima Eva, una película de Ciencia-Ficción con mucha personalidad.En Toro prueba con el thriller con 3 actorazos que han protagonizado grandes películas de acción en los últimos años: Grupo 7, Celda 211, El desconocido, El Niño... Pero Maíllo no ha seguido creciendo en esta última película.
La influencia del cine del director de Drive y Sólo Dios perdona, Nicolas Winding Refn, es demasiado llamativa en esta película. Las luces interiores rojas y azules, los ralentizados, la violencia esteticista, aquí subrayada con churretones de cultura andaluza para guiris. Este mezcla hace que la película acaba pareciendo de John Woo, con su colorido y su música de procesiones, con sus trajes de chaqueta brillantes de asesinos de la cofradía de hijos de Satanás. Mario Casas hace de Jason Stathan pero con peleas de coreografías pobre y persecuciones a las que falta espectáculo. Luis Tossar y José Sacristán siempre brillan pero el guión de Rafael Cobos (La isla mínima, Grupo 7) no está a la altura. El desarrollo de personajes, los giros de la historia, la astucia de las decisiones, la fuerza de los diálogos... Ninguno llega a estar al nivel necesario para que la película impacte por mucho que los efectismos visuales y dramáticos sean una constante demasiado recurrentes.
El tramo final es un espectáculo de sangre y vísceras torpe y chillón, una manera lógica de terminar una obra mediocre y pretenciosa que siembra aún más dudas sobre el carrera del prometedor director.
Después de regenerar el cine épico y religioso con Braveheart y La Pasión,
Mel Gibson volvió a sondear los
límites del espectador en 2006 con esta película sobre la decadencia de la cultura maya.
Rodada íntegramente en lengua maya con actores indígenas, Apocalypto es un viaje extremo en el que es imposible quedarse
indiferente.
Y es que no parece ir con Gibson eso de que el espectador va al cine (habitualmente) a pasar
un buen rato. Apocalypto desde luego
no es una película para disfrutar, sino sobre todo para meterse en una piel tan
salvaje como desconocida. Así lo muestra en la primera escena de la película en
que la cámara se adentra muy lentamente en una selva en la que cada vez hay más
elementos visuales y sonoros. La calma se interrumpe por una pantera negra que recorre
la pantalla seguido por un indígena. Desde ese momento, Gibson no concede un momento de tregua y mete al espectador en la
piel de unos personajes que huyen como de la peste del arquetipo de indígena
que el cine ha mostrado hasta ahora.
Sin dejar de mostrar la brutalidad de algunos aspectos de la
cultura maya, Gibson muestra un
número incontable de retratos de supervivencia matizados por unas
interpretaciones que resultan increíbles en su veracidad. El director
australiano consigue dar humanidad a través de unas interpretaciones en las que
los gestos y sobre todo las miradas de los actores indígenas son un prodigio de
expresividad.
Todo ello en un viaje en el que Gibson no ahorra realismo en algunas escenas que son difícilmente
soportables. ¡Estamos en la selva y esto no es un documental del National
Geographic! parece decir el director australiano que, sin regodearse en la
violencia, permite algunas secuencias breves pero brutales. Es el precio que Gibson hace pagar al espectador que
quiera sumergirse en una experiencia tan vibrante como enriquecedora.
La película, al igual que La Pasión, tuvo polémica
previa sobre la visión de la cultura maya que ofrece la película. Críticas que
quedan a la altura de las de anti-semita que obtuvo hace unos años por contar
el Evangelio de manera prodigiosa.
Incomprensiblemente The Road se quedó al margen de las nominaciones a los Oscar y Globos de Oro en 2010. Un olvido muy llamativo teniendo en cuenta la calidad de la interpretación (Viggo Mortensen, Charlize Theron y el niño prodigio Kodi Smith-McPhee serían premios incontestables), la fotografía (Javier Aguirresarobe), el sugerente guión de Joe Penhall y la maestría en la dirección de John Hillcoat.
Un capítulo aparte merece la ausencia en las candidaturas de la banda sonora de Nick Cave y Warren Elli. Esta pareja de compositores ya demostró su capacidad emotiva en otra película distinta y muy valiosa (El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford). En esta ocasión vuelven a acertar con una banda sonora que refleja la tensión dramática de la novela de McCarthy y su adaptación cinematográfica; la supervivencia en un mundo desolado que tiene como única tabla de salvación la poderosa filiación entre un padre y un hijo.
En el inicial tema The Road la música cobra un protagonismo esencial ya que es el acompañamiento de la voz en off de Viggo Mortensen que va describiendo la destrucción del planeta y la desesperación humana. Las frases metafóricas dejan largos espacios de tiempo en que la música hace la función de los abundantes puntos y aparte de la novela (McCarthy suele utilizar frases cortas y significativas que acaban con este signo de puntuación). Son una manera de hacer reflexionar al espectador con el cruce entre el piano y el violín que definen los sentimientos contradictorios de padre e hijo: la esperanza de un mundo mejor (representado por su fuerte filiación) frente a la desesperación que produce la visión de un mundo que da dejado de creer en el valor de la supervivencia (simbolizado por los caníbales que se devoran unos a otros).
Dice John Hillcoat que en su película ha intentado reflejar con máxima nitidez la crueldad humana para resaltar aún más el contraste. Y esto es algo que consigue la banda sonora a lo largo de la película. Los primeros temas (Home, The Road, Storytime) tienen un tono principalmente nostálgico. Poco después llegan los instrumentos desafinados que describen perfectamente el caos en el tema The Cannibals.
Sin embargo la película va cobrando un tono más esperanzador en los temas The Church, y en especial en la melodía final The Beach, en que el piano adquiere un ritmo vivo y luminoso que hacen que en la película acabe venciendo la ternura sobre la desolación (algo que también sucede en la novela).
Sería imposible imaginar esta película sin esta banda sonora que acompaña durante casi todo el metraje y que hace que el durísimo texto no ahogue al espectador y le permita llegar vivo a la maravillosa escena final.
En el Festival de Cine de San Sebastián ponen cine de todo tipo. Australiano, turco, vasco, vietnamita, excelente, pedante, divertido... Pero la mayoría de las veces el cine premiado es cine que nadie se atreve a aconsejar. Cine de festival pretencioso que provoca un tedio insufrible y universal. Sin embargo de vez en cuando surge el milagro imprevista y la Concha de Oro se la lleva la mejor película, la que quedará con el tiempo, la que hace pensar y emociona en cualquier parte del mundo.
La última vez que sucedió algo así en San Sebastián fue en 2009 con la película china de Lu ChuangCiudad de vida y muerte. Una de esas obras maestras que te retuercen de dolor mostrándote la versión más cruel del ser humano aliviada por destellos de ternura y esperanza.
No es una película para ver en cualquier momento. La catarsis que provoca esta obra de arte es tan radical que uno tiene que estar dispuesto a echarse cuerpo a tierra y que le caigan bombas y cadáveres para finalmente resurgir de las cenizas de la historia.
Sólo la música de Liu Tong valdría la pena para ver esta película de producción imponente a pesar de contar un presupuesto realmente ridículo de 12 millones de dólares.
Alguno la han comparado con Spielberg y Salvar al soldado Ryan... Con todos mis respetos, a mí éste retablo del dolor oriental me parece mejor película, más completa y especialmente mejor escrita. Pero no tengo ninguna duda que Lu Chuang admira mucho el cine del Rey Midas de Hollywood.
Aunque la película es de 2011 pasó desapercibida en su estreno a pesar de contar con tres actorazos en el reparto. Historia de superación, competición, derrotas, victorias y golpes. Pero con un guión por encima de la media que cuenta el argumento con eficacia, sin andarse por las ramas.
Las peleas de estas artes marciales libres son espectaculares, pero lo más importante es que hay una historia dramática detrás que hace que los personajes no sea meros títeres golpeadores en las famosas jaulas.
La música es variada e intensa, capaz de emocionar sin necesidad de tener detrás a la Orquesta de Brandenburgo. Una película por la que no hay que pisar de puntillas....
La novela de Mary Shelley ha tenido numerosas versiones pero esta probablemente la más macarra y menos interesante. Daniel Radcliffe sigue huyendo del personaje de Harry Potter a base de hacer películas tremendas de violencia, desatadas e ilógicas. Este Frankestein tiene muchos monstruos mutantes y experimentos en carne viva realmente desagradables.
Pero además es que lo que cuenta de los personajes y la historia no está bien desarrollado. Comienza con cierto empeño en aprovechar un costoso presupuesto, pero todo se viene abajo a la media hora cuando ya se ve que el director no tiene interés en hacer otra cosa que destripar deformes abominables.
Andrew Jarecki es de esos directores que han nacido para fondear en las cloacas más desagradables del ser humano. Sus personajes son solitarios, locos, taumatizados, asesinos. Y todos ellos reciben de este director un trato distante que hace que sus películas y series documentales sean tan incómodas.
En el año 2004 fue nominado al Oscar por el documental Capturing the Friedman; un análisis en profundidad del caso real de una familia en apariencia convencional y feliz que en un instante se convierte en una tribu depredadora hacía sí misma.
En 2010 presentó Todas las cosas buenas, una película de difusión minoritario basada en un caso real y con un reparto de campanillas. Ryan Gosling, Kirsten Dunst y Frank Langella. De nuevo una historia maravillosa, un amor feliz, un matrimonio rico esconde una historia imprevisible de insatisfacción vital.
Años después de la distribución de esta película, el personaje real en el que se basa la historia llamó a Jarecki y le dijo que quería contarle su verdadera historia. Esa que no habían llegado a saber ni entender los cientos de reportajes y artículos periodísticos escritos sobre él. Sólo Jarecki se había acercado bastante a lo que le había pasado. De aquí surgió The Jinx, ganadora del Emmy a la serie documental y uno de los experimentos más interesantes que he visto en televisión en los últimos años.
Ridley Scott le debe mucho a los compositores de las bandas sonoras de sus películas. Resulta muy difícil imaginar la potencia visual de sus películas sin la aportación de grandes maestros como el griego Vangelis (Blade Runner y 1492, la conquista del paraíso), el norteamericano Jerry Goldsmith (Alien, el octavo pasajero) y, sobre todo, el alemán Hans Zimmer (Thelma y Louise, Black Rain, Gladiator).
En sus últimas cuatro películas (Un buen año, American Gangster, Red de mentiras y Robin Hood) el director inglés ha confiado la banda sonora a un discípulo de Zimmer: el también alemán Marc Streitenfeld. No es una banda sonora redonda y la sombra de su maestro es demasiado alargada. Resulta evidente (y porque no decirlo, empobrecedor), la similitud entre los temas musicales asociados al personaje de Marian (Cate Blanchett) y los melodías vocales de Lisa Gerrard en Gladiator.
Por otro lado, es sencillo echar de menos la personalidad que Michael Kamen (con la puntual y valiosa ayuda de Bryan Adams), impuso en la banda sonora del anterior Robin Hood, principe de los ladrones protagonizado por Kevin Costner en 1991. En otras composiciones como Robin Speak (una escena réplica del monólogo de William Wallace en Braveheart), uno envidia la vibración que James Horner conseguía impregnar a la magnífica escena dirigida e interpretada por Mel Gibson.
A pesar de todo, Streitenfeld firma su mejor banda sonora hasta la fecha con una melodía central muy vibrante que se repite con algunas variaciones a lo largo de la película (Destiny, Pact Sworn o Killing Water) y que llega a su consumación en los títulos de crédito (suena fuerte decirlo pero sí, en mi opinión la parte más salvable de la cinta).
También es interesante el uso de gaitas y flautas en Planting the Fields y Merry Men, junto con el misticismo bucólico que desprende el armónico Sherwood Forest.
Hoy cumple 92 años un director que hizo películas con el síndrome de Benjamin Button; Cada año que pasa son más jóvenes. Aunque destaca Cantando bajo la lluvia, una de las 4 o 5 películas que cualquier cinéfilo podría ver una y cien veces, también realizó grandes títulos como Charada, Siete novias para siete hermanos o Dos en la carretera.
Con el título ya sería fácil descifrar quién está detrás. Y todo apunta a qué estamos ante otra maravilla de Tim Burton. La guionista es Jane Goldman (Stardust, Kingsman) y en el reparto falta Helena Bonham-Carter por razones conocidas, sustituida por Eva Green. Tampoco estará el inseparable compositor de Tim Burton, Danny Elfman, desgraciadamente pluriempleado en los últimos años en la música de videojuegos y series de televisión. Aunque la banda sonora no parece ser un problema en esta nueva película.
Se estrenará el 30 de septiembre en España. Puede ser una buena opción para superar la famosa depresión del regreso laboral.
No soy un gran experto en cine de animación japonesa pero me encandiló está película en el Festival de Cine de San Sebastián.
Me alegra coincidir con nuestra especialista en esta materia Laura Montero que escribe la crítica en el último número de Fila Siete. Una película que mereció la portada de la revista.
El director de Summar Wars, Los niños lobo y La chica que saltaba a través del tiempo adapta una historia de superación a partir de la relación entre discípulo y maestro. Pero la lleva a su terreno; al descubrimiento de un mundo nuevo, mágico y tierno, visualmente espectacular. Una película que puede hacer descubrir la animación japonesa a muchos escépticos.
Profesora de 23
años, monísima, idealista y mega-pija llega al aula 203 de la
High School Wilson. Más que una clase, la
profesora de lengua Erin Gruwell se encuentra con una jaula-proyecto de
integración compuesta por pandilleros, drogadictos y demás retos pedagógicos.
Ante el asombro del resto de profesores que huye como de la peste de esa clase,
Erin Gruwell procura escuchar y entender el porqué de su comportamiento
“anti-todo”.
Que la educación es
un problema importante en Estados Unidos, no hace falta que nos lo cuente
ninguna película (a pesar de que ya nos lo han contado varias veces, desde la
lejanas de Sydney Portier como Semilla de
maldad(1955) y Rebelión
en las aulas (1967) hasta la más cercana Mentes peligrosas (1996) con Michelle Pfeiffer). En este sentido, Diarios de la calle cuenta a priori con
dos grandes inconvenientes: el problema que aborda es muy complejo y está ya
muy trillado.
La
ventaja de esta película es que tiene un guionista detrás que sabe contar
historias, sugerir detalles que hacen avanzar la narración y describir
personajes. Si además los actores están a la altura (no sólo la oscarizada Hillary Swank sino todo el elenco de
“alumnos prodigio”, profesores quemados, etc…), la historia puede ser casi la
que sea que aquello funciona, conmueve y entretiene.
Richard LaGravenese es más
conocido como guionista (Erin Brockovich, La princesitaóLos puentes de Madison) que como director (De ahora en adelante). En Diarios de la calle cuenta una historia
real (el guión está basado en el libro que la propia Erin escribió sobre los
diarios de sus alumnos), que a veces roza el exceso de emoción pero que aporta
argumentos de peso y matices de sobra para que la historia transmita veracidad
y haga reflexionar al espectador. En este sentido se agradece mucho el retrato humano
de los profesores que intentaron enseñar a los alumnos de la 203 y fracasaron
(sensacional el retrato que borda Imelda Staunton como superiora
de Erin).
La puesta en escena
aprovecha los múltiples detalles narrativos que enriquecen a los personajes (el
collar de niña bien de Erin, la pistola que acaricia un alumno cada vez que hay
bronca o la situación de las sillas con la que los alumnos hacen su particular
“apartheid”). Por último, la música dramática de Mark Isham (Crash) y
rapera de will.i.am. está muy bien escogida para describir sin saturar los
diferentes ambientes de la película.
El próximo 22 de abril comienza el Festival de Cine Español de Málaga. Y como siempre he empezado por fisgonear qué películas, directores, guionistas apuntan maneras. Os lo pongo por escrito. es puro prejuicio, en unas semanas veremos si las previsiones son acertadas.
EN SECCIÓN OFICIAL
Toro Kike Maíllo, el director de la magnífica película de Ciencia-Ficción Eva, presenta un thriller en toda regla. El cine de génerono deja de subir peldaños en nuestro país y Toro tiene todos los alicientes para ser un título taquillero y premiable. Uno de los guionistas es Rafael Cobos que es sinónimo de calidad y talento en este tipo de películas (La isla mínima, Grupo 7). Gernika
Argumento explosivo dónde los haya. Será difícil que la película no sea un maniqueo ajuste de cuentas en pantalla grande, pero el cine español no deja de sorprendernos. Su director, Koldo Serra, ha trabajado hasta ahora en televisión en programas de humor como Muchachada Nuio José Mota.Y eso está muy bien. El reparto es internacional:Jack Davenport, James D'Arcy, María Valverde, Burn Gorman, Irene Escolar La noche que mi madre mató a mi padre
Los actores, diálogos y argumento pueden dar mucho de sí.Dirige Ines París (A mi madre le gustan las mujeres, Semén, una historia de amor). Espero que sea su mejor película.
Koblic
Ricardo Darín en una película del director de Un cuento chino. También aparecen Inma Cuesta y Óscar Martínez. A priori es una producción bien filmada y con mucho talento en la interpretación.
La punta del iceberg
Maribel Verdú, Bárbara Goenaga, Carmelo Gómez, Fernando Cayo... Repartazo. El director y guionista es primerizo y la historia mezcla misterio y un tema muy controvertido cómo es el suicidio por motivos laborales.
Rumbos
A pesar de ser muy joven, la directora Manuela Buró ya es conocida por ser nominada a un Goya con el cortometraje Pipas, y presentar el año pasado en este Festivalla impresentable Cómo sobrevivir a una despedida. El trailer pinta bien y tiene muchas caras (y voces) conocidas.
Cerca de tu casa
El año pasado vimos una gran película sobre los deshaucios que acabo siendo una de las más premiadas y valoradas;Techo y comida. Por el teaser no sabemos demasiado aunque parece que será una película de personajes, Destaca la presencia de Lluis Homar y Adriana Ozores.
Nuestros amantes
La premisa del argumento parece tópica y fácilmente resbaladiza. Y Jenner es muuuuuucho más actriz que Noriega. Es la 4ª película del director después de Isi-Disi: Alto Voltaje, Tensión sexual no resuelta, Una de zombis. Ojalá me equivoqué, pero no resulta muy apetecible a primera vista. Quatretondeta
Opera prima que tiene muy buen aspecto. Humor negro, ambiente rural y tres actores que hacen que me lo crea todo. Una comedia nacional que no se presenta como otra zafia y estúpida comedia española televisiva es una muy buena noticia.
La próxima piel
Reconozco que escucho el nombre del director catalán Isaki Lacuesta y me vienen sudores fríos. De las películas que he visto de este director catalán sólo recuerdo pretenciosidad y tedio (Los pasos robados, El cuaderno robado, Murieron por encima de sus posibilidades). El reparto es muy convincente y desde luego hay críticos y sobre todos jurados de festivales le tienen en gran estima. Veremos...
Estrenos especiales
En esta sección se estrenan TV Movies. Algunas muy buenas. El año pasado por ejemplo estrenaron en este apartado Santuario, que fue para mí lo mejor de todo el Festival.
Ebro, de la cuna a la batalla
Guerra Civil. Otra vez. Danger. Aunque la historia es fascinante y los actores son muy solventes. Especialmente Àlex Monner (Héroes,Pulseras rojas, Los niños salvajes). El guionista es el mismo que Quatretondeta y algunos episodios de Cites de Pau Freixas.
La Xirgu
Yo es que ya con ver a mis paisano Luis Zahera haciendo de Valle-Inclán ya me conformo. Y luego esta Laia Marull, que creo que entre ella y Nora Navas protagonizan todas las películas del Festival. De todas formas tengo que ir muy preparado al pase porque Fran Perea interpretando a Lorca no te lo puedes encontrar así, de repente. Son cosas que hay que asumir poco a poco.
Zonacine
Aquí descubrí a Dani Castro y su Ilusión. En general son películas de presupuesto corto y bastante ingenio. En esta ocasión el alienígena invitado más conocido es Juan Cavestany, que maravilló con Gente en sitios y horrorizó con El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo. Indiferentes no nos va a dejar.
Territorio latinoamericano
Yo voy directo a por las argentinas en cuando salgo de las españolas. Intento huir de las mejicanas, uruguayas, peruanas y especialmente de las venezolanas. Esas que siempre me cuentan con cámara en mano la turbia vida de la gente más desgraciada de América Latina. Es un prejuicio enorme, pero esta basado en traumáticas experiencias personales por las que he necesitado tratamiento.
Aparte de las dos argentinas que prometen (Mi amiga del parque e Hijos nuestros) hay una chilena que me ha llamado la atención (Sin filtro). Ahí os las dejo:
Me gusta mucho este fragmento de entrevista. El personaje es auténtico y la anécdota es buenísima. Los argentinos saben comunicar; les debieron enseñar en el vientre materno. Unos genios. Os pongo el trailer de la película que Darín rechazó: El fuego de la venganza (Man on fire). Por cierto, es una de las que más me gusta de Tony Scott. Una machada de más de dos horas de lo más salvaje y entretenidísima.
Aunque tengo más seguidores en Eslovaquia que en Castilla la Mancha parte de mis raíces están en Ciudad Real, y no quería dejar de advertir a mis paisanos del notición cinematográfico del día. Hoy, en Canal Castilla La Mancha, a las 12 de la noche ponen...
La ví en un pase de prensa hace años y luego me entrevistaron para la tele hablando de ella. Lo hice fatal y la película era horrible. Aunque al menos me reí a ratos con ella. En la crítica escrita no fui muy extenso. No hacía falta.
Me da pena que James McTaigue (V de Vendetta) haya caído tan bajo. Teniendo un argumento tan básico: el planeta Tierra quiere matar a un hombre (en este caso un ninja) y éste intenta que no lo maten, tampoco me esperaba una obra maestra. Aunque si pretendía que me entretuviese tanto como otras películas tan eficaces como Shooter, La jungla de cristal, Las crónicas de Riddick, o Danny, the dog. Pero el guión es un despropósito tras otro, culminado en el momento en que un Ninja cuenta como una vez salvó la vida gracias a tener el corazón situado en un lugar del cuerpo distinto al del resto de la Humanidad.
Además, la acción se disfruta poco con litros y litros de sangre y un montaje entrecortada y borroso. Apenas se salva una escena relativamente bien coreografiada con varios ninjas esquivando coches mientras pelean en medio de una autopista.
Con esta serie tengo la sensación de que falla algo que tenía que funcionar para que la bomba estallase. La historia de cómo un grupo de científicos convivieron con sus familias en una pequeña ciudad fantasma de Estados Unidos con el objetivo de crear la primera bomba atómica tiene todos los componentes para ser una gran serie. Un argumento lleno de giros con personajes reales en un lugar recluido en medio de la II Guerra Mundial.
Sin embargo, en la descripción de personajes el trazo es tosco y epidérmico, con una redundancia en la vida sexual verdaderamente enfermiza. Adulterios, homosexualidad, aborto... Esto hace que el desarrollo dramático sea en algunos casos inverosímil (en el personaje principal de Abby por ejemplo), y en la mayoría de las veces incompleto. En este sentido, no es de extrañar que el creador de la serie, Sam Shaw, sea uno de los guionistas de Masters of Sex.
La trama científica que debería resultar fascinante tiene tantos altibajos que en muchos capítulos prácticamente desaparece. Por estos motivos la serie no acaba de funcionar, ya que apenas se atisba lo que podría haber sido y no es. Hay escenas interesantes, actores creíbles, un riesgo notable en la banda sonora, un buen uso de la fotografía y las localizaciones...
Pero cuando no hay un guión con diálogos redondos y unos personajes atractivos y matizados, todos esos elementos técnicos no son suficientes para que la bomba explote.
La historia real era buenísima pero la han destrozado. Una vez más un británico coge un argumento real de la historia de España para pringarlo con todos los tópicos de siempre. Altamira no engaña, es una patada más a la veracidad histórica, un arma de destrucción masiva tan maniquea y torpe que ya el trailer produce verdadera vergüenza ajena.
Que un director tan inútil como Hugh Hudson (Carros de fuego, Nuevos rebeldes, Soñé con África) hay logrado a sus 79 años levantar esta producción me parece increíble. El guión de los hasta ahora prestigiosos José Luis López-Linares (Asaltar los cielos) y Olivia Hetreed (La joven de la perla) retrata los personajes con tanta simpleza y tosquedad que acaban resultando ridículos. "Si las ramas atraviesan el camino hay que modificar el camino" dice el protagonista como si estuviera declamando a Shakespeare o a Lorca.
Desgraciadamente que Antonio Banderas haya echo otra película pésima no es noticia. Talento tiene, pero gusto para seleccionar buenos guiones... Uno ve su filmografia completa y madre mía. ¡Cuánto bodrio suelto y qué pocas películas redondas ha interpretado y dirigido! Una cosa es que nos caiga bien y otra cosa es contar lo que vemos. Un talento despreciado muy llamativo.
