Si tú me dices ven lo dejo todo... Pero dime ven. Éste es el título de la última novela de Albert Espinosa, la más vendida en la última Feria del Libro de Sant Jordi. Es un libro amable y sugerente, que comienza mejor que acaba, que te quiere hacer reír y llorar con ingenio. Para los que quieran pasar un buen rato con una literatura artesanal notable este puede ser su libro.
Lo traigo hoy al blog porque es un libro que daría pie a una buena película: El libro cuenta la historia de Dani, un detective recién separado de su esposa que se dedica a encontrar niños desparecidos. No es un novela policíaca, es un conjunto de historias pequeñas que vienen a la cabeza de Dani como recuerdos, de momentos conmovedores y muy cinematográficos.
Se agradece que el ritmo del libro sea ágil, que vaya de aquí para allá con una narrativa muy amena. Es fácil acabarse el libro en pocos días porque las historias captan la atención y sorprenden con sus giros. Pau Freixas o Achero Mañas (El Bola, Todo lo que tú quieras) serían buenos directores para esta adaptación.
Hace tiempo hablamos de Pulseras rojas, la serie escrita por Albert Espinosa y dirigida por Pau Freixas (Héroes). Pues bien, poco después de que la serie haya estrenado su versión doblada en la TNT (hasta ahora la podíamos ver en catalán en TV3), resulta que Spielberg y Marta Kauffman (Friends) han comprado los derechos para hacer una adaptación norteamericana. Es una gran noticia para la ficción española que ve como sus series también empiezan a tener admiración internacional.
La serie tiene mucho que ver con la película Planta 4º, escrita por Albert Espinosa y dirigida por Antonio Mercero. El argumento de la cinta es la vida de unos adolescentes enfermos de cáncer que tratan de sobrevivir con sentido del humor y la amistad de sus compañeros de fatigas. Es un tema que el escritor Albert Espinosa conoce bien, él también sufrió un tumor a esa edad y perdió una pierna (algo que podemos ver con toda naturalidad en la película en la que él mismo interpreta a un adulto con una pierna ortopédica: No me digas que te bese porque te besaré).
Apenas he podido ver un avance de la serie pero pinta muy bien. Creo que Espinosa es un estupendo escritor que gana mucho al unirse con Pau Freixas. A propósito del Albert escritor os contaría algo sobre su última novela que me ha gustado bastante y no me extrañaría que dentro de poco la viésemos adaptada al cine. Pero de eso hablaremos otro día.
La comedia de situación más inteligente y divertida de los últimos años tiene una de los mejores títulos de crédito del momento. Sin dar rodeos va al grano y mete al espectador en la velocidad narrativa de la mejor screwball comedy. Os dejo la canción completa para que podáis disfrutarla.
Se acaba de estrenar el dvd del documental sobre Alexia González-Barros. De Alexia había leído libros pero también conocía a familiares. Luego vino esa película llamada Camino que contaba a la manera de Fesser (es decir extrema, caricaturizada), toda la aversión personal a cualquier cosa que huela a católica. Y para ello maltrataba una historia real de una familia que sufrió con lagrimas y con fe. Lo peor de todo es que Fesser ni se interesó en hablar con la familia para documentarse. Él tenía claro la historia que tenía en la cabeza y no estaba dispuesto a tener que cambiarla simplemente porque la realidad no coincidiese con sus fobias personales.
Para los que quieran conocer la verdadera historia de esa familia este documental es imprescindible ya que la familia ha aportado vídeos. Os dejó la crítica que escribió Alberto Fijo, el trailer y un vídeo que recoge imágenes de la niña, creo que merece la pena acercarse a él.
Hay algo en la mirada de esa chica muy difícil de explicar... Por muchos millones de euros que se gasten en calumniar (12 en concreto, que no se recuperaron en una pobrísima taquilla) será difícil que la verdadera historia de Alexia, como Ordet de Dreyer, De dioses y hombres o La Pasión de Mel Gibson, sigan emocionando y haciendo pensar al espectador.
Si hay algo que tengo que reconocer a los detractores de Spielberg es que tienen razón al criticar su desmedido sentido patriótico. Especialmente en Amistad y en Salvar al soldado Ryan muestra un sentimiento de superioridad de la cultura anglosajona sobre todas las demás bastante insultante. Es una pena porque esas películas tienen momentos maravillosos pero siempre les faltará el tono universal y veraz de las verdaderas obras maestras.
Hoy quiero recordar Amistad, una de sus películas peor consideradas por la crítica. Aún así la banda sonora de John Williams, la interpretación y la puesta en escena siguen mostrando su sello de calidad.
Desgraciadamente la Isabel II interpretada por Anna Paquin es un esperpento tan exagerado en contra de los españoles que la película pierde muchos enteros. Sobre todo por el idealismo con el que muestra el "respeto" que tuvieron los ingleses con los afroamericanos. Lo curioso es que Spielberg ofreció perfiles más matizados sobre héroes históricos que tuvieron que pelear con el racismo en El color púrpura y, sobre todo, La lista de Schindler.
Por rescatar una escena de Amistad esencialmente spielbergiana: el "give us free"...
No es fácil terminar un año sin una obra maestra de Pixar. Llevábamos demasiado tiempo malacostumbrándonos a la reinvención veraniega de la pólvora y Cars 2 nos ha dejado muy fríos. Aún así ya tenemos un nuevo título de Pixar, el primero de la etapa post-Steve Jobs.
La historia se centra en una heroína escocesa a lo William Wallace. Los paisajes y la magia autóctona dan mucho de sí. Los directores son Mark Andrews (que ya ha realizó para Pixar un cortometraje maravilloso titulado El hombre orquesta) y Brenda Chapman (El príncipe de Egipto, en mi opinión lo mejor de animación de Dreamworks junto a Cómo entrenar a tú dragón).
Empieza la cuenta atrás. Este verano no sólo tendremos Eurocopa, Olimpiadas y Transformers 39 (esta vez con robots embarazados para que siga la fiesta). También estará Brave, The Amazing Spiderman, El legado de Bourne y The Dark Night Rises. Casi nada.
Internet está que arde ante la exaltación taquillera de héroes de la pantalla como Justin Bieber, Hanna Montana o la adolescente que cambió la cigueña por el vampiro. Os dejo dos muestras de como Justin Bieber está fomentando la creatividad y el sentido del humor de nuestro planeta en estos momentos tan críticos.
Muchas series no pasan de ahí. Detrás de un piloto hay todo un proyecto que puede morir si la primera impresión no es buena. Todo lo contrario que sucedió con los dos primeros minutos de El mentalista. Ingenio, ritmo y sorpresa. Un guión modélico y una interpretación a la altura.
No pude verla en su estreno en el velódromo de Anoeta en el último Festival de Cine de San Sebastián, pero la espera ha merecido la pena. Después de meses viendo estupidez adolescente en televisión y películas que en mi opinión pecaban de pretensión y carecían de emoción y personajes (Drive, El árbol de la vida), Verbo ha sido para mí un auténtico antídoto. Otra firma española de trazos geniales que me sorprende por el riesgo y la eficacia de la apuesta.
Una película para adolescentes escrita en verso, con el rap de Nach como banda sonora y decorada con Graffitis. Y en medio de todo el Quijote... Verbo exige paciencia porque el mundo que recrea es minimalista, lleno de pequeños detalles significativos: el contante uso de espejos que te preguntan quién eres, la voz de la protagonista que nadie escucha bien porque habla bajito en un mundo donde los adolescentes habitualmente gritan sin decir nada, el suicidio como cáncer no declarado de una generación sin norte, el aburrimiento y la impaciencia de la mayores definidos con una mirada de desprecio hacia los jóvenes.
Chapero-Jackson confirma que acaba de subir a Primera pero que el año que viene jugará la Champions. Tiene cosas que contar y un estilo muy personal que cuida cada encuadre, cada color, cada silencio (no es de extrañar que uno de sus directores favoritos sea Víctor Erice). Por otro lado la dirección de actores es muy meritoria pues bastaría un mal gesto o una mala entonación para que la película fuese paródica. Pero no hay ningún desliz interpretativo.
Lo más asombroso es que en este salto al vacío todo funciona sin caer en el tedio y el hermetismo. Nada hay postizo en la lírica visual de Chapero-Jackson que demuestra que se puede innovar sin perder el arte de los clásicos. Calificación: 8´5
John Houston dedicó los últimos días de su vida al rodaje de Dublineses, la adaptación cinematográfica de la novela de James Joyce. Fue una despedida maravillosa, a la altura de su filmografía. Es una de las muertes más líricas que un director ha podido rodar en los últimos días de su vida.
Houston rodó Dublineses en silla de ruedas, poco antes de morir. Tenía 81 años.
Ya está preparadas y perfectamente envueltas para llegar en el mes de enero. Sin duda serán dos películas que optarán a bastantes Oscar. George Clooney dirige The ides of march y Alexander Payne hace lo propio con Los descendientes. Junto a ellos unos repartos de lujo.
Los trailer son bastante buenos y dudo que las películas no sean buenas historias bien contadas con actores que se comen la pantalla. Tendremos que esperar pero ya van unos cuantos títulos (incluidos en la sección "Estrenos que espero" de este blog que hacen presagiar un buen año para la alicaída ceremonia de los Oscar.
20 millones de euros ha costado el primer doble capítulo de esta carísima serie producida por Spielberg y dirigida por Alex Graves (Fringe, El ala oeste de la Casa Blanca). Una simbiosis blandita, sólo para chavales, entre Parque Jurásico y Avatar. Es entretenida y blanca, muy spielbergiana en cuanto a la importancia que se le da a la familia. El problema es que eso sucedía en E.T, En busca del arca perdida y Regreso al futuro, y no había nada que reprochar. Pero en Terra Nova falta guión y actores con mayor carisma. Además sobran lugares comunes y personajes anodinos que hacen que la serie no enganche al espectador de más de 14 años.
La serie ha sido un relativo éxito en Estados Unidos pero no suficiente, tanto que ya se empieza a cuestionar la segunda temporada. Por ahora tendremos que ver como reacciona el público ante los 13 capítulos confirmados de esta primera temporada.
Ahora que todo el mundo está contando los millones de euros que ha ganado Tintín en Europa, es buen momento para hablar de la película de Spielberg peor recibida de las última décadas. A propósito de Indiana Jones 4, el director de E.T y La lista de Schindler afirmaba lo siguiente en la revista Empire.
"Nunca me gustó el MacGuffin," dijo el director sobre el objeto que Indy busca en la franquicia. "George [Lucas] y yo tuvimos grandes discusiones sobre el MacGuffin. Yo no quería que estas cosas fueran extraterrestres o seres interdimensionales, pero yo soy fiel a mi mejor amigo. Cuando él escribe una historia en la que él cree -- aunque yo no crea en ella - voy a rodar la película de la manera en que George se la imagina. Añado mi toque personal, traigo mi propio elenco, disparo de la forma que yo quiero disparar, pero siempre me refiero a George como el narrador de la serie Indy. Nunca pelearía con él sobre eso."
A pesar de que Spielberg acusa a Lucas de la historia, admitió que la idea de colocar a Harrison Ford en un refrigerador para escapar de una explosión nuclear fue toda suya. "Lo que a la gente realmente no le gustó sobre Indy fue cuando se metió en un refrigerador y fue soplado hacia el cielo por la explosión de la bomba atómica. Culpenme a mí. No culpen a George," dijo Spielberg. "Esa fue mi idea tonta. La gente dejó de decir 'salta el tiburón.' Ahora dicen, 'bombardea la nevera.' Estoy orgulloso de eso. Me alegro de haber sido capaz de traer eso a la cultura popular."
Lleva tiempo trotando, pero para mí sigue siendo el más grande desde que en 1975 enseño al mundo como hacer una gran película con un camión, un coche y una carretera (El diablo sobre ruedas). A Spielberg le faltaba un western en su carrera y tal vez éste sea un buen acercamiento. El trailer apunta alto con un idealismo típico del director de Cincinnati y la música de su fiel compositor John Williams (sí ese que se iba a retirar después de La Lista de Schindler...¡hace 20 años!).
Llevo años empeñado en descubrir una serie española de la que pueda sentirme orgulloso. Y la verdad es que me resultaría más o menos fácil decir 10 ó 12 películas españoles de la última década, pero series.... Estamos en una etapa gloriosa de las series de televisión (Mad Men, El ala oeste de la Casa Blanca, House, The Walking Dead, Dowton Abbey, Luther, The Big Bang Theory, Sherlock, The Hour). Probablemente la mejor época de este formato televisivo. Y también estamos en unos años de muy buen cine español que se demuestra, entre otras cosas, en que cada vez se ficha a más artistas de nuestro cine en el extranjero.
Entonces... ¿por qué demonios me cuesta tanto pasar del tercer o cuarto capítulo de Gran Hotel, El Barco, Los Serrano, Física o Química, La República, Hispania, Aguila Roja? Acabo rendido de tanto vicio heredados del culebrón y fomentados por las web de las series que necesitan que los actores no sean buenos, sino "buenorros". Y a ser posible que se quiten la camisa un par de veces por capítulo para ponerlos en la sección de "los mejores momentos".
Y el twitter echando humo de tanto fan enganchado a la adolescente embarazada del quinto chico con el que se lía, al asesino celoso que mató por amor cuando se enteró que su hijo no era de él sino de otro. Por no hablar de los constantes anacronismos (el engominadísimo peinado de Yon González en Gran Hotel es todo menos típico de inicios de siglo), de los lamentables intentos por imitar lo de fuera: ni Gran Hotel es Dowton Abbey, ni Hispania será jamás Gladiator. Ni falta que hace. No tenemos por qué copiar, el buen cine español no lo hacen los que trincan un plano a Spielberg, un personaje a Eastwood y un clímax a Tarantino.
Aún así no pierdo la esperanza en encontrar alguna serie española y valiosa, a poder ser más reciente que Verano azul o La Regenta.
Pocos compositores han dado a la música tanto poder en la capacidad emocional de una película. Hace poco he vuelto a ver la trilogía de Kieslowski por el orden en el que siempre las he situado, Rojo por encima de Azul. Y Blanco muy lejos de las otras dos.
En cualquier caso este compositor polaco hace un trabajo maravilloso tanto en esta trilogía como en películas norteamericanas como El jardín secreto ó Cuando un hombre ama a una mujer (una muestra arqueológica que certifica que hubo un tiempo en que Meg Ryan no era insoportable).
Desgraciadamente Preisner lleva tiempo sin participar en películas con cierta repercusión. Y como los Oscar nunca le hicieron caso (ninguna nominación), este compositor lleva camino de que nos olvidemos fácilmente de él a pesar de que es uno de los más grandes con Nyman, Williams, Doyle, Zimmmer, Newton-Howard o Desplat.
Este fin de semana, en concreto el domingo 16 dará comienzo en Estados Unidos la segunda temporada de The Walking Dead con la sombra del despido de su creador Frank Darabont (en principio AMC dijo que el motivo era que el director tenía otros proyectos pero no parece que sea así sino que se hartaron de discutir sueldos y presupuestos). Esta nueva temporada arranca con el pánico contenido de que el público no responda bien ante este sorprendente cambio de capitán del barco sobre la bocina (Darabont fue despedido en la sala de montaje mientras editaba uno de los nuevos capítulos).
Pero yo no quería hablar de los problemas de AMC con sus creadores que dan para escribir una enciclopedia (sólo falta que contraten a Mourinho para consolidar el ambiente de batalla numantina creado en torno a las negociaciones de las nuevas temporadas de Breaking Bad, Mad Men o The Walking Dead). A propósito de ésta última en un primer visionado de la serie no me llamaron la atención los efectos especiales. Estamos muy acostumbrados a que los efectos visuales se noten, así nos ha educado Lucas y otros compañeros de lo llamativo. Pero los efectos que utiliza Darabont son más eficaces ya que siendo muy recurrentes no quitan realismo a la escena. El siguiente vídeo muestra claramente este proceso.
La última película de Stephen Daldry (Billy Elliot, Las horas, El lector) se vende estupendamente con este trailer. El 11S lleva tiempo pidiendo una historia que recuerde a los que murieron sin sentimentalismos baratos (lo de World Trade Center de Oliver Stone estaba a la altura de la canción de La oreja de Van Gogh sobre el 11M). Y todo pinta que esa película que esperamos es la próxima de Tom Hanks (perdonémosle Larry Crown, el chico venía de poner voz a Toy story 3 y salir de Pixar para meterse en una historia romántica tonta y adulta no es fácil), y Sandra Bullock.
El guión lo firma Eric Roth que me aburrió soberanamente en El curioso caso de Benjamin Button, me interesó en Munich y me emocionó con Forrest Gump. Tendremos que esperar todavía unos meses pero me extrañaría que no sea una de las diez elegidas para los Oscar.
Eastwood cambia de rubio: Damon por Di Caprio. Tenía que hacer algo distinto, un quiebro para recuperar el nivel de Gran Torino perdido en las simplemente correctas Invictus y Más allá de la vida. La historia del presidente Hoover es una buena materia prima para pasar por el filtro del director de Sin perdón, Un mundo perfecto y Million Dollar Baby.
Aunque todavía queda mucho la película tiene pinta de Oscar: sería el tercero para Clint que se quedaría a una estatuilla del más galardonado: John Ford, ni más ni menos. Por cierto que acabo de rescatar un minuto glorioso de una entrevista imposible que le intentó hacerle Peter Bogdanovich al de Galway.
Además, el director nacido en San Francisco batiría un récord personal: ser el director más longevo en ganar un Oscar con 81 años (registro que ya tiene desde que ganó el Oscar con Millión Dollar Baby en 2004 a la edad de 74 años).
Sería una meta difícil de batir siempre y cuando a la Academia no le dé por nominar ahora al inmortal Manoel de Oliveira (102 años, a tres meses de llegar a los 103). No tiene pinta, es un director más de Cannes y Venecia.
Sí, por 2º semana consecutiva la adaptación al 3D del clásico de Disney es nº1 de taquilla en Estados Unidos (superando a Brad Pitt en Moneyball).
El Rey León 3D ya lleva ingresados más de 60 millones. James Cameron debe estar frotándose las manos con la versión de Titanic en su formato favorito que pretende estrenar el 6 de abril de 2012.
Acabó el Festival de cine de San Sebastián. Y los premiados que se queden con los premios. No queda otra, es el sino de tantos años en que se premia lo hermético, lo que nadie verá fuera del festival. La película española Los pasos dobles (mejor película) y la griega Adikos Kosmos (mejor director y actor) han sido las grandes vencedoras para el Jurado. La inmensa mayoría de los críticos nos aburrimos como ostras con estas películas (con diferencia han sido las que han logrado un mayor número de deserciones del Kursaal), pero da igual.
Al menos no le han dado todos los premios a Kim Ki-Duk y Amén (ya puestos a premiar lo alienígena, no había nada más tedioso).
Y se agradece que a Kore-Eda le hayan dado el premio guión y a María León el de la mejor actriz (aunque por lo visto en la ceremonia tengo la sensación de que más que interpretar lo que hace en la película es ser ella misma).
Lo que menos se entiende es que en un año así se haya premiado la sal gruesa, el chiste fácil y los personajes toscos de Julie Delpy en su película Le Skylab. Lo siento por Urbizu, Terence Davies, José Coronado, Rachel Weisz... Pero tengo claro que a sus películas les queda mucho carrete en taquilla y en otros festivales.
De Zinemaldia 2011 me quedo con las películas que he ido comentando estos días: Extraterrestre, Arrugas, The Deep Blue Sea, Bertsolaris, Kiseki, No habrá paz para los malvados, El árbol de la vida... Y las secciones dedicadas al cine negro norteamericano, a Jacques Demy y el justo Premio Zinemira concedido con todo merecimiento a Elías Querejeta, uno de los productores que no cayó en la trampa del cine del momento y se dedicó a arriesgarse a hacer un cine que, éste si, quedará para siempre...
Llevaba tiempo esperando ver la próxima película de Benito Zambrano. En los últimos años su aproximación a la guerra civil española era una manera ingeniosa de presentar la humanidad en ambos bandos, la ideología que no es capaz de mutilar la libertad humana que permite ayudar a personas que no piensan como tú. Era sólo un anuncio, del Atlético de Madrid para más emoción, pero que reflejaba con brillantez los cientos de miles de seres humanos que en medio de la contienda ven que nos son tan distintos al bando contrario, y que lo que quieren es tener que dejar de matar su alma a base de disparos al vecino. El espíritu de Berlanga y La vaquilla está presente en este anuncio.
Desgraciadamente, después de ver La voz dormida tengo la sensación de oportunidad perdida. Zambrano evidentemente tenía una tendencia a la izquierda pero es un director y escritor con talento que si había realizado un anuncio así y había hecho Solas, podría hacer "La película española sobre la Guerra Civil" que espectadores de todas las ideologías y creencias pudiesen ver sin sentirse atacados.
En la rueda de prensa de ayer de La voz dormida hubo un momento de tensión. Un periodista preguntó al director Benito Zambrano si no le había dado miedo contar una historia tan parecida a la de la película de Emilio Martínez Lázaro, Las 13 rosas, teniendo en cuenta que además ya hay una buena masa de películas sobre la guerra civil española. En ese momento saltó a la palestra el indignado productor de la película diciendo que "Eso es una mentira que a base de repetirla la gente se la cree. Y es una mentira de un sector muy concreto y radical. No deberías dejarte engañar por ella". Ese tono de contestación, agresor y emocionalmente descontrolado, es un fiel reflejo de La voz dormida.
Viendo la película de Zambrano, de la que me gustan unas cuantas cosas (la mayoría relacionadas con la luz y la gracia andaluza que desprende el personaje de María León), me viene un sentimiento de "otra vez más", la misma piedra. Llevo más de un año diciendo que el cine español está teniendo obras de inmensa calidad. Sin embargo sigo echando de menos la aparición de una película sobre la guerra civil que no me manipule, que muestre matices en los dos lados. Que alguien se atreva a hacer algo parecido a La lista de Schindler, una película protagonizada por un nazi poliédrico, cruel, despiadado y frívolo, y a la vez compasivo, generoso, capaz de arriesgar su vida y riquezas por salvar a miles de judíos. O lo que el cine alemán lleva tiempo haciendo con El hundimiento R.A.F. Facción del ejército rojo o La ola.
En La voz dormida no se ven esas ganas de contar una historia verdadera sino de dejar claro un mensaje. Lo dice Inma Cuesta a una carcelera falangista que ha perdido tres familiares en la Guerra: "Nosotros no empezamos la guerra". Y lo dice su director: "La película trata sobre una guerra que no tenia que haber sucedido". De esta manera su película cae en el tópico que hace que un gran porcentaje de espectadores y críticos estemos hartos del cine histórico que nos subraya una y otra vez que una España era la buena, moderna, libre, comprensiva y democrática y la otra era maligna, medieval, fascista y dictadora.
La ventaja de Zambrano es que es hábil en varios tramos de la película. Hay que reconocerle que tiene retratos que echan para atrás: la monja de la porra, el cura amanerado, un policía ultracatólico que blasfema, la carcelera del moño que tiene diálogos que ni Cruela de Vil en 101 dálmatas... Pero al menos no utiliza excesivamente la retórica repúblicana como lo hacía Martínez Lázaro en Las 13 rosas, Vicente Aranda en Libertarias o Ken Loach en Tierra y libertad. No hay grandes discursos porque Zambrano prefiere definir personajes, algo que hace de maravilla en los personajes de un lado y que se echa de menos en los personajes maniqueos del otro.
Da pena que Zambrano deje para el final un destello de humanidad en el bando nacional, esa carcelera que se conmueve es el único matiz en un collage plagado de excesos. "Yo soy así, andaluz, excesivo" decía ayer el director en la rueda de prensa. Quizá ese sea el problema, pero en Solas hizo un retrato que conmovía a cualquiera, fuera del signo que fuera. La voz dormida no es así, más que intentar curar la memoria perdida lo que hace es reabrir una herida que siga dividiendo, creando conflicto entre unos y otros. Tiene narices que el único director que hasta ahora ha sido capaz de hacer una película conciliadora, que muestre que hubo bondad y maldad a ambos lados de la trinchera sea un director inglés: Roland Joffé en su magnífica película There be dragons.
La libertad para caminar dentro de esa película, como la que percibo en Lope, También la lluvia o Bruc (que fácil era taladrar tópicos napoleónicos, colonialistas..), es lo que más echo de menos en la tercera película de Zambrano. Y eso que el diseño de producción es bueno y la interpretación también. Se hace larga, en mi opinión por un exceso de escena de lágrima fácil (gente que llora, se abraza, les torturan, les humillan), pero cierra bien el telón al estilo de Solas, con una voz en off que da una cierta esperanza. Pero ya es tarde, el muerto y los tópicos ya han sido desenterrados en 115 minutos de dirección única y toscamente señalizada.
A los fineses y a los suecos deberían prohibirles hacer dramas. No dudo que Guillermo Arriaga (miembro del Jurado de este Festival) esté entusiasmado con este conglomerado de tragedias y miserias humanas, pero a mí ya me pilla cansado estas películas nórdicas en las que todo es tan tremendamente horrible que el suicidio es la única posibilidad racional. Hay sexo desenfrenado, violencia marital, mentiras, traiciones... Y al final, una caricia que quiere resolver todo. Está bien interpretado y dirigido pero echas tanto de menos matiz, mesura, algún giro ingenioso de amabilidad que te sorprenda. Vamos, que probablemente estemos ante una de las favoritas para la Concha de Oro. Así es la vida.
El peligro que tiene un director como Kore-eda es que te malacostumbra. Kiseki (Milagro) es otra maravilla, esta vez sobre la infancia, las ilusiones, la amistad sin condiciones. Después de Nadie sabe, Still Walking y Air Doll, el director nipón hace un retrato entrañable de dos hermanos que buscan el milagro de ver unidos a sus padres que se acaban de separar.
Kiseki es una película de esas que te deja sin aliento, que tiene un humor universal, elegante, ingenioso. Ese cine que te hace mejor persona, que te presenta la vida como esa fuerza arrolladora de bondad... Y eso es muy difícil.
La película se ve con interés de principio a fin porque el guión está plagado de giros creativos y matices en interpretaciones infantiles sobrecogedoras. Si ya es difícil rodar a un niño (lo digo por experiencia), grabar a 6 ó 7 a la vez manteniendo la naturalidad y espontaneidad es un logro casi imposible. Pero Kore-eda lo consigue y no nos damos ni cuenta de que están actuando. En definitiva el poder de Kiseki es la atractiva sencillez del ser humano dibujada con la maestría y el tono amable de otro retratista nipón genial como Hayao Miyazaki.
Pues sí, Los cronocrímenes era un salto al vacío valiente, un golpe en la mesa de un director que no quería entrar en la manada de los tópicos cinematográficos. Pero como primer intento tenía taras, se veían huecos, Vigalondo como actor dejaba mucho que desear... Extraterrestre es la confirmación de un talento extraordinario que sabe dirigir, llevar con ritmo una película dificílisima de ciencia-ficción a la comedia romántica.
El guión es un portento de principio a fin, lleno de gags que funcionan como un reloj sin dejar de lado la evolución de la historia... Conforme avanza la película a uno le entra pánico que semejante galaxia se derrumbe por un mal paso, un exceso de confianza, un giro que eche por tierra el original arranque de la película. No sucede eso. En gran parte porque al brilante guión y puesta en escena se une un quinteto de actores capaz de que te creas un historia increíble, inverosímil y al fin y al cabo puramente cinematográfica.
Si acaso se echa de menos que, para rizar el rizo, la poderosa fuerza narrativa de la película no se engulla a los personajes y caiga en algún que otro tópico en la relación algo básica de chicos que, más que querer, desean a la chica. En este sentido es en el que se nota el peso del productor Borja Cobeaga (Pagafantas, No controles): un tipo ingenioso y hábil pero más bien epidérmico en la radiografía de personajes.
Con todo, no le quitemos mérito a Vigalondo que ha subido varios pisos en una sóla película. Probablemente tardemos poco tiempo en verle en el extranjero. Ya en el Hollywood Reporter hablan maravillas de su película.
Una reunión familiar. Muchos tíos y primos que se reúnen, comen y sobre todo hablan de sexo. De la playa nudista, de sus costumbres conyugales, de los chistes verdes que cuentan los niños… No es Porkys, es cine francés verborreico y trasnochado, de personajes que no se miran ni se conocen, se autoescuchan. Julie Delpy parece haber descubierto la revolución sexual y mayo del 68… Y estamos en 2011. Y cayó el muro, murieron Lenin, Mao, Pol Pot… y no parece que nadie les eche de menos. El sexo se descarga a toneladas en Internet y la pedofilia es uno de los males más execrables del siglo XXI.
Y en medio de esto llega Delpy y hace una comedia de gracia gruesa en la que los niños de 7 y 8 años ya sólo piensan en sexo y empiezan a hacer sus pinitos jaleados por los adultos (vergonzosa la escena de los padres anarquistas emocionados con que su hija de 11 años haya tenido la primera regla y ya puede empezar a copular como una auténtica campeona). Quizás soy exagerado pero a mí mezclar el sexo con los niños no me hace ninguna gracia.
La carcajada fácil y el discurso evidente no deberían disfrazar la carencia creativa (la película no tiene originalidad, ni historia, sólo diálogos acelerados y huecos), y la falta de responsabilidad a la hora de mostrar a menores en actitudes obscenas tan llamativas. No es nada nuevo, que se lo digan a Joaquim Phoenix lo simpático que era la libertad sexual precoz que vivía con su hippie familia en la secta Niños de Dios. Eran los años ochenta y su recuerdo no parece que sea una comedia familiar y ligera como la que propone la actriz y directora francesa.
Puestos a analizar la revolución sexual hay gente que se ha molestado en hacerlo con obras maestras: Ang Lee (Tormenta de hielo), Ted Demme (Beautiful Girls), Hirokazu Kore-eda (Air Doll), Dennys Arcand (Las invasiones bárbaras, La edad de la ignorancia). Todos ellos han dejado películas inolvidables que se quedan en la memoria y se te pegan al alma del que carecen los personajes de Delphy (anónimos, exagerados e increíbles en su vida monotemática).
Llevamos años hablando de la animación española, y más en concreto de la gallega. Y hemos visto películas interesantes como Planet 51 o El bosque animado. Pero estábamos muy lejos no sólo de los gigantes de Hollywood (Pixar, Dreamworks) y Japón (Miyazaki y los estudios Ghilbi), sino también de los grandes del cine europeo como Sylvein Chomet (Bienvenidos a Belleville y El ilusionista). Pues bien, Arrugas es un importante salto de calidad.
Basado en un comic del reconocido dibujante Paco Roca, la película del debutante Ignacio Ferreras cuenta la vida de una residencia geriátrica. Apoyado en un guión modélico en el que hay nostalgia, soledad, sentido del humor y pulso narrativo. Una película de dibujos para mayores deliciosa y de esas que hace pensar, que deja a los personajes en silencio, que sabe aprovechar una animación limitada pero ingeniosa. La película es en 2D y los personajes y los fondos tiene limitaciones evidentes, pero cuando hay un buen guión y unos personajes bien definidos se aprovechan al máximo todos los elementos. De esta manera la película está llena de detalles simbólicos: las escaleras que suben al piso de los ancianos que no se valen por sí mismo, la despedida del hijo que abandona al padre, el tono de su voz que desvela que no es un "hasta luego, sino hasta siempre....". Y esa piscina de aspecto impecable que nadie utiliza, que da una imagen engañosa de juventud atractiva a una residencia en la que hay soledad y somnolencia, agua estancada y acristalada, sin vida...
Al acabar de ver la película me he acercado a Ignacio Ferreras, un director que podía mirarte por encima del hombro (a su corta edad ha trabajado en Dremworks, en la película nominada al Oscar El ilusionista, y ya tiene una opera prima de animación adulta que está encandilando en San Sebastián), y sin embargo te mira asombrado, casi agradecido de que le hagas una pregunta. En breve, os contaré más de él porque me parece un nombre que dará que hablar en el futuro. Por ahora es uno de los grandes candidatos para el Premio Kutxa de Jóvenes Directores de Zinemaldia 2011.
Isaki Lacuesta dejó buen sabor de boca el año pasado casi de forma unánime con La noche se acaba, el documental sobre Ava Gardner. Este año presenta dos películas: Los pasos dobles en Sección Oficial una película de ficción con el estilo propio de seudorealidad y El cuaderno de barro, un documental presentado en la Sección Zabaltegui.
Venía de ver Bertsolaris que me sorprendió por su amenidad y lírica, y tengo que reconocer que Los pasos dobles más que acercarme a un personaje me aleja de él. Y eso que tenía pinta de ser interesante la vida real de François Augiéras, un africano esclavizado que pinta en un bunker una especie de Capilla sixtina a modo de catarsis. Una vez terminada sus obras llegan los macarras de turno (que también los hay en África), y grafitean su obra. El artista vuelve y repinta su obra para cerrarla y esperar que el hombre del siglo XXI vuelva a encontrarla.
Este comienzo a lo Spielberg (En busca del arca perdida) tiene fuerza y te deja intrigado. Evidentemente no te imaginas que Lacuesta mande a Indiana Jones a reabrir la cueva, pero si que la historia te acerce a un personaje insólito, aventurero y poeta. Sin embargo, la historia transcurre de manera ininteligible. No entiendo nada de los personajes, ni sus reacciones, ni sus frases. A lo mejor hay que estar en África, meterse en un búnker, pintar una catedral subterránea, que te apaleen antes y después.... Pero no es el caso. Ni el mío ni el de decenas de críticos que han huido del Kursaal a la media hora (hacía tiempo que no veía una desbandada semejante, silenciosa eso sí, pero representativa).
Y Lacuesta no consigue meterme dentro de la piel de este insólito artista. Por supuesto la fotografía está cuidada, la luz... pero el ritmo, el guión hacen que me aburra soberanamente mientras me entran ganas de leer y releer Ébano de RyszardKapuściński oEn un lugar de Áfricade Stefanie Zweig. Dos maneras muy distintas de sentir y entender África que me acercan no sólo a un personaje sino a un continente.
P.D: Leo a uno de los críticos más importantes de nuestro país un tweet (es la primera vez que me meto en esa manera compulsiva de contar tus feelings de última hora no os preocupéis), en el que dice que acaba de darse cuenta que los chistes de Los pasos dobles están sacados de La vida de Bryan. Ni más, ni menos. El espíritu de Kim Ki-Duk nos está afectando a todos. Por cierto que si podéis no os perdáis la rueda de prensa del surcoreano culpable de Amén, tan surrealista como su película que está colgada en la web del Festival. "He de reconocer que tengo problemas en la comunicación de mis películas con los periodistas". No es un problema con los periodistas sino con la galaxia terráquea, pero bueno, se agradece que tenga en cuenta la tortura a la que nos ha sometido con su película.
Take This Waltz se titula la última película de la actriz y directora Sarah Polley (Lejos de ella). Antes que nada quiero decir que me parece un milagro hacer una peli aceptable con una pareja protagonista compuesta por la dulce y sensible Michelle Williams y ese redbulliano formato Hommer Simspson llamado Seth Rogen (Lío embarazoso, Superfumados, The Green Hornet... en fin una joya de filmografía).
La película tiene momentos de gran humanidad y sentido del humor. Suena a ya muy visto el adulterio con el vecino que se reviste de poesía pero al final se reduce al querer cambiar el Whopper con queso que tienes en casa por un Bacon Burger. Así se ve en el momento de "clímax" romántico de los dos amantes: quiere sonar a lírico pero el texto podría pertenecer a cualquier libro de Corín Tellado. Esto hace que la película no llegue a emocionar a pesar de tener pinceladas veraces y verdaderamente conseguidas.
Pero sobre adulterios cinematográficos tenemos ejemplos maestros y este cursillo de qué difícil es el amor para toda la vida se queda muy cortito.
Los actores están bien, la planificación visual es buena, hay canciones bonitas pero siempre hay un instrumento fuera de lugar (en concreto en la canción inicial, si no me equivoco de Regina Spektor, esa voz maravillosa que ya habíamos escuchado en El Principe Caspian y 500 días juntos). Y ese instrumento fuera de lugar es que la película no llega a describir el dolor, la angustia, la profunda soledad de perder a la persona que una vez te dijo "para siempre" con la profundidad de Breve encuentro o Deseando amar. Todavía le queda un camino que recorrer a esta directora que desde luego tiene talento, personalidad y ganas de hacer películas arriesgadas.
La gran ventaja que tiene Albert Nobbs es que el año pasado la película excusa para traer a Julia Roberts fue Come, Reza, Ama. Así que este año la película elegida para traer a Glenn Close (a la que hoy concederán el Premio Donostia) tenía fácil mejorar su precedente. Comparado con las postales de Julia Roberts en la India dignas de un bolso de Hello Kitty, Albert Nobbs es Lo que queda del día o Retorno a Brideshead.
En realidad esa es la forma de la película. Buenos actores, imponente diseño de producción, vestuario cuidadísimo, fotografía elegante... Pero esto no es Downton Abbey. Es una historia pequeñita de personajes simples y cortos de recorrido, de esos que para definirlos te basta una frase o incluso unas palabras. Todo muy elemental y anacrónico en servicio del lobby gay que es como Kathy Bates, está por todas partes.
Hay una escena que resume bien la película. Dos enamorados/as, ya saben, la cosa va de jugar con la identidad de género, están sentados en un banco. Uno le dice a la otra parte de la relación: "No me quieres, porque nunca me has besado". Ella/él le da un tímido beso en la mejilla. "Eso no es un beso" dice la receptora del ¿afecto?. Y entonces se lanza a besarle como lo haría una adolescente en pleno celo, más que besar muerde sin piedad a su aterrorizada pareja-víctima. "Así es como me gusta que me me besen. Así me besan los que me quieren". Pues nada, que pensába que estábamos en una película de James Ivory y resulta que estamos en Yo soy la Juani.
Más que esmoquin a personajes así les veo más con chanclas y riñonera, eructando en una bolera con el gran Lebowski mientras comentan lo buenorras que estaban las animadoras de la final de la Super Bowl. La aportación de Rodrigo García es prácticamente inexistente, dudo que Mike Newell o cualquier director impersonal la hubiese rodado de otra manera. Los actores hacen lo imposible por salvar la peli pero aunque la mona se vista de esmoquin...
Los bertsolaris o poetas de verso libre ya tienen un documental que exprese toda la lírica de su oficio. Más de hora y media llena de detalles visuales interesantes: el nexo de las palabras sobre el agua, el aire y la tierra, el miedo al pánico escénico de un micrófono ante un estudio vacío... En 20 segundos tienen que cantar sobre un tema en euskera, improvisando rimas e ideas. Puede ser en un bar, en casa con amigos o ante 14.000 personas en el Teatro de Barakaldo.
La película has sido aplaudida durante varios minutos... Se lo merecía. Una buena forma de expresar la grandeza de la lírica y de la lengua cantada, esa que el ser humano ha utilizado durante siglos.
Orgullosos de su txapela, los creadores de este documental muestran una belleza imponente sin agredir a nadie, cosa que se agradece. Además la película se mete en la vida de varios bertsolaris con ritmo y un sentido del humor fino y universal que hacen que 90 minutos de documental sean tan ligeros y sugerentes como los versos cantados.
No habrá paz para los malvados demuestra que el cine español cada vez hace mejor lo que antes sólo conseguía el cine norteamericano. No estamos ante una película de acción entretenida, estamos ante un autor que deja su sello llegando más lejos incluso que Agustín Díaz Yanes en Nadie hablaré de nosotras cuando hayamos muerto.
José Coronado esta inmenso en un papel complejísimo, que podría rozar el ridículo, convertirse en un Vin Diesel o en un Bogart de tiro fácil trasladado a Chamberí. Pero su personaje tiene una forma de andar, de hablar, que hace que nos lo creamos como un policía al que el siglo XXI en Madrid le está matando. La mezcla de tramas está muy conseguida y la truculencia no mostrada, inteligente, esa violencia seca, dura e instántanea es tumbativa. Urbizu no tenía que demostrar nada a nadie, pero por si acaso ha firmado su mejor película, una de las favoritas para llevarse la Concha de Oro.
Llevo años defendiendo que el cine oriental no tiene porque ser aburrido, pedante y hermético. Puede ser hermoso, accesible y universal. Ahí está buena parte del cine de Miyazaki, Yimou, Wang, Kar-Wai o Kore-Eda.
Sin embargo películas como Amén del surcoreano Kim Ki-Duk presentada hoy en la Sección Oficial echan por tierra todos mis argumentos. Eterna, pedante, surrealista, incomprensible... Todo ello lo tiene una película muda de menos de 80 minutos en el que sólo oímos sonidos de la ciudad que cambian cada vez que hay un corte de plano. Durante ese tiempo seguimos a una chica que busca un hombre por medio mundo, mientras un tipo con máscara la viola, le quita cosas y luego se las devuelve. Y todo eso para acabar con un final que suena a tomadura de pelo. De hecho el trailer es el final de la película. Insólito ¿verdad? Alienígena diría yo. Aplausos y silbidos al terminar. Yo salgo con necesidad de respiración artificial. Más que la dichosa máscara de Kim Ki-Duk, necesito alguien que me cuente una historia de seres humanos que hacen cosas humanas provocando emociones humanas.
¡Mira que es difícil hacer una mala película con Clive Owen!: uno de esos que te mete en su piel sin hacer volteretas, ni muecas sorprendentes. Pero Intruders es una película con un buen trailer y... poco más. Cierta tensión conseguida en algunos momentos pero sin raíces en el que apoyar la historia, sin apenas personaje que alimentar la inmersión del espectador. En definitiva, el pecado que nunca puede cometer una película, menos una de terror: aburrirte, olvidarte de ella antes de que haya terminado.
Una pena porque Fresnadillo apuntaba alto, pero el tiro no ha sido certero. Esperemos que, como ha hecho Rodrigo Cortés en Buried, encuentre una buena historia y un buen guionista acorde con su fuerza visual.
El árbol de la vida no sólo es la última Palma de Oro en Cannes. Es la película de un director que se pasa casi décadas preparando sus películas. Viendo cada plano de El árbol de la vida uno entiende la dificultad de un proyecto en el cada plano es un cuadro, un poema, un mostrar en pantalla grande la belleza del mundo. Una película así exige ir al cine, mirarla y remirarla.
Es el diálogo entre Dios, el hombre y la naturaleza... Y para eso hace falta tener la llave que han tenido muy poco para abrir puertas innaccesibles. Dreyer, Tarkovsky, Miyazaki, Welles, Ford... Poco más.
Con todo sigo pensando que Malick es un director al que le falta algo para llegar a la obra maestra. Evidentemente no es en la forma, pero el contenido... Es profundo, atrevido, esperanzador (algo que hace que me resulte muy difícil criticarle), pero sigo pensando que si el motor narrativo de sus películas no tuviera altibajos sería un artista que llegaría más lejos, a más gente.
Quizá sea el problema del montaje final (al parecer Malick tiene previsto estrenar un montaje de 6 horas de la película en su versión en dvd), pero sigo echando de menos en su película que las ideas no estén a la altura del desarrollo de los personajes. Y no lo digo por el enfado de Sean Penn por la mutilación de su personaje (por una vez que está soberbio y no sobreactuado debería ponerlo un monumento a Malick), sino por la sensación que me deja el último cuarto de la película de que una historia y unos personajes más desarrollados hubiesen echo de esta película una obra más universal. Una de esas que, como Casablanca, Cantando bajo la lluvia o Up por no irme tan lejos, reinventan el cine y emocionan por igual al adolescente nipón de los años 50 y al anciano belga del siglo XXI.
Con todo, bienvenido sea el riesgo de un director que demuestra que para un plano sea impresionante no hace falta el dichoso 3D... Hace falta que refleje la belleza. Y Malick lo consigue más que nunca en esta película, aunque quizá la contemplación se coma en varios momentos al ritmo y la narrativa.
Como tantos otros hace años que el nombre de Soderbergh me produce somnolencia. Las 5 horas que me pasé persiguiendo por la selva a su aburridísimo Che no se perdonan fácilmente. Pues bien, resulta que ahora Soderbergh se ha lanzado a hacer una película apocalíptica sobre un virus mortal que amenaza a toda la Humanidad. Sí, ya sé que que les suena el argumento y que ya era lo que le faltaba a este director: hacer una sobre el Fin del Mundo.
Pero el trailer no está mal y en Venecia la han recibido con bastante aprecio. Además el casting es un auténtico lujo y ha sido nº1 en Estados Unidos desbancando a la sorpresa del verano. Aquí la podremos ver el 14 de octubre.
Es la gran apuesta de AMC para este curso a la espera de la llegada de la 5º temporada de Mad Men que en principio veremos en el primer semestre de 2012. Un serie de detectives distintos que investigan la desaparición de una joven. Hay lugares comunes, pero está bien rodado, no se regodea en el gore y tiene buenos personajes y diálogos. A mí me ha entretenido y creo que es una serie inteligente (lejos de otras más brillantes como Luther, pero con personalidad visual y un nivel interpretativo muy alto).
AMC acaba de confirmar que habrá segunda temporada, después del éxito (no apabullante, pero sí considerable) de los primeros trece capítulos.
Ha sido una de las grandes sorpresas de la taquilla norteamericana este verano. No hay monstruos, ni aliens, ni robots, ni superhéroes. Pero ha logrado 100 millones de dólares en Estados Unidos. Ya se la compara con The Blind Side (la película protagonizada por una mujer más taquillera de la historia del cine).
La crítica norteamericana la ha mirado con buenos ojos y el trailer pinta bien. Además Viola Davis ya es una de las grandes (a todo esto... ¿dónde está Whoopy?).
¿Quién lo diría? Pero los datos son así. En la lista de las 10 películas más taquilleras de todos los tiempos hay ni mas ni menos que 3 estrenos de este verano. Las últimas de Harry Potter, Transformers y Piratas se sitúan en el 3º, 7º y 8º lugar del top ten de las más taquilleras.
Cinematográficamente no son buenas noticias, sobre todo por Transformers 3 y Piratas 4, que son un verdadero desastre. Es una pena que películas así se puedan ponerse a la misma altura que obras maestras como El Retorno del Rey, El caballero óscuro o Toy Story 3. El tiempo encumbrará a unas y despreciará a otras, pero mientras tanto tendremos que seguir viendo como se estiran los chicles de sagas en profundo declive.
El director de El año en que vivimos peligrosamente, La costa de los mosquitos, Único testigo, El club de los poetas muertos, El show de Truman o Master and Commander, no tiene por qué demostrar nada a estas alturas. Sin embargo, el hecho es que se le pide tanto que se le perdona bien poco. Y hay decisiones discutibles en su última película: Camino a la libertad. Pero su cine sigue siendo mayúsculo, personal, atrevido...
Aunque le sobra metraje y le falta algo de emoción hay momentos gloriosos como el arranque y el final, el descubrimiento del oasis o la presentación del personaje de Collin Farrell. Una película que no merece el vacío informativo que ha recibido.
Tom McCarthy ha vuelto a dar en el clavo. Su cine sigue siendo cercano, bien escrito, esperanzador, magníficamente interpretado (algo que ya sucedia en The visitor). Me ha recordado a The Blind Side por el uso del deporte de una manera menos previsible que el de la típica película de superación individual. En fin, una película de esas que te deja un buen sabor de boca, con la sensación de que has visto fragmentos de vidas reales.
Soy demasiado ingenuo y lo reconozco... he visto El aprendiz de brujo. Confié en que el director de las dos entretenidas partes de La búsqueda me hiciese pasar un buen rato, pero nada más lejos de la realidad. Estamos ante una de las memeces infantiloides del año, no apta para mayores de 1o años. Uno acaba de luces de colores y truquitos hasta las narices. Además hay que sumar a Jay Bruchelintentando ser gracioso con diálogos preescolares y Nicolas Cage con su cara de llevo 10 años forrándome haciendo este tipo de basura ¿por qué la gente sigue viendo mis películas?
Aparece en una escena magistral de La lista de Schindler. Pocos tangos pueden decir como éste que te dejan muerto, pegado a la silla. John Williams estuvo muy hábil en su inclusión en la banda sonora de la película.
Después de Perdidos y regenerar Star Trek, J.J. Abrams vuelve a la carga este verano con una película cuyo trailer recuerda mucho al espíritu del inicial Spielberg (Encuentros en la tercera fase, E.T, Los goonies).
Ojalá que Abrams consigue recuperar al mejor Spielberg, el cine fantástico lo necesita para no tener que padecer más blocksbusters estilo Transformers 3 (decididamente Michael Bay no parece querer cambiar su titadine cinematográfico y el machismo playboy por un cine de entretenimiento medianamente inteligente).
Así acababa la primera temporada y así empieza la segunda. Con esa frase. En Inglaterra ya han podido ver los dos primeros capítulos (esta temporada no tendrá 6 sino 4), y la verdad es que la serie sigue sin defraudar. El segundo capítulo es mejor que el primero. Pero el mal sigue definiéndose en la conciencia de Luther.
Por poner algo que me haya llamado la atención de estos capítulos es el uso de la música (magistral en el último tercio de los dos capítulos con el uso hasta ahora inédito del violín) y el cambio de estructura narrativa. BBC sigue marcando goles por la escuadra a la HBO hasta en la promoción de sus productos.
Rodar una peli en la cuerda floja tiene mérito. Rodar así varias películas puede ser un suicidio cinematográfico. En los últimos años las películas de Isabel Coixet me han dejado muy frío, es como sí el ingenio y la sutileza de sus primeras películas hubiese pasado por un filtro de pedantería sensiblera. Elegy y sobre todo Mapa de sonidos de Tokio, me recordaban a la decadencia de las últimas películas de Garci.
Escribo esto no para negarles el pan y la sal a Garci y Coixet que me parecen dos auténticos genios en sus momentos dulces y dos muermos cuando caen en la autocomplacencia. Con Garci hace poco me reconcilié viendo Las verdes praderas y La herida luminosa. Isabel Coixet ha vuelto a ganarme con Mi vida sin mí, una película de esas que no se olvida fácilmente. Vives con ellas un tiempo. Y eso no es fácil encontrarlo... Lástima que a la película le falta un grado de profundidad para ser del todo coherente (me sorprende la relación con Mark Ruffalo y la absoluta falta de conciencia de culpa). Pero aún así la película está llena de diálogos y miradas enormes (lo de Leonor Watling es un prodigio de guión, interpretación y planificación visual).
Hace unos días pude disfrutar del documental ganador de un Oscar Inside Job, narrado por Matt Dammon. Esta reflexión sobre las causas de la actual crisis económica aguanta muy bien las casi dos horas de metraje que ya es mucho decir. Además consigue hacer bastante asequible un contenido farragoso. El montaje, el uso de la música, la infografía y los intertítulos hacen que sea un documental con personalidad, inteligente pero no pedante, quizá falto de algunos matices pero veraz y coherente en su exposición.
El director es Charles Ferguson que ya realizó en 2007 el documental No End in Sight sobre la intervención de la Administración Bush en la reciente guerra y posterior ocupación de Irak.
Pixar no tienen ya nada que demostrar. Son un antes y un después del cine de animación que marcará a las futuras generaciones. Sin embrago, hay una pequeña deuda que restañar. Hubo una vez que no estuvieron tan ingeniosos. La película se titulaba Cars y aunque es una buena película de animación no está a la altura de las otras obras maestras de Pixar.
Lejos de amilanarse y dejar en su filmografía una película "menor", Pixar pretende redimirla con la que esperan que sea una de las películas del verano.
Tengo que reconocer que esta campaña de promoción tiene talento. Un bomba de relojería con envoltorio de pastelería fina. Es la campaña que utilizaron en la 2º temporada de Física o Química después de la polémica originada por la primera en la cual había un suicidio adolescente, sexo entre profes y alumnos, drogas consumidas incluso por los educadores... En fin, una especia de Casa de la pradera al estilo Tierno Galván.
Queda una semana para que la serie acabe después de 3 años en los que ha pasado del 18 al 7% de audiencia. Y cómo no en los últimos capítulos no falta sexo y sangre con música melancólica de Péreza o El canto del loco. Todo vale para estirar un chicle adictivo para adolescentes que ahora sí saben que ellos son los reyes de la jungla y no tienen porque obedecer ninguna regla que no haya sido escrita por ellos mismos. Mientras tanto padres y educadores reconocen su estupidez carca arrodillándose ante la luz liberadora de la juventud messenger.
Por ahora sólo se puede ver en catalán por la TV3, pero espero que el resto de España pueda ver la nueva serie de Pau Freixas (director de la película Héroes).
Estas escenas recuerdan mucho a la película de Antonio Mercero: Planta 4º. Sin embargo estoy convencido que Freixas y su guionista habitual Albert Espinosa le habrán dado un toque personal. Hacen falta series españolas para todo tipo de públicos y esta es una firme candidata a convertirse en una de las series nacionales aconsejables.
La he visto docenas de veces. Y me sigue encantando esa voz inimitable y ese arte único de Marisol. Hasta acepto los diálogos más o menos ñoños. Es cine de infancia que tiene sus reglas que hay que saber cumplir.
Aunque me parecen mejores películas, Ha llegado un ángel, Búscame a es chica, Tómbola o Marisol rumbo a Río, ésta tiene el mérito de ser la primera. Marisol tenía sólo 12 años y ya llenaba la pantalla. El director es el gran especialista en éste género Luis Lucía, que también trabajó con otras niñas prodigio como mi añorada Rocío Dúrcal.
Hace poco he podido ver la última de James Wan, el director de Saw. Es una peli apañada sin vísceras ni motosierras y bastante ingenio. Se titula Insidious, se estrena la semana que viene en nuestro país, y lo llamativo es que ha costado millón y medio de dólares y ya lleva 90 ingresados.
Por el contrario hay dos comedias actuales de dos buenos directores (Ron Howard y James L. Brooks) cuyas presupuestos no dejan de sorprenderme. 70 millones de euros ha costado¡Qué dilema! (un despropósito protagonizado por Vince Vaughn), mientras que el último capricho del creador de Los Simpson y el cada vez más inaguantable Jack Nicholson (¿Cómo sabes si...?) ha costado 120 millones. Las dos pelis han sido un fracaso, estrepitoso si se tiene en cuenta que apenas han recuperado la mitad del presupuesto.
Quizá sea el momento de no contentarse con echarle toda la culpa a la piratería en Internet, las películas que "regalan" en los periódicos, lo poco que tarda el trasvase cine-televisión.... El hecho es que hay gente que demuestra que con poco dinero se pueden hacer productos rentables. Slumdog Millionaire, Gran Torino, El discurso del rey, etc...
Llevaba tiempo queriendo ver una película de la que había escuchado grandes elogios pero nunca conseguía sacar el tiempo necesario para ver la película y el posterior cineforum que hicieron en el programa de Garci (Cine en Blanco y negro).
No he quedado defraudado. Verdaderamente la película tiene un ritmo, un peso en la historia y los personajes que tienen pocas películas. Otto Preminger es uno de los grandes sin lugar a dudas, a pesar de ser como tantos otros (Nicholas Ray o Anthony Mann por ejemplo), infravalorados por gran parte de la crítica de su tiempo. Anatomía de un asesinato es una película perfecta, de donde sale casi todo el cine judicial (el bueno, claro) que vendrá después. Aconsejo ver la película y el coloquio posterior uno de estos fines de semana que nos esperan en que el fuego de las temperaturas invita a tirar de dvd y aire acondicionado.
Os dejo con los créditos de Saul Bass que son ya un verdadero prodigio.
Otra miniserie de la BBC que aúna calidad, ingenio y síntesis. 6 capítulos son suficientes para contar la historia de un policía que tiene que investigar entre la podredumbre humana más detestable. Aún así la serie no acude al gore y al sexo animal en primer plano... Se conforma con "dejar ver" detrás de diálogos inteligentes los límites a los que puede llegar la degeneración humana. Y la serie atrapa desde el primer minuto sin necesidad de forzar la trama una y otra vez y acabar el capítulo en el momento de mayor intensidad.
El protagonista Idris Elba (The Wire) y los créditos de la serie son memorables. El trailer de promoción de AXN no hace justicia a la serie: demasiado elemental y típico para un producto tan inteligente.
Con 75 años y después de unas cuantas películas insulsas y reiterativas (Vicky Cristina Barcelona, Conocerás al hombre de tus sueños), Woody Allen vuelve a regalar una obra deliciosa. "Un canto de amor a París" en palabras del cómico neoyorkino. Pero esta vez no es un collage de postales bonitas sino una historia bien trenzada, finalizada con esmero y magníficamente dirigida. Hasta Owen Wilson está bien en su papel de "americano en París". Lo de Marion Cotillard no tiene tanto mérito porque lleva años siendo la mejor de las películas en las que participa.
La película de Woody Allen además ha conseguido arrebatar el nº1 de la taquilla española a la entretenidísima Sin identidad (la primera peli dirigida por un español, Jaume Collet-Serra, en ser nº1 en USA). El trailer es muy bueno y no destripa el ingenioso argumento.
Sed buenos le decía E.T a Elliot antes de marcharse para siempre. Y películas como The Company Man son de las que sin ser obras maestras te ponen delante personajes de carne y hueso que te hacen pensar. Me gusta que haya directores que cuentan la historia de personas buenas. Ante tanto psicótico, alienígena y perturbado que puebla nuestras taquillas creo que es necesario que actores como Ben Affleck (cada vez mejor actor), Kevin Costner (cada vez más gordo pero aquí tienen un buen personaje), Tommy Lee Jones, Chris Cooper o María Bello hagan películas tan "humanas" como esta, con giros tan divertidos. Evidentemente Up in the air llegaba kilómetros más lejos. Pero es que lo de Up in the air era caso aparte.
En breve publicaré una crítica larga de The Pacific. Ya dije hace tiempo que los títulos de crédito son magníficos. Ahora me llama la atención que Antena 3 utilice para su promoción la banda sonora del trailer de Donde viven los monstruos (una película maravillosa sobre la infancia pero bastante incomprendida).
Hace tiempo hablé de Encontrarás dragones. No quiero dejar de ofrecer sobre esta película la respuesta de Joffe a la periodista de la Ser sobre si había investigado a fondo el "lado oscuro" del santo y su institución, y la crítica de Carlos Boyero sobre la película. Hablan por sí solas.
Escribiría algo sobre las películas que curiosamente ponen periódicamente en torno a la Semana Santa en televisión como Espartaco, que poco tienen que ver con Jesucristo, pero bueno... ¡cómo es histórica que más da! Otro recurrente era Barrabás con Anthony Quinn. Aunque bueno, está tenía algo más que ver.
Desde luego en mi opinión no se ha hecho nada tan contundentemente inspirado como La Pasión de Mel Gibson.
Si Andrei Rubliev fue el primero que se atrevió a pintar la Trinidad de una manera cercana y amable, Gibson fue el primero en hacer una escena natural en que Jesús y María, bromean, se abrazan como una Madre y un Hijo que se quieren y son felices de estar juntos. Quizás no sea la escena más famosa, pero en mi opinión es la más revolucionaria.
El resto es tumbativo, de esas películas que te dan la vuelta. Y no lo digo por la hemoglobina, que de eso hay mucho en otros géneros habitualmente detestables. La música de John Debney... ¿inmejorable? Suena a poco.
Por cierto que ya sé que alguno dirá que a Gibson había que colgarle por sus últimas hazañas ¿Son los mismos que dan premios a Polanski sin ningún rubor?
Ya es noticia que el palmarés de un Festival no premie el más hermético, el más desconcertante... La cosecha de Málaga 2011 ha sido buena y Cinco metros cuadrados representa un cine español muy bien dirigido y escrito.
El Premio del público fue para la sanamente divertida Amigos. Lógica decisión, ninguna logró tantas carcajadas. También me alegra los premios que se ha llevado la original Crebinsky y la divertida ¿Para qué sirve un oso? Que siga la buena racha del cine español.... Os dejo con una entrevista que hice en Málaga hace unos días a Max Lemcke, director de Cinco metros cuadrados.
Antes que nada Max felicidades por la peli, la mejor que hemos visto hasta ahora en el Festival. El humor funciona muy bien en tus pelis. No te veo haciendo Torrente pero... ¿y una comedia?
Creo que cada uno debe hacer lo que mejor le sale. A Santiago le sale muy bien este tipo de humor, y a mi el mío. Así que creo que debemos trabajar en lo que nos haga más felices y sepamos hacer mejor.
Tus películas increpan al espectador. ¿Crees que el público está adocenado y, necesita, de vez en cuando descargas eléctricas? Diciéndolo de otra manera ¿crees que la reacción de los amigos de Fernando Tejero (quitarse de en medio cuando el barco se hunde) es algo sociológicamente mayoritario?
El público creo que le gusta ver cosas muy distintas y creo que hay un público para todos los cines posibles. En cuanto a la segunda pregunta me parece un poco lógica la reacción de los personajes porque es muy humano ser algo egoísta y pensar en uno mismo cuando los problemas arrecian. Creo que se comportan con una cierta lógica.
Has hablado de Azcona y Berlanga como referentes. ¿Hay alguno más que te haya influido de los cineastas más actuales?
Me gustan mucho otros, españoles Alberto Rodriguez, Marc Recha, Villaronga. Haneke, Mann, Paul T. Anderson....no sé hay muchos. Ahora tendría que ponerme a buscar...
Se habla mucho del cine y la crisis, y cada vez son más películas las que demuestran que con poco dinero se pueden hacer grandes películas como La red social, El discurso del Rey, Once. ¿Cuál es tu opinión?
Bueno estas películas que pones como ejemplo tienen un presupuesto bastante holgado, sobre todo las dos primeras. En relación siempre a una película como las mías. Creo que a mejor presupuesto mejor posibilidades de trabajar bien, pero que hay grandes ideas que se pueden hacer con poco dinero.
¿El principio y final de la película son voluntariamente similares? ¿Los magníficos planos aéreos iniciales de la peli son de Benidorm?
Son así porque se pensaron a la vez, y se rodaron el mismo día. Surgieron de una manera natural y muy expontanea. Sí, es Benidorm...es un sitio maravilloso y a la vez terrible...
Pregunta difícil que espera una respuesta sincera y molesta (como tu peli). ¿Crees que al cine español le viene bien que sus películas más taquilleras sean 3 metros sobre el cielo y la saga Torrente?
Al cine español lo que le vendría bien es que hablasemos menos del cine español. Y fueramos más a verlo. Hay un prejuicio canalla y falso. Un ciudadano que no está orgulloso de su cultura no es un ciudadano libre. Es un ciudadano cautivo.
¿Cuál es tu próximo proyecto?
Un guión coescrito con Fernando Navarro o una obra de teatro con Fernando Tejero como protagonista.
Si ayer fue el día de cine en catalán, hoy Doentes (Enfermos) ha representado al gallego con una película que cuenta una noche oscura de la libertad. Ambientada en los años 50 en Santiago de Compostela la película parte de un hecho real: la transformación de un hospital en hotel de lujo. Son órdenes de Franco y la mayoría de los enfermos son enviados a la calle. Entre ellos un cura pícaro y un tísico comunista que vagabundean por la noche gallega a la espera de la llegada del Generalísimo.
Santiago Balza, venezolano licenciado en Cuba y que desde 2001 vive y realiza trabajos para televisión en Galicia, pone todos los tópicos de la postguerra en la pantalla. Monjas maléficas, falangistas asesinos que blasfeman y sólo quieren matar a los “buenos”, ideólogos de izquierda que desprenden sentido común, paz, amor y comprensión…. ¿Les resulta familiar? Todo muy extremo y atrincherado con una ganas locas de acercarse al esperpento de Valle-Inclán y Luces de Bohemia, sin conseguir más que una cinta cuyo principal mérito, al parecer, es que ha sido rodada en gallego.
Mucho más sorprendente ha sido la película de Borja Manso y Marcos Cabotá: Amigos. Una comedia que podía resultar redundante y de sal gruesa, logra divertir con ingenio y talento. Todo gira en torno a una apuesta millonaria en la que gana el participante que consiga salir en televisión y lograr una mayor audiencia. Diego Martín, Ernesto Alterio y Goya Toledo aprovechan un guión de buen ritmo y un tono habitualmente elegante para hacer reír al espectador y ya de paso lanzar una crítica más al “todo vale” televisivo. En este sentido resulta todo un acierto la selección de Manuela Velasco (la chillona y exagerada chica de REC), como reportera hiperactiva e hipócrita.
La película ha sido aplaudida y premiada con carcajadas. Esperemos que el cine español siga abandonando los terrenos de la comedia tonta (no olvidemos que está a punto de aterrizar en nuestros cine Fuga de cerebros 2, y se instale en el ingenio elegante de películas como esta prometedora opera prima.
Ramón Térmens es el protagonista del día en Málaga con la presentación de su tercera película Catalunya uber alles!, la única que hoy representaba a la Sección Oficial. Con tan sólo 36 años Térmens, licenciado en Filosofía por la Universidad de Barcelona, ha dirigido una película que hace pensar.
Con un guión muy sólido que intercala tres historias personales relacionadas con la inmigración en Cataluña, la película te lleva por los rincones más oscuros de la sociedad catalana. “Es la sociedad que conozco y creo que lo que reflejo es real aunque no sólo sucede en Cataluña. Pero me gustaría que este desagradable retrato lleve a hacerse preguntas. A mí mismo me increpa como catalán”. Térmens reconocía así que la película tiene una clara intención de golpear al espectador. “Desde el título que recuerda a los utilizados por los alemanes en la etapa nazi, no pretendo dejar a nadie indiferente”.
El protagonista de la película, un magnífico Joel Joan, reconocía que esta intención didáctica era lo que más le atrajo del guión. “Me encanta la valentía de Ramón porque es un director que se atreve a contar cosas, a pesar de que esto pueda molestar a alguien”. Hay que reconocer al director catalán que pese a su juventud sabe dirigir a los actores y controlar el tempo de la película. Además planifica visualmente con acierto, dejando que el espectador se involucre. El problema es que la evolución de los personajes resulta esporádicamente excesiva, algo que ya le sucedía en el guión que escribió para la película Trash. Una vez más las explosiones de sexo y violencia resultan, además de grandilocuentes, desconcertantes. Y esto daña un mensaje que acaba siendo poco sutil y simplista en su crítica de la intolerancia.
El resto de la jornada esta marcada por las dos sesiones en versión original de Héroes, película muy aplaudida en el Festival del año pasado (Premio del Público). Desgraciadamente la película no funcionó como merecía en la taquilla, y esto hace muy necesario el volver a hablar de esta deliciosa cinta del también catalán Pau Freixas.
Casual Day no fue un acierto de primerizo. La película que hace tres años arrasó en los premios del Círculo de Escritores Cinematográficos no dejó indiferente a nadie. Cinco metros cuadrados es la película que Max Lemcke acaba de presentar en el Festival de Cine Español de Málaga.
“¿Qué es lo que hace falta para ser feliz?”. Así comienza esta película que trata sobre la corrupción urbanística mirada desde el punto de vista de los sufridores “sin casa”. Fernando Tejero y Malena Alterio interpretan a una pareja que en medio de la crisis se embarca en la compra de una casa en construcción con vistas al mar. Sin embargo, lo que parecía un sueño echo realidad se convierte en un infierno. “El protagonista de la película es un héroe anónimo -dijo Lemcke- un hombre que quiere tener una casa, un hogar… y sobre todo pretende recuperar la dignidad perdida por culpa de los poderosos”.
Puede sonar simplista, pero la película es una de las más inteligentemente matizadas que hemos podido ver en el cine español en los últimos años. Con un sentido irónico tumbativo Cinco metros cuadrados es pura nitroglicerina a punto de estallar. Es muy fácil simpatizar con unos personajes tan maltratados por una burbuja que no deja de crecer.
Así comienza la película, con unas imponentes imágenes aéreas en las que Alicante parece Chicago, con unos rascacielos que no permiten ver el mar. Es difícil imaginar un escenario más acertado para este retrato de la crueldad inhumana en la que se convierte con frecuencia el crecimiento urbanístico descerebrado e inmoral. “La película no está basada en hechos reales, pero todos conocemos este tipo de hechos por los medios de comunicación” concluyó el director.
El año pasado dejó muy buen sabor de boca con películas como Héroes o Bon appetit. Este año Isaki Lacuesta, Max Lemcke(Casual Day) o Borja Mansoson algunos de los posibles protagonistas del Festival de Cine Español de Málaga que comienza en unas horas. En este blog os iré informando del día a día de este Festival soleado cada vez más importante en España.
Nos ha dejado La gata sobre el tejado del zinc. Liz Taylor tenía 24 años cuando rodó esa maravillosa película, ya se había casado tres veces y sólo Paul Newman podía competir con su mirada. La diferencia es que Liz no aguantó el paso del tiempo como Newman, que llegó hasta el final rodando series (Empire Falls), poniendo voz a coches (Cars) o participando en una de las últimas obras maestras del cine negro (Camino a la perdición). Tampoco le hizo falta. Liz Taylor siempre será una de las más grandes de un Hollywood reconoció su talento con 3 Oscar y 5 Globos de Oro.
