Prsioners, Enemy, Sicario. A Denis Villeneuve se le quiere en el Festival de Cine de San Sebastian. Y hay motivo. Antes de rodar la peligrosa secuela de Blade Runner, el director canadiense experimenta con la Ciencia-Ficción en La llegada que clausurará Zinemaldia el próximo 24 de septiembre.
El trailer no me ha acabado de emocionar, pero también reconozco que después de ver películas como Interstellar, Marte o Gravity o series como Stranger Things no es fácil sorprender con un argumento de este tipo.
"El Niño": Daniel Monzón sigue buscando
Celda 211 hizo que el cine español se animase en 2009 y todavía llegan los ecos de esa confianza en nuestra propia industria. El Niño era una película muy complicada para Daniel Monzón que lo había ganado todo en muy poco tiempo. Sin embargo, El Niño no es una repetición del mismo esquema, es un trabajo que busca la matrícula sin concesiones. Y para sacar esa nota no hay que competir sólo con el cine español; hay que saltar la tapia, la frontera y conquistar el Mundo Nuevo.Y esta película lo logra.
El Niño es una de las mejores películas de acción policíaca de los últimos años por sus vibrantes persecuciones, los detallados personajes y un guion que tiene ritmo, coherencia y verdad. Una trama principal que tiene tanto interés narrativo y dramático como las secundarias, bordadas por un casting imponente: Barbara Lennie, Eduard Fernández, Luis Tossar, Sergi López... Todo esto hace que El Niño me recuerda a las películas policíacas de Ben Affleck, el mejor director norteamericano en ese género actualmente.
El Niño es una de las mejores películas de acción policíaca de los últimos años por sus vibrantes persecuciones, los detallados personajes y un guion que tiene ritmo, coherencia y verdad. Una trama principal que tiene tanto interés narrativo y dramático como las secundarias, bordadas por un casting imponente: Barbara Lennie, Eduard Fernández, Luis Tossar, Sergi López... Todo esto hace que El Niño me recuerda a las películas policíacas de Ben Affleck, el mejor director norteamericano en ese género actualmente.
"El Método" para gobernarlos a todos
Quienes hayáis jugado alguna vez a "lobos" ya sabéis de qué va esta película. Una trama en la que un grupo de candidatos compite por un puesto importante de directivo en una multinacional. Y no piensan hacer prisioneros: Ganas o mueres.
Basada en una obra de teatro de un solo acto de Jordi Garcelán, la versión cinematográfica del argentino Marcelo Piñeyro es sencillamente soberbia. Sólo cabe reprocharle la primariedad de un par de escenas sórdidas que están en fuera de juego del resto de la peli.
El resto es un despliegue de hábil planificación, diálogos afilados y miradas asesinas, una sala de decoración gélida y un repartazo que está desbordante. La insoportable secretaria interpretada por Natalia Verbeke, el John Wayne de la sala (Eduard Fernández), la mujer madura que parecía segura, la joven que se creía invulnerable, el chico pijo que ha hecho un Master... Y Ernesto Alterio; qué actorazo en comedia, drama o Ciencia-Ficción. Una película de máxima intensidad dramática que te deja muy tocado pensando lo hijo de puta que puede llega a ser una persona cuando compite sin escrúpulos por la misma pieza de fruta.
Calificación: 8´5
Basada en una obra de teatro de un solo acto de Jordi Garcelán, la versión cinematográfica del argentino Marcelo Piñeyro es sencillamente soberbia. Sólo cabe reprocharle la primariedad de un par de escenas sórdidas que están en fuera de juego del resto de la peli.
El resto es un despliegue de hábil planificación, diálogos afilados y miradas asesinas, una sala de decoración gélida y un repartazo que está desbordante. La insoportable secretaria interpretada por Natalia Verbeke, el John Wayne de la sala (Eduard Fernández), la mujer madura que parecía segura, la joven que se creía invulnerable, el chico pijo que ha hecho un Master... Y Ernesto Alterio; qué actorazo en comedia, drama o Ciencia-Ficción. Una película de máxima intensidad dramática que te deja muy tocado pensando lo hijo de puta que puede llega a ser una persona cuando compite sin escrúpulos por la misma pieza de fruta.
Calificación: 8´5
"La soledad" era esto
Películas como La soledad hay más de las que parece. Películas arriesgadas y diferentes que suelen encandilar en los festivales mientras el público no le presta atención. Así sucedió con esta joya tan valiosa. Obtuvo grandes premios; como los 3 Goyas a mejor película, director y actor revelación en 2007. Pero principalmente logró un tropa de seguidores que no tienen miedo a la pausa en el cine.
La soledad es una película llena de detalles líricos y muy significativos que es bueno dejar reposar y volver a ver después de un tiempo. Es lo que tiene el buen cine; con cada visionado sales de esa mina del tesoro con brillantes distintos que en una primera ojeada es muy difícil percibir.
Calificación: 8
La soledad es una película llena de detalles líricos y muy significativos que es bueno dejar reposar y volver a ver después de un tiempo. Es lo que tiene el buen cine; con cada visionado sales de esa mina del tesoro con brillantes distintos que en una primera ojeada es muy difícil percibir.
Calificación: 8
"La calumnia": un clásico demoledor
Dirigida por William Wyler y protagonizada por Audrey Hepburn y Shirley MacLaine, La calumnia es un clásico demoledor. La película es de 1961 pero tiene la calidad intemporal que hace que desde el primer momento te haga creer en cada fotograma y en cada diálogo. Fue nominada a 3 Globos de Oro, 5 Oscar... Pero no ganó nada y quedó enterrada en ese cementerio del olvido en el que descansan tantas obras maestras.
La historia que cuenta esta película es el argumento más antiguo del mundo: la mentira y sus consecuencias, el pecado que asesina inmediatamente y por la espalda. Hay títulos actuales como La caza o La duda que han tocado este tema con mucho arte, pero me quedo con La calumnia.
La dramaturga y guionista Lilian Hellman es una de las grandes responsables de que esta película sea tan moderna y certera, tan cruel y poliédrica. Pero el trabajo de William Wyler es prodigioso en planificación y dirección de actores. El retrato de niña maligna que compone la joven Karen Balkin entraría en la galería de perversas sin remedio de la Historia del Cine.
Y luego están ellas dos... Tan diferentes en su modo de interpretar pero empatadas en talento. Sus personajes cobran vida y conmueven, absorben a todos los demás y hacen cómplice al espectador. Una película soberbia. Un clásico imprescindible.
Calificación: 8,5
La historia que cuenta esta película es el argumento más antiguo del mundo: la mentira y sus consecuencias, el pecado que asesina inmediatamente y por la espalda. Hay títulos actuales como La caza o La duda que han tocado este tema con mucho arte, pero me quedo con La calumnia.
La dramaturga y guionista Lilian Hellman es una de las grandes responsables de que esta película sea tan moderna y certera, tan cruel y poliédrica. Pero el trabajo de William Wyler es prodigioso en planificación y dirección de actores. El retrato de niña maligna que compone la joven Karen Balkin entraría en la galería de perversas sin remedio de la Historia del Cine.
Y luego están ellas dos... Tan diferentes en su modo de interpretar pero empatadas en talento. Sus personajes cobran vida y conmueven, absorben a todos los demás y hacen cómplice al espectador. Una película soberbia. Un clásico imprescindible.
Calificación: 8,5
"J.F.K, caso abierto": El mejor Oliver Stone
Kevin Costner vivía su mejor momento en 1991 cuando interpretó al famoso fiscal Jim Garrison que investigó el asesinato de Kennedy. La película es de lo mejor de Oliver Stone, con un reparto pletórico de actores impagables: Tommy Lee Jones, Gary Oldman, Joe Pesci, Kevin Bacon, Donald Sutherland, Jack Lemmon, Sissy Spacek, Walter Matthau, Vincent D'Onofrio, Lolita Davidovich.
La música de John Williams es caso aparte. Quizás Oliver Stone es, después de Steven Spielberg, el director con el que ha logrado sus mejores bandas sonoras: también compuso para él la fantástca música de Nacido el 4 de julio.
Se habló mucho del guión de Oliver Stone y Zachary Schlar, lleno de preguntas sin respuesta, de complots y conspiraciones. 190 minutos de dudas e investigaciones abiertas que a mí me siguen resultando fascinantes.
La película fue nominada a 8 Oscar y ganó 2 más que justificados: la fotografía del maestro Robert Richardson y el montaje de Joe Hutshingh y Pietro Scalia.
Calificación: 8,5
Se habló mucho del guión de Oliver Stone y Zachary Schlar, lleno de preguntas sin respuesta, de complots y conspiraciones. 190 minutos de dudas e investigaciones abiertas que a mí me siguen resultando fascinantes.
La película fue nominada a 8 Oscar y ganó 2 más que justificados: la fotografía del maestro Robert Richardson y el montaje de Joe Hutshingh y Pietro Scalia.
Calificación: 8,5
Una guitarra para todos
Me encanta esta ingeniosa versión de la canción de Gotye. La coordinación es brillante y el videoclip en un solo plano no tiene desperdicio. Sé que últimamente hablo mucho de música; nada como tener cerca a un buen "jedi" musical.
"Inferno"; Pena, penita, pena
Un director solvente como Ron Howard. Un actorazo como Tom Hanks. Un guionista de la categoría de David Koepp. Y un compositor gigante en sus mejores momentos como Hans Zimmer. Todos ellos se reúnen en una película que ya sabemos cómo va a ser porque ya conocemos a Dan Brown y hemos padecido El Código Da Vinci y Ángeles y demonios.
Ganaran mucho dinero. Tampoco tanto como en otras ocasiones, pero aún así será más de lo que merecen por hace cine caro y malo, idiota y efectista. Una pena.
Ganaran mucho dinero. Tampoco tanto como en otras ocasiones, pero aún así será más de lo que merecen por hace cine caro y malo, idiota y efectista. Una pena.
Lukas Graham: "7 years"
Esta canción de la banda de pop-soul danesa es uno de los grandes éxitos musicales de este año. El montaje del videoclip es sencillo y no muy original, pero la voz y la letra son maravillosas. Muy en la línea de Let her go de Passenger o de los últimos éxitos de Ed Sheeran.
Probablemente no tardemos en escucharla pronto en alguna banda sonora.
Probablemente no tardemos en escucharla pronto en alguna banda sonora.
"El orfanato": un arranque poderoso
En su primera película, Juan Antonio Bayona hizo una demostración de que el cine español tiene un gran futuro con directores y actores muy jóvenes. No es nada fácil hacer una película de terror en nuestro país sin soltar kilos y kilos de carne picada, acudiendo más al miedo interior psicológico y además ser lo suficientemente original para no acercarse demasiado a un título tan atrayente como Los otros de Alejandro Amenábar. Y El orfanato logra aprobar con nota cada uno de esos exámenes con el mérito de que en la producción estaba Guillermo del Toro, un sobrevalorado cineasta que más que hacer crecer todo lo que toca suele perjudicar todo lo que produce y dirige.
Belen Rueda está en su mejor momento y el pequeño Roger Princep consigue que la película resulte inquietante desde el primer plano. El orfanato ganó 7 Goyas y mucho dinero. La historia de Juan Antonio Bayona como uno de los cineastas más intuitivos e internacionales acababa de empezar.
Sólo le echo en cara a la película un final efectista que da un tono de cuento de hadas muy socorrido pero bastante tramposo.
Clasificación: 8
Belen Rueda está en su mejor momento y el pequeño Roger Princep consigue que la película resulte inquietante desde el primer plano. El orfanato ganó 7 Goyas y mucho dinero. La historia de Juan Antonio Bayona como uno de los cineastas más intuitivos e internacionales acababa de empezar.
Sólo le echo en cara a la película un final efectista que da un tono de cuento de hadas muy socorrido pero bastante tramposo.
Clasificación: 8
El baile de Greta Gerwig y Spike Jonze
El matrimonio Butler compone uno de los grupos de musica indie rock más atractivos del momento. Estos canadienses acudieron a dos grandes revelaciones del cine del siglo XXI para dar vida a su música en un videoclip presentado en el You Tube Music Award de hace unos años.
Ella es Greta Gerwig, musa del gran Noah Baumbach en películas como Francesc Ha y Mistress America. Él es Spike Jonze, el director creativo e irregular de películas como Dónde viven los monstruos, Her o Anomalisa. El resultado es brillante y muy original.
Ella es Greta Gerwig, musa del gran Noah Baumbach en películas como Francesc Ha y Mistress America. Él es Spike Jonze, el director creativo e irregular de películas como Dónde viven los monstruos, Her o Anomalisa. El resultado es brillante y muy original.
"Florence Foster Jenkins"; Meryl, hazme reír
Hace demasiadas películas que no me entusiasmo con Meryl Streep. Y más aún que no me río con ella. En el próximo Festival de San Sebastian estrena su última película dirigida por Stephen Frears, un gran director en un momento incierto. Todo apunta a que será un divertimento elegante y efectivo, muy necesario en medio de un Festival de Cine.
El cuarteto dorado de Gracia Querejeta
Llevo años esperando que vuelva la Gracia Querejeta que me deslumbró con Héctor y Siete mesas de billar francés. Incluso me conformo con la calidad de otras dos películas, que aunque están un peldaño por debajo, son títulos grandes de nuestro cine: El último viaje de Robert Rylands y Cuando vuelvas a mi lado.
En su cine había mucho arte en el guión, la interpretación, las dobles lecturas de cada una de las tramas. Pero ahora todo lo que cuenta me resulta artificial, sentimentaloide y muy banal. En 15 años y un día, y en Felices 140 están sus temas de siempre, pero tratados de manera simplista. Aún le queda mucho por hacer. Seguro. Es una de las grandes directoras del cine español.
En su cine había mucho arte en el guión, la interpretación, las dobles lecturas de cada una de las tramas. Pero ahora todo lo que cuenta me resulta artificial, sentimentaloide y muy banal. En 15 años y un día, y en Felices 140 están sus temas de siempre, pero tratados de manera simplista. Aún le queda mucho por hacer. Seguro. Es una de las grandes directoras del cine español.
"Volver": Don Pedro de la Mancha
Quienes tenemos familia manchega entendemos esta película de Almodóvar de una manera especial. Con un toque de magia y fantasía, la historia de es mujer joven que quiere recuperar sus raíces después de una experiencia traumática tiene humor, grandes personajes y un elenco de actrices insuperable.
También están los temas de siempre de Almodóvar, que personalmente me agotan un poco por su insistencia y obsesividad enfermiza, pero en esta película hay más alma, más humanidad y menos collage. Y cuando Almodóvar controla que la estética no se lleve por delante toda la credibilidad y profundidad de sus personajes, no sólo emite sino que transmite.
Penélope Cruz y Carmen Maura son dos de las principales musas del manchego y las dos dan a sus personaje una sinceridad salvaje y emotiva que hacen que la película resulte creíble a pesar de moverse habitualmente en diálogos y situaciones extravagantes y exageradas.
Volver además cuenta con la presencia de Blanca Portillo y Antonio de la Torre, en uno de sus primeros trabajos reconocidos en cine, una estupenda Lola Dueñas y la sempiterna Chus Lampreave. Y esa canción de Gardel que da con el tono del drama castizo y pasional que necesitaba la película.
Calificación: 8´5
También están los temas de siempre de Almodóvar, que personalmente me agotan un poco por su insistencia y obsesividad enfermiza, pero en esta película hay más alma, más humanidad y menos collage. Y cuando Almodóvar controla que la estética no se lleve por delante toda la credibilidad y profundidad de sus personajes, no sólo emite sino que transmite.
Penélope Cruz y Carmen Maura son dos de las principales musas del manchego y las dos dan a sus personaje una sinceridad salvaje y emotiva que hacen que la película resulte creíble a pesar de moverse habitualmente en diálogos y situaciones extravagantes y exageradas.
Volver además cuenta con la presencia de Blanca Portillo y Antonio de la Torre, en uno de sus primeros trabajos reconocidos en cine, una estupenda Lola Dueñas y la sempiterna Chus Lampreave. Y esa canción de Gardel que da con el tono del drama castizo y pasional que necesitaba la película.
Calificación: 8´5
"321 días en Michigan": Sin rutina en la cárcel
Desde la elección del título, 321 días en Michigan está llena de aciertos y sorpresas. Nada es lo que parece en los primeros minutos de la película. Ni Antonio va a hacer un Master empresarial a Michigan de un año de duración, ni las fotos que va colgar en su blog serán verdaderas. Pero eso es lo que creen sus amigos que van a despedirle al aeropuerto. En realidad Antonio ha sido condenado por un delito financiero y tendrá que pasar un año en una cárcel malagueña, a pocos kilómetros de su casa lujosa y su guapísima mujer. Al entrar en la cárcel Antonio ya no es la envidia del barrio, sino “El Pijo”, un joven aseado que tendrá que aprender a ser un preso como los demás.
Esta película de un género tan trillado como el carcelario sorprende por su humanidad, por las diversidad de personajes que se enfrentan de diferentes maneras a la falta de libertad. El andaluz que hablan la mayor parte de ellos da lugar a algunos momentos divertidos y otros entrañables que oxigenan unas vidas marcadas para siempre por un delito. Para lograr esta veracidad el director y coguionista de la película Enrique García dedica más tiempo a la psicología de los personajes que a lo clásicos trapicheos y rebeliones dentro de la cárcel.
Quizás al protagonista le falta, en la interpretación y en sus diálogos, algo más de vulnerabilidad y cercanía con el espectador, pero el resto de personajes están muy bien retratados. El grupo de mujeres coraje es maravilloso, justamente premiado en el último Festival de Málaga. La solidaridad entre ellas es muy espontánea y los diálogos no tienen desperdicio. Destaca especialmente el trabajo inmenso de al primeriza Virginia De Morata que compone un personaje perfecto en el que hay ternura, carácter y pillería. Es una lástima que su relación con el protagonista no esté bien desarrollada: tienen algunas escenas iniciales acertadas pero en seguida se cae la aceleración narrativa y el sexo de anuncio de desodorante (algo parecido a lo que sucedía en los rutinarios flash-back de Celda 211).
El cuidado de las tramas secundarias es lo que hace de esta opera prima una película imponente y madura. El delincuente que bajo la apariencia de salvaje esconde una hombre que sueña con ser un buen padre, la chica de discoteca acostumbrada al éxito que tendrá mucho que aprender de mujeres aparentemente fracasadas, el drogadicto que siempre tiene un chiste fácil hasta el día en que ve la muerte cara a cara. La cámara consigue hacerse invisible para que el espectador observe una historia matizada y creíble, que no necesita de tramas trepidantes y estiradas para conectar con el público.
Uno de los compositores españoles de mayor repercusión internacional, Fernando Velázquez (Lope, Los ojos de Julia, Mamá, Lo imposible), se interesó por esta película malagueña al ver Tr3s razones, el cortometraje de Enrique García en el que estaba basada la historia original. Su participación en la película es decisiva, una ayuda inestimable para lograr la emoción necesaria de una historia que se cuenta más con miradas y gestos que con palabras. Es una música minimalista sugerente que sabe aparecer y desaparecer en el momento apropiado, coherente con una película que está perfectamente medida en el timing de las escenas y el ajustado metraje final. La utilización de varias canciones del flamenco más sentido tienen una razón de ser muy clara; favorecer los procesos reducidos y trazar con más exactitud el drama de los personajes.
Si el principio es fascinante, de película de misterio, el plano final y la canción Qué mas da compuesta por Fernando Velázquez y cantada por una de las más grandes Pasión Vega, es una ejemplar manera de terminar la historia.
Esta película de un género tan trillado como el carcelario sorprende por su humanidad, por las diversidad de personajes que se enfrentan de diferentes maneras a la falta de libertad. El andaluz que hablan la mayor parte de ellos da lugar a algunos momentos divertidos y otros entrañables que oxigenan unas vidas marcadas para siempre por un delito. Para lograr esta veracidad el director y coguionista de la película Enrique García dedica más tiempo a la psicología de los personajes que a lo clásicos trapicheos y rebeliones dentro de la cárcel.
Quizás al protagonista le falta, en la interpretación y en sus diálogos, algo más de vulnerabilidad y cercanía con el espectador, pero el resto de personajes están muy bien retratados. El grupo de mujeres coraje es maravilloso, justamente premiado en el último Festival de Málaga. La solidaridad entre ellas es muy espontánea y los diálogos no tienen desperdicio. Destaca especialmente el trabajo inmenso de al primeriza Virginia De Morata que compone un personaje perfecto en el que hay ternura, carácter y pillería. Es una lástima que su relación con el protagonista no esté bien desarrollada: tienen algunas escenas iniciales acertadas pero en seguida se cae la aceleración narrativa y el sexo de anuncio de desodorante (algo parecido a lo que sucedía en los rutinarios flash-back de Celda 211).
El cuidado de las tramas secundarias es lo que hace de esta opera prima una película imponente y madura. El delincuente que bajo la apariencia de salvaje esconde una hombre que sueña con ser un buen padre, la chica de discoteca acostumbrada al éxito que tendrá mucho que aprender de mujeres aparentemente fracasadas, el drogadicto que siempre tiene un chiste fácil hasta el día en que ve la muerte cara a cara. La cámara consigue hacerse invisible para que el espectador observe una historia matizada y creíble, que no necesita de tramas trepidantes y estiradas para conectar con el público.
Uno de los compositores españoles de mayor repercusión internacional, Fernando Velázquez (Lope, Los ojos de Julia, Mamá, Lo imposible), se interesó por esta película malagueña al ver Tr3s razones, el cortometraje de Enrique García en el que estaba basada la historia original. Su participación en la película es decisiva, una ayuda inestimable para lograr la emoción necesaria de una historia que se cuenta más con miradas y gestos que con palabras. Es una música minimalista sugerente que sabe aparecer y desaparecer en el momento apropiado, coherente con una película que está perfectamente medida en el timing de las escenas y el ajustado metraje final. La utilización de varias canciones del flamenco más sentido tienen una razón de ser muy clara; favorecer los procesos reducidos y trazar con más exactitud el drama de los personajes.
Si el principio es fascinante, de película de misterio, el plano final y la canción Qué mas da compuesta por Fernando Velázquez y cantada por una de las más grandes Pasión Vega, es una ejemplar manera de terminar la historia.
Calificación: 8
"La vida secreta de las palabras": Coixet en la cima
Isabel Coixet es desde
hace años una referencia en el cine español. El hueco ya lo tenía hecho con
obras como Cosas que nunca te dije o Mi vida sin mí, pero con La vida secreta de las palabras ha dado
un paso más en la rendición de la crítica y también de la Academia que le concedió
en 2006 cuatro premios Goya (incluidos mejor película y dirección).
La historia no tiene desperdicio y
Coixet se maneja como pocos en las
entretelas del sufrimiento omnipresente en cada uno de sus argumentos. Y por si
fuera poco, aquí también se atreve a alumbrar, abrir una puerta a la esperanza
cinematográfica con un final nada fácil y que a más de un crítico se le habrá
estragado. Ellos se lo pierden.
La edición extra de en dvd de la película tiene numerosos
extras entre los que destaca el largo reportaje Viaje al corazón de la tortura. En este documento
demoledor sobre la práctica de la tortura en el mundo, realizado con el
apoyo del
Centro Internacional de Rehabilitación de Víctimas de la Tortura , Coixet repasa historias tan reales como
increíbles.
Es de agradecer que la directora catalana no pierda la elegancia y
opte por un lenguaje audiovisual basado en pequeños detalles: una mirada, un
gesto, un movimiento de manos, etc., cuando el recurso a la recreación
efectista hubiese sido tan sencillo de utilizar en este tipo de testimonios. El
problema es que la temática es la que es, y una hora de narraciones personales
sobre torturas reales es muy difícil de digerir. Y más en Navidad, que es
cuando sacan esta edición de coleccionista. Con todo, está claro que si el
espectador aguanta el documental es tan necesario como conmovedor.
Del resto de extras destacan las
escenas eliminadas de la película. No es nada original el incluirlas, pero sí
lo es el interés de estas escenas que ayudan a comprender mejor a los
personajes secundarios de la película. De ahí los comentarios de Coixet, verdaderamente contrariada por
que tener que suprimir estas secuencias que, desde luego, no parecen
accesorias.
Calificación: 9
"100 metros": Dani ¡qué miedo me das!
Dani Rovira estaba muy simpático en 8 apellidos vascos, pero en 8 apellidos catalanes no lograba levantar un guión fallido. Y hace unos meses pude ver El futuro ya no es lo que era, un verdadero desastre de película que no sé cómo se pudo colar en un olvidable Festival de Málaga.
Su próxima película me da verdadero pánico. Ojalá sea una obra de arte de trazo fino, con personalidad visual y narrativa, humor inteligente y sentimientos delicados. Pero lo que se ve en el trailer es para temerse lo peor.
Su próxima película me da verdadero pánico. Ojalá sea una obra de arte de trazo fino, con personalidad visual y narrativa, humor inteligente y sentimientos delicados. Pero lo que se ve en el trailer es para temerse lo peor.
Una película que ya he visto y otras que me gustaría ver
Ellos le hacen daño a su hija. Y él hará mucho más daño a los que intentar hacerle daño a su hija. Es la última película que protagoniza Mel Gibson con el director muy poco entusiasmante de Asalto al distrito 13 o Una semana en Córcega.
El título lo dice todo: Padre sangriento traducido en versión latina. Mel Gibson es una fuerza de la naturaleza y sabe hacer estas películas con los ojos cerrados, pero echo tanto de menos al director de esos 4 prodigios: El hombre sin rostro, Braveheart, La Pasión y Apocalypto. No hay nadie como él en Hollywood y aún tiene años por delante. Espero que vuelva.
El título lo dice todo: Padre sangriento traducido en versión latina. Mel Gibson es una fuerza de la naturaleza y sabe hacer estas películas con los ojos cerrados, pero echo tanto de menos al director de esos 4 prodigios: El hombre sin rostro, Braveheart, La Pasión y Apocalypto. No hay nadie como él en Hollywood y aún tiene años por delante. Espero que vuelva.
"Te doy mis ojos": Romperlo todo
Icíar Bollaín hizo un trabajo extraordinario en esta película que, como a los protagonistas, te rompe por dentro. Laia Marull y Luis Tossar están espectaculares llevándote hasta el extremo de la humillación, los celos, la violencia que destroza el pasado, presente y futuro de las personas. Lo único que me sobra es ese detallismo en las voluntariamente brutales escenas de sexo. Me parecen excesivas e innecesarias.
El alma del maltrato se explica mejor con esa forma de cubrirse ella ante un posible golpe más, su voz temerosa, la cara de perplejidad de él ante lo que no controla ni acaba por reconocer. Una obra de arte en toda regla sobre un tema en el que es tan fácil acudir a simplificaciones y pedagogía primaria, evitando ahondar en los tremendos efectos secundarios en la sensibilidad.
Clasificación: 8´5
El alma del maltrato se explica mejor con esa forma de cubrirse ella ante un posible golpe más, su voz temerosa, la cara de perplejidad de él ante lo que no controla ni acaba por reconocer. Una obra de arte en toda regla sobre un tema en el que es tan fácil acudir a simplificaciones y pedagogía primaria, evitando ahondar en los tremendos efectos secundarios en la sensibilidad.
Clasificación: 8´5
Montgomery Clift: la perfección vulnerable
Aunque no es un documental perfecto, es lo suficientemente completo para hacerse una idea del impacto que generó Montgomery Clift en Hollywood desde su primera aparición en Río Rojo. Fue un intérprete magnífico, de rostro y mirada tan perfecta que parecía irreal, con una sensibilidad enfermiza que acabó con él.
Tomó algunas malas decisiones, especialmente elegir la muy discreta Estación Termini de Vittorio De Sica por delante de otros títulos que se le ofrecieron en ese mismo momento de gloria como Raíces profundas, La ley del silencio o Sunset Boulevard.
Tomó algunas malas decisiones, especialmente elegir la muy discreta Estación Termini de Vittorio De Sica por delante de otros títulos que se le ofrecieron en ese mismo momento de gloria como Raíces profundas, La ley del silencio o Sunset Boulevard.
"El Bola": la aparición por sorpresa de Achero Mañas
Ceremonia de entrega de los premios Goya del años 2000. Alex de la Iglesia y José Luis Garci eran favoritos con La comunidad y You´re the one, cuando apareció un actor muy joven que estrenaba opera prima. El Bola ganó 4 Goyas tan importantes como los de mejor película y guión, además director y actor revelación.
La película apenas 84 minutos en los que nos sobra un plano. Para mí la mejor película sobre el maltrato en el hogar junto con Te doy mis ojos de Icíar Bollaín. Achero Mañas es un maestro en mostrar la espontaneidad familiar, el sufrimiento callado, etc... Es una opera prima pero la planificación es de alumno muy aventajado que arriesga y gana, que utiliza las elipsis visuales con una astucia sobresaliente. Resulta deslumbrante la escena de la primera paliza en la que no vemos golpes, moratones ni sangre, pero nos quedamos conmocionados al ver al protagonista ocultándo su humillación detrás de la puerta con un violín de fondo que va haciendo ganar en intensidad la escena.
También me gusta mucho esa escena del puente, que puede parecer trivial pero a mí me resulta muy convincente. En el fondo late la idea de Chesterton de que cuando los hombres no creen en Dios empiezan a creer en cosas increíbles.Y en cierta medida ese ateísmo del adolescente no deja de ser una muestra de la arbitrariedad casi mágica con la que muchos chicos despachan aspectos fundamentales de su vida.
Calificación: 8´5
La película apenas 84 minutos en los que nos sobra un plano. Para mí la mejor película sobre el maltrato en el hogar junto con Te doy mis ojos de Icíar Bollaín. Achero Mañas es un maestro en mostrar la espontaneidad familiar, el sufrimiento callado, etc... Es una opera prima pero la planificación es de alumno muy aventajado que arriesga y gana, que utiliza las elipsis visuales con una astucia sobresaliente. Resulta deslumbrante la escena de la primera paliza en la que no vemos golpes, moratones ni sangre, pero nos quedamos conmocionados al ver al protagonista ocultándo su humillación detrás de la puerta con un violín de fondo que va haciendo ganar en intensidad la escena.
También me gusta mucho esa escena del puente, que puede parecer trivial pero a mí me resulta muy convincente. En el fondo late la idea de Chesterton de que cuando los hombres no creen en Dios empiezan a creer en cosas increíbles.Y en cierta medida ese ateísmo del adolescente no deja de ser una muestra de la arbitrariedad casi mágica con la que muchos chicos despachan aspectos fundamentales de su vida.
Calificación: 8´5
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