Muchos actores desnudan su cuerpo en las películas pero muy pocos descubren su alma. El director de Converso acaba de ganar el premio al mejor director de documental en el pasado Festival de Málaga por mostrar un proceso de conversión familiar. A través de la música, la amistad y la familia, los protagonistas reales de esta historia hacen un cinema verité con mucho estilo y credibilidad.
En un metraje breve de una hora las reflexiones y testimonios de los miembros de una familia les van ayudando a ellos mismos a descubrirse delante de la cámara. Y el espectáculo es conmovedor y religioso, con una espiritualidad atractiva, joven y moderna, antagónica de ese inhumanidad impersonal y estereotipada que suele aparecer en las películas.
No hay sacerdotes, monjas ni religiosos en este documental, sino laicos de su tiempo que pasan de ser uno más en una sociedad descreída y escéptica a convertirse en católicos con debilidades e ilusión de ser mejores. Una familia que se reconstruye a partir de una conexión con un Dios que va cambiando sus vidas. La estructura narrativa, la naturalidad de los conversos, el uso de la música y las metáforas visuales es de muy buen cine. Un documental que muestra mucha luz , humanidad y respeto. Una nueva joya del cine español actual y del cine religioso moderno.
Calificación: 9
Sorogoyen a pie de calle
Le conozco desde hace unos años, un par de entrevistas, dos películas y un cortometraje inmejorable. Más que una entrevista es una conversación sobre el cine y la vida. 20 minutos que se me pasaron volando. Y creo que a él también.
"The Revenants": Una intro que marca la diferencia
La serie original francesa me parece mucho más sugerente que la versión norteamericana (Resurrection). La intro es bellísima y lírica. En realidad los 10 primeros minutos del episodio piloto son una verdadera genialidad para introducir una historia muy original.
Calificación: 8
Calificación: 8
"The OA": Una serie aparte
Extraña, original y muy arriesgada, esta nueva ficción de Netflix no ha dejado a nadie indiferente. Unos la consideran genial y poliédrica, otros demasiado tramposa y superficial. La historia de una chica que reaparece misteriosamente después de 7 años tiene componentes de la fantasía y Ciencia-Ficción de Stephen King o Shyamalan, y de series como The Leftovers, Touch o Les Revenants.
Voluntariamente no estoy contando casi nada del argumento porque considero que lo más atractivo de esta serie es como juega con el espectador desde el principio hasta el final. En ese recorrido destaca el cuidado visual de la serie; la planificación, el montaje y el uso de la fotografía son muy personales. De esta manera se logra una atmósfera de realismo mágico que enmarca un guion lleno de giros y significados múltiples.
Si quieres saber más de esta serie te dejo la crítica larga que he escrito en Aceprensa.
Calificación: 7´5
Voluntariamente no estoy contando casi nada del argumento porque considero que lo más atractivo de esta serie es como juega con el espectador desde el principio hasta el final. En ese recorrido destaca el cuidado visual de la serie; la planificación, el montaje y el uso de la fotografía son muy personales. De esta manera se logra una atmósfera de realismo mágico que enmarca un guion lleno de giros y significados múltiples.
Si quieres saber más de esta serie te dejo la crítica larga que he escrito en Aceprensa.
Calificación: 7´5
Málaga 2017: Una edición notable
En 4 minutos resumo las películas más interesantes que han pasado por el Festival de Cine de Málaga. Un buen año para el cine latinoamericano y una opera prima sensible y maravillosa que tardaremos en olvidar.
"El jugador de ajedrez": Insulsa e inofensiva
La Guerra Civil y la II Guerra Mundial son fuentes inagotables de grandes historias... Cuando las utilizan bien. Y no es el caso.
Calificación: 5
Calificación: 5
"La memoria de mi padre": Conmovedora
El cine chileno sigue aportando directores y películas con estilo y calidad. La memoria de mi padre tiene una buena historia emotiva y medida.
Calificación: 8
Calificación: 8
"Pieles": Parafernalia epidérmica
En la línea del cine agresivo, folclórico y enfermizo de Alex de la Iglesia, Almodóvar y Carlos Vermut, Pieles de Eduardo Casanova es una película repulsiva e insustancial.
Calificación: 3
Calificación: 3
"Últimos días en la Habana": Brillante agonía
Esta historia de la despedida de dos amigos en un barrio de la Habana tiene momentos estupendos de drama, amistad y un poco de humor. Humanidad retratada con detalle.
Calificación: 7´5
"Plan de fuga": Desacierto global
Esta película de acción sin acción es un desastre completo con un reparto que hace lo que puede con un guión plagado de errores.
Calificación: 3
Calificación: 3
"Cantábrico": Espectáculo documental
El director de Guadalquivir vuelve a demostrar su enorme capacidad para crear un documental extraordinario sobre la naturaleza ibérica.
Calificación: 8´5
Calificación: 8´5
Daniel Sánchez Arévalo: Imaginación al poder
Daniel Sánchez Arévalo no deja indiferente con sus películas y tampoco con sus palabras. Me he quedado con ganas de más, pero agradezco mucho estos minutos con un director y guionista tan imaginativo.
Silvia Quer y la Historia desconocida
Esta directora lleva años especializándose en películas para televisión sobre historias reales y desconocidas. En torno a esta cineasta se ha creado un grupo de actores, guionistas y productores que han facilitado películas de tanta calidad como La Xirgu o La luz de Elna.
Enrique García y Virginia de Morata: Talento malagueño
Con 321 días en Michigan pasó a ser un director de cine importante en nuestro país. En el Festival de Málaga hemos hablado de su experiencia en este certamen y las principales películas de su filmografía.
Kike Maíllo, creador de creadores
Desde hace más de una década compagina la docencia con la dirección de cine. Da clase en la ESCAC y es el director de esa imprescindible película de la Ciencia-Ficción española titulada Eva. Kike Maíllo es presente y futuro del gran momento de la industria del cine en nuestro país.
"Verano 1993": Un Oscar para Carla
Fue la película del Festival de Málaga y espero que lo sea en los Goya y en los Oscar. Una pequeña obra de arte sobre la infancia. Delicada, divertida y muy creíble gracias a dos niñas memorables.
Calificación: 9
Calificación: 9
"Gilda": Sublime Natalia Oreiro
Gilda, no me arrepiento de este amor apuntaba a lo más alto en el Festival de Málaga. Llegaba después de fascinar a toda la crítica argentina; entusiasta y catártica como pocas, capaz de alzarte o despellejarte con la misma pasión. La directora y guionista de la película hasta ahora se había dedicado al género documental.
En esta ocasión ha elegido un personaje real; una cantante poco conocido a este lado del charco interpretada por Natalia Oreiro, una de las mejores actrices argentinas actuales (Cleopatra, Música en espera, Infancia clandestina). Y la película no defrauda.
Calificación: 7,5
En esta ocasión ha elegido un personaje real; una cantante poco conocido a este lado del charco interpretada por Natalia Oreiro, una de las mejores actrices argentinas actuales (Cleopatra, Música en espera, Infancia clandestina). Y la película no defrauda.
Calificación: 7,5
"Redemoinho": Lírica brasileña en pasado universal
Hasta ahora es mi favorita para los grandes premios de este Festival de Málaga. Una ópera prima bella, sincera y emotiva.
Calificación: 8
Calificación: 8
"La luz de Elna": la delicadeza radiante de Silvia Quer
El año pasado Silvia Quer presentó en el Festival de Málaga La Xirgu, una gran película para televisión sobre una figura fundamental de la literatura del siglo XX. En La luz de Elna recupera otra maravillosa y desconocida historia real protagonizada por mujeres que cambiaron una época.
Calificación: 7,5
Calificación: 7,5
"La mujer del animal": Colombia selvática
Victor Gaviria ha presentado su 5ª película en la que vuelva a hacer un retrato tremendo de la violencia y la degradación en los suburbios colombianos.
Calificación: 7
Calificación: 7
"Brava": Inquietante banalización
Laia Marull es una actriz gigante de nuestro cine, pero esta película de Roser Aguilar tiene muy poco talento visual y narrativo, además de un enfoque preocupante.
Calificación: 4
3 creadores de un cine latinoamericano diferente
Los festivales están pensados para conocer animales en extinción y estos tres cineastas vienen de la arquitecturta, la música... Pero sobre todo han realizado una comedia política uruguaya con un sello muy personal titulada El candidato.
"El candidato": Extraño y notable cine uruguayo
Una película diferente con un original tratamiento del sonido y unas interpretaciones fuera de lo común. El guion sorprende en muchos momentos y la crítica al efectismo político está bien desarrollada por Daniel Hendler.
Calificación: 7´5
Calificación: 7´5
México, Los Ángeles, Málaga... Entrevista a Roberto Sneider
Roberto Sneider se formó en el American Film Institute y actualmente vive en Los Ángeles. Acaba de presentar en el Festival de Málaga Me estás matando Susana.
"Trato con mi trabajo que el espectador no se sienta solo"
Nominada a 3 Goyas, Nathalie Poza es una actriz que transmite veracidad como pocas. Su interpretación en No sé decir adiós merece una Biznaga de Plata.
"Amar": Opera prima insustancial
Después de obtener una nominación al Oscar al mejor cortometraje en 2014, Esteban Crespo acaba de estrenar su fallida opera prima en Málaga.
Calificación: 3
Calificación: 3
"No sé decir adiós": Triplete sin gol
Lola Dueñas, Juan Diego y Nathalie Poza son tres actorazos y no me extrañaría que alguno de ellos termine llevándose la Biznaga de Plata por su interpretación. Pero esta historia familiar de egos intratables es epidérmica y gris. Además está contada con apatía y desorden que hacen que la película sea innecesariamente lenta y contemplativa.
Calificación: 5
Calificación: 5
Gael y Verónica merecían más
Gael García Bernal y Verónica Echegui combinan espontaneidad y vitalismo insuficiente para levantar una comedia desnortada y llena de tópicos.
Calificación: 4
Calificación: 4
"La princesa Paca": Folletón sin literatura
La historia era atractiva pero el enfoque es muy desacertado y al guión le falta belleza y delicadeza. Irene Escolá es una actriz maravillosa pero su personaje pedía más desarrollo y una pareja de baile menos desentonada.
Calificación: 5
Calificación: 5
"La niebla y la doncella": Sodoma y Gomera
No sé si el problema es de la novela de Lorenzo Silva o en el guión adaptado, pero está claro que la trama policiaca no resulta creíble ni impactante.
Calificación: 5
Calificación: 5
"El bar" de Alex de la Iglesia
Mis expectativas eran muy pocas. Los comentarios de los que ya habían podido verla no eran positivos. Había bastante unanimidad en que, otra vez, estábamos ante un circo en el que todo vale y nada importa con la excepción de intentar divertir y entretener. Una más de Alex de la Iglesia, al que creo que los premios de Tarantino en Venecia a Balada triste de trompeta no le vinieron nada bien.
Hoy por fin he podido verla en Málaga y mi opinión es un poco mejor de lo previsto. Pero no mucho más.
Calificación: 5,5
Como siempre, el trailer y el reparto eran llamativos.
Hoy por fin he podido verla en Málaga y mi opinión es un poco mejor de lo previsto. Pero no mucho más.
Calificación: 5,5
"El otro hermano": Sucios y perversos
Todo en esta película asfixia al espectador. Un retablo de maldad bien diseñado desde la interpretación y la dirección artística.
Calificación: 6,5
Calificación: 6,5
"La gran ola": En Cádiz y Huelva, más bien marismas
Debería hacernos temblar la posibilidad de que un día este documental tenga razón. Pero por ahora lo único que impacta es el poderoso trailer.
Calificación: 5, 5
Calificación: 5, 5
"Nieve negra": Cine deambulante
El cine argentino de paisajes y pausas es un género en sí mismo. Esta película muy oscuro tiene un reparto grande muy poco aprovechado.
Calificación: 5
Calificación: 5
"En tu cabeza": Energía creativa
Gas Natural Fenosa está apoyando el cine español con mucho acierto. Este proyecto de película compuesta por cortometrajes que pretenden concienciar sobre el ahorro energético no es simple publicidad, es muy buen cine. Creatividad con mucho ritmo y humor.
Calificación: 8
Calificación: 8
"Maniac Tales": Terror muy "B"
No tiene un gran presupuesto, pero fundamentalmente no tiene un guión con un poco de originalidad y misterio. Mucho gore primario que genera muy poca sugestión.
Calificación: 4
Calificación: 4
"Selfie": Caricatura caducada
La opera prima de Víctor García León tiene unos 20-30 minutos iniciales en que el esperpento es audaz y gracioso, pero el largo le viene muy grande.
Calificación: 5´5
Calificación: 5´5
"7 psicópatas": Narrar es sorprender
La segunda película del director de Escondido en Brujas respondió a las expectativas de su ingeniosa opera prima. El primer plano es muy representativo. De fondo suena la canción Angel of Death de Hank Williams (uno de los cantautores iconos del country americano fallecido de manera trágica con 29 años en 1953). La imagen va del Monte Lee y el mítico letrero de Hollywood a un puente en el que Michael Stuhlberg y Michael Pitt (ambos protagonistas de la serie de gangster Boardwalk Empire), hablan de cómo murieron Dilinger y Mo Green en El Padrino. En apenas unos segundos el irlandés McDonagh ha empezado a saltar de la ficción a la realidad, de un género a otro, de un tiempo pasado a otro reciente. Esto es su película: un juego en el que la única regla es entretener y sorprender sin caer en el hermetismo.
El protagonista es una vez más Colin Farrell, un guionista alcohólico irlandés en período de crisis creativa que por ahora sólo tiene el título de su próximo libreto: Siete psicópatas, y un amigo (Sam Rockwell) que le sugiere ideas interesantes.
La propuesta de McDonagh es tan arriesgada como brillante, apoyada en un guión magníficamente dialogado con diez o doce actores que bordan sus excéntricos personajes. El director irlandés consigue ser metacinematográfico y original sin robar terreno a los Ritchie, Tarantino y Cohen. Definitivamente es un autor con lenguaje propio, condenadamente divertido y capaz de hacer que sus personajes resulten atractivos sin caer en el ridículo.
La escena del cementerio con el trío Farrell-Walken-Rockwell en plena apoteosis es una genialidad de humor envidiable. Y la música de Carter Burwell, compositor habitual de los Cohen, se combina magníficamente con canciones de estilos muy diversos: opera clásica, el soul de P.P. Arnold, la aportación de la Reina del Rock Linda Ronstadt. Lo que podía ser un totum revolutum en el que “todo vale”, acaba siendo una película coherente, sugerente y muy amena.
El protagonista es una vez más Colin Farrell, un guionista alcohólico irlandés en período de crisis creativa que por ahora sólo tiene el título de su próximo libreto: Siete psicópatas, y un amigo (Sam Rockwell) que le sugiere ideas interesantes.
La propuesta de McDonagh es tan arriesgada como brillante, apoyada en un guión magníficamente dialogado con diez o doce actores que bordan sus excéntricos personajes. El director irlandés consigue ser metacinematográfico y original sin robar terreno a los Ritchie, Tarantino y Cohen. Definitivamente es un autor con lenguaje propio, condenadamente divertido y capaz de hacer que sus personajes resulten atractivos sin caer en el ridículo.
La escena del cementerio con el trío Farrell-Walken-Rockwell en plena apoteosis es una genialidad de humor envidiable. Y la música de Carter Burwell, compositor habitual de los Cohen, se combina magníficamente con canciones de estilos muy diversos: opera clásica, el soul de P.P. Arnold, la aportación de la Reina del Rock Linda Ronstadt. Lo que podía ser un totum revolutum en el que “todo vale”, acaba siendo una película coherente, sugerente y muy amena.
Calificación: 8
El general y el Emperador
En 1945 el general MacArthur (Tommy Lee Jones) vuela a Japón tras la rendición del país. En su mano estará decidir qué papel jugará en el futuro el emperador Hirohito al que los japoneses adoran como un Dios. Para ello contará con la ayuda del general Bonner Feller (Mathew Fox) al que se le encargará un informe sobre la responsabilidad del emperador en la II Guerra Mundial, y especialmente en el ataque nipón a Pearl Harbor.
Emperador comienza con una escena muy significativa. Desde la cabina de un avión vemos la explosión de la bomba atómica que acabo con las ciudades de Hiroshima y Nagasaki con una cifra superior a 220.000 muertos. Es una manera de desconcertar al espectador, de ponerle en una posición compleja. No es Estados Unidos en versión democrático, aliado y salvador el que llega para perdonar la vida al Japón kamikaze y pro-nazi, es el espectador el que tendrá que aterrizar en un capítulo histórico que el director británico Peter Webber (La joven de la perla, Hannibal, el origen de la mal) consigue retratar con una veracidad matizada. De esta manera la película se acerca mucho al tono reflexivo del mejor cine histórico de los últimos años que va desde Cartas desde Iwo Jima a El hundimiento o Hanna Arendt.
El guión de la película está basado en una novela del japonés Shiro Okamoto, estructurado como una trama policíaca en torno a un culpable ausente al que vamos conociendo por los testimonios de los que gobernaron Japón bajo el mandato de Hirohito. La adaptación de este libro no era sencillo (era fácil caer en la simpleza maniquea o en el sentimentalismo patriotero) y la elección de los guionistas Vera Blasi (Woman on top) y David Klass (Medidas desesperadas, Pisando fuerte) no parecía, a priori, una garantía de éxito. Sin embargo, el libreto no solo salva escollos y mantiene un cierto nivel, sino que logra un ritmo narrativo medido y unos retratos muy precisos, especialmente el de MacArthur (el general más condecorado del ejercito de Estados Unidos) y el emperador Hirohito (un hombre que se mantuvo en el poder desde 1926 hasta su muerte en 1989).
La historia de amor que acompaña a la trama histórica no está tan lograda, en parte porque el protagonista de Perdidos (Mathew Fox) es un actor correcto pero con poco carisma. Aún así el acertado acompañamiento musical de Alex Heffes (La sombra del poder, El último Rey de Escocia) y la luminosa y colorida fotografía de los bosques de bambú de Stuart Dryburgh (El velo pintado, Retrato de una dama) hacen que esta trama romántica sea más que aceptable.
Emperador llega con más de un año de retraso después de fracasar en las taquillas norteamericanas y británicas. El motivo de este rechazo no creo que se deba tanto al tratamiento del argumento como a la desgana del público anglosajón hacia un cine sin grandes estrellas mediáticas y en el que no hay dibujos animados, superhéroes o exorcismos.
Calificación: 8
Emperador comienza con una escena muy significativa. Desde la cabina de un avión vemos la explosión de la bomba atómica que acabo con las ciudades de Hiroshima y Nagasaki con una cifra superior a 220.000 muertos. Es una manera de desconcertar al espectador, de ponerle en una posición compleja. No es Estados Unidos en versión democrático, aliado y salvador el que llega para perdonar la vida al Japón kamikaze y pro-nazi, es el espectador el que tendrá que aterrizar en un capítulo histórico que el director británico Peter Webber (La joven de la perla, Hannibal, el origen de la mal) consigue retratar con una veracidad matizada. De esta manera la película se acerca mucho al tono reflexivo del mejor cine histórico de los últimos años que va desde Cartas desde Iwo Jima a El hundimiento o Hanna Arendt.
El guión de la película está basado en una novela del japonés Shiro Okamoto, estructurado como una trama policíaca en torno a un culpable ausente al que vamos conociendo por los testimonios de los que gobernaron Japón bajo el mandato de Hirohito. La adaptación de este libro no era sencillo (era fácil caer en la simpleza maniquea o en el sentimentalismo patriotero) y la elección de los guionistas Vera Blasi (Woman on top) y David Klass (Medidas desesperadas, Pisando fuerte) no parecía, a priori, una garantía de éxito. Sin embargo, el libreto no solo salva escollos y mantiene un cierto nivel, sino que logra un ritmo narrativo medido y unos retratos muy precisos, especialmente el de MacArthur (el general más condecorado del ejercito de Estados Unidos) y el emperador Hirohito (un hombre que se mantuvo en el poder desde 1926 hasta su muerte en 1989).
La historia de amor que acompaña a la trama histórica no está tan lograda, en parte porque el protagonista de Perdidos (Mathew Fox) es un actor correcto pero con poco carisma. Aún así el acertado acompañamiento musical de Alex Heffes (La sombra del poder, El último Rey de Escocia) y la luminosa y colorida fotografía de los bosques de bambú de Stuart Dryburgh (El velo pintado, Retrato de una dama) hacen que esta trama romántica sea más que aceptable.
Emperador llega con más de un año de retraso después de fracasar en las taquillas norteamericanas y británicas. El motivo de este rechazo no creo que se deba tanto al tratamiento del argumento como a la desgana del público anglosajón hacia un cine sin grandes estrellas mediáticas y en el que no hay dibujos animados, superhéroes o exorcismos.
Calificación: 8
"Coriolano": El dictador intemporal
Enésima modernización de una obra de Shakespeare, ésta vez el director es un gran actor de cine formado en el teatro inglés: Ralph Fiennes. Se trata de una actualización de la tragedia política de Coriolano, un general prestigioso que pasa de ser adorado por el pueblo a desterrado, de salvador a traidor. Es una de las última obra del genial dramaturgo inglés, la más larga, política y quizá la más compleja y retorcida.
El guionista John Logan (Gladiator, El aviador, Skyfall) traslada la acción a la Roma actual, reduciendo a dos horas la obra eliminando escenas y, sobre todo, acortando los largos (y habituales), monólogos de Shakespeare. El crimen resultará imperdonable para los puristas pero, en mi opinión, hace que la película resulte menos artificial y teatralizada que experimentos similares (Romeo y Julieta de Baz Luhrman, los Hamlet de Kenneth Branagh y Michael Almereyda).
En cuanto a planificación Fiennes no demuestra por ahora demasiado talento y riesgo, aunque sabe aprovechar a un elenco de grandes actores que están magníficos. El propio Ralph Fiennes hace un Coriolano volcánico, de mirada cruel y voz impetuosa, Gerard Butler demuestra que es un gran actor cuando tiene un texto que le permita lucirse y Jessica Chastain vuelve a construir un gran personaje con muy poquitas frases, pero con gestos y miradas medidas milimétricamente.
El trabajo de los secundarios también es excelente. Brian Cox y, sobre todo, Vanessa Redgrave, que tiene un papel tremendo, en mi opinión uno de los más malignos de toda la obra de Shakespeare (la posesiva y maquiavélica madre de Coriolano), dan a la película el tono de grandeza y matiz tenebroso de la obra original.
El guionista John Logan (Gladiator, El aviador, Skyfall) traslada la acción a la Roma actual, reduciendo a dos horas la obra eliminando escenas y, sobre todo, acortando los largos (y habituales), monólogos de Shakespeare. El crimen resultará imperdonable para los puristas pero, en mi opinión, hace que la película resulte menos artificial y teatralizada que experimentos similares (Romeo y Julieta de Baz Luhrman, los Hamlet de Kenneth Branagh y Michael Almereyda).
En cuanto a planificación Fiennes no demuestra por ahora demasiado talento y riesgo, aunque sabe aprovechar a un elenco de grandes actores que están magníficos. El propio Ralph Fiennes hace un Coriolano volcánico, de mirada cruel y voz impetuosa, Gerard Butler demuestra que es un gran actor cuando tiene un texto que le permita lucirse y Jessica Chastain vuelve a construir un gran personaje con muy poquitas frases, pero con gestos y miradas medidas milimétricamente.
El trabajo de los secundarios también es excelente. Brian Cox y, sobre todo, Vanessa Redgrave, que tiene un papel tremendo, en mi opinión uno de los más malignos de toda la obra de Shakespeare (la posesiva y maquiavélica madre de Coriolano), dan a la película el tono de grandeza y matiz tenebroso de la obra original.
El problema que puede tener la película es que la tragedia política de Coriolano, la obra más larga y una de las más valoradas por escritores como Bernard Shaw o T.S.Elliot, es tremendamente cruel y despiadada. Fiennes no intenta aligerarla sino que se siente cómodo con una tensión dramática que en muchos careos está a punto de estallar. En este sentido la música de Ilan Eskheri, contribuye a crear un ambiente bélico angustioso que no dependa de escenas de violencia (que hay muy pocas, aunque muy contundentes).
Para los que les guste disfrutar de unas interpretaciones veraces y no les importe salir del cine empapados de traición y muerte, Coriolano es sin lugar a dudas una película destacable.
Para los que les guste disfrutar de unas interpretaciones veraces y no les importe salir del cine empapados de traición y muerte, Coriolano es sin lugar a dudas una película destacable.
Cailficación: 8
"Passengers": Caos en el conciertazo de Thomas Newman
Thomas Newman ha sido nominado 14 veces a los Oscar y no ha ganado ninguna estatuilla a pesar de de ser el compositor de las bandas sonoras como las de La guerra, Esencia de mujer, American Beauty, El laberinto rojo, Cinderella Man, Efectos secundarios, Saving Mr. Banks, Camino a la perdición, WALL-E, Buscando a Nemo...
La última vez que la Academia le volvió a dejar sin premio fue hace unas semanas por Passengers, una película que empieza bien, pero que en su último tramo vuela por los aires todo lo demás. Los únicos que se salvan del caótico viaje interestelar son los actores y Thomas Newman que vuelve a hacer una música que en el algunos momentos consigue tapar los errores de la película.
En su banda sonora hay trepidación, trascendencia y emoción por todos lados. El problema es que el resto no acompaña, especialmente el guion escrito a 10 o 12 manos que hace una mezcla indigesta con todo tipo de ingredientes: cine romántico, ciencia-ficción, comedia, acción descerebrada y diálogos existencialistas. Ni siquiera tener a dos actores tan compatibles como Chris Pratt y Jennifer Lawrence y secundarios tan solventes como Michael Sheen y Laurence Fishburne salva a esta nave especial. Otro buen argumento de Ciencia-Ficción destrozado en su adaptación al cine.
La película costó 110 millones de dólares y ha logrado salvar el tipo con unos ingresos de 294 $.
Calificación: 5
La última vez que la Academia le volvió a dejar sin premio fue hace unas semanas por Passengers, una película que empieza bien, pero que en su último tramo vuela por los aires todo lo demás. Los únicos que se salvan del caótico viaje interestelar son los actores y Thomas Newman que vuelve a hacer una música que en el algunos momentos consigue tapar los errores de la película.
En su banda sonora hay trepidación, trascendencia y emoción por todos lados. El problema es que el resto no acompaña, especialmente el guion escrito a 10 o 12 manos que hace una mezcla indigesta con todo tipo de ingredientes: cine romántico, ciencia-ficción, comedia, acción descerebrada y diálogos existencialistas. Ni siquiera tener a dos actores tan compatibles como Chris Pratt y Jennifer Lawrence y secundarios tan solventes como Michael Sheen y Laurence Fishburne salva a esta nave especial. Otro buen argumento de Ciencia-Ficción destrozado en su adaptación al cine.
La película costó 110 millones de dólares y ha logrado salvar el tipo con unos ingresos de 294 $.
Calificación: 5
"Figuras ocultas": Especialidad de la casa
Esta historia nos la han contado miles de veces. Los conflictos de racismo en Estado Unidos en los años 50 y 60 suena a un argumento de toda la vida. Si además tenemos en cuenta que Figuras ocultas ha llegado a la carrera final de los Oscar en un año de mayor sensibilidad hacia esta temática, las dudas sobre la calidad de esta película eran lógicas. Pero el cine norteamericano ha vuelto a demostrar que sabe contar como pocos la historia de su país.
En esta película sobre las primeras mujeres que trabajaron en la NASA hay mucha ironía y sentido del humor, un casting muy acertado con el prota de The Big Bang Theory haciendo de científico superado por el poder de las mujeres y Kevin Costner, en uno de esos personajes honestos que le hicieron famoso (Los intocables de Elliot Ness, J,F.K. Caso abierto).
Como es lógico, el peso melodramático cae en las mujeres: Octavia Spencer, Taraji. P. Henson, Janelle Monáe y Kirsten Dunst hacen un trabajo formidable de interpretación. Gracias a ellas, la película es cercana y compleja sin necesidad de ser agresiva ni maniquea en su mensaje, algo que sí sucedía con Criadas y señoras, por poner un ejemplo.
La música de Benjamin Wallfisch, Pharrell Williams y Hans Zimmer favorece el tono optimista y vital pero no ingenuo de la película. En definitiva, Figuras ocultas es una de esas aportaciones del cine que tanto agradecen los que quieren ver la bondad humana y su capacidad de superación proyectada en una gran pantalla.
En esta película sobre las primeras mujeres que trabajaron en la NASA hay mucha ironía y sentido del humor, un casting muy acertado con el prota de The Big Bang Theory haciendo de científico superado por el poder de las mujeres y Kevin Costner, en uno de esos personajes honestos que le hicieron famoso (Los intocables de Elliot Ness, J,F.K. Caso abierto).
Como es lógico, el peso melodramático cae en las mujeres: Octavia Spencer, Taraji. P. Henson, Janelle Monáe y Kirsten Dunst hacen un trabajo formidable de interpretación. Gracias a ellas, la película es cercana y compleja sin necesidad de ser agresiva ni maniquea en su mensaje, algo que sí sucedía con Criadas y señoras, por poner un ejemplo.
La música de Benjamin Wallfisch, Pharrell Williams y Hans Zimmer favorece el tono optimista y vital pero no ingenuo de la película. En definitiva, Figuras ocultas es una de esas aportaciones del cine que tanto agradecen los que quieren ver la bondad humana y su capacidad de superación proyectada en una gran pantalla.
Calificación: 8
Los Daniels que ganaron Sitges
Dan Kwan y Daniel Scheinert firman como "Daniels" su opera prima Swiss Army Man con la que ganaron el Premio a la mejor película del reciente Festival de Sitges. Lo inusual y estrambótico de esta película salta a la vista. El pasado 24 de febrero llegó a nuestras pantallas, pero a muy pocas.
Swiss Army Man tiene dos actorazos que se ganan el sueldo intentando hacer creíble una historia desquiciada voluntariamente. El mérito de Paul Dano y Daniel Radcliffe está a la altura de los compositores de la banda sonora: Andy Hull, Robert McDowell. La música da un tono humanizador y tierno al argumento que sin embargo no es suficiente. Como sucede a tantos proyectos creativos, el desarrollo de la historia es redundante y zafio. Demasiado chiste de penes y pedos como para poder construir una película inteligente y universal, con personajes que tengan un cierto recorrido.
Calificación: 5
Daniel Radcliffe llevaba años haciendo películas extrañas huyendo de su personaje de Harry Potter con muy escaso éxito. Aquí interpreta a un personaje medio muerto inflado de ventosidades. Habéis oído bien. Pues con este papel se llevó el premio al mejor actor en Sitges.
Los Daniels también fueron premiados como mejores directores. Después de desconcertar a casi todo el mundo en su paso por el Festival de Sundance, han logrado que Sitges deje en un segundo plano el cine de terror y apueste por el fantástico.
Estos dos directores obtuvieron casi 600 millones de visitas un por videoclip marcado por su zafiedad primaria. Algo que también caracterizó a su cortometraje Interesting Ball. Luego hicieron otro cortometraje que pintaba bastante mejor.
Swiss Army Man tiene dos actorazos que se ganan el sueldo intentando hacer creíble una historia desquiciada voluntariamente. El mérito de Paul Dano y Daniel Radcliffe está a la altura de los compositores de la banda sonora: Andy Hull, Robert McDowell. La música da un tono humanizador y tierno al argumento que sin embargo no es suficiente. Como sucede a tantos proyectos creativos, el desarrollo de la historia es redundante y zafio. Demasiado chiste de penes y pedos como para poder construir una película inteligente y universal, con personajes que tengan un cierto recorrido.
Calificación: 5
"Death Proof": El cochecito suicida de un niño mimado
Cada vez que Tarantino se junta a Robert Rodríguez los dos salen perdiendo (ahí quedan los “abiertos” hasta el amanecer, 1996-1999, o la cercana Sin City, 2005). Este Grindhouse (homenaje a películas de bajísimo presupuesto y notable libertad creativa estrenadas en los 70 en salas semiabandonadas) está dividido en dos películas: Planet Terror de Robert Rodríguez y Death Proof de Quentin Tarantino, estrenadas en una sola película de 3 horas en Estados Unidos, y presentada de manera separada en Europa ante el fracaso sufrido en la taquilla norteamericana.
Esta vez la historia se desarrolla de forma lineal (sin saltos de tiempo made in Tarantino) y gira en torno a un conductor psicópata (Kurt Russell) que atropella sin piedad a chicas jóvenes, bien ajustadas de ropa y deslenguadas.
El problema viene al describir los personajes. Acostumbrados a retratos irrepetibles (Señor Lobo, Vincent Vega, Bill, Beatrice Kido..), los personajes de este Death Proof no dejan huella, se empobrecen con diálogos “camioneros” de una primariedad repetitiva y agotadora. Desde el sosito psicópata Russell (muy lejos de la elegante y perversa maldad de Bill) a la docena de chicas “frescas” que interesan muy poco en su evidente zafiedad, Tarantino no logra enganchar con el espectador más que en contadísimos momentos. Luego la historia es muy limitada, y al ser lineal acaba por aburrir ante la falta de “saltos” argumentales con los que este director suele sorprendernos.
Por mucho que Tarantino acabe la película con una vibrante persecución que es sin duda lo mejor de la cinta junto con la banda sonora, y que el espectador “tarantiniano” perdone lo que sea a este niño mimado de Hollywood (y no por ello menos valioso) con tal de ver 4 ó 5 chispazos creativos, creo que se puede -y se debe- pedir más a un director tan genialmente enloquecido.
Los dos volúmenes de Grindhouse costaron 67 millones de dólares y apenas recuperaron 25. El fracaso más sonoro en las carreras de ambos directores,
Calificación: 4´5
"En el corazón del mar": Sin motivos para el hundimiento
He tardado en verla porque no me llegaban muy buenos ecos de esta película de Ron Howard. Pero las críticas de Alberto Fijo en Fila Siete y de Javier Ocaña en El País me convencieron y no me arrepiento de los 121 minutos que he estado subido a ese barco.
Ron Howard acaba de cumplir 63 años. En su carrera ha alternado buen cine (Cinderella Man, Un horizonte muy lejano, Una mente maravillosa) y mediocridades taquilleras (la mayoría basadas en novelas de Dan Brown). En el corazón del mar es una nueva versión de Moby Dick despreciada por la crítica norteamericana y la taquilla internacional (costó 100 millones y apenas recuperó 90).
Es una película bastante alternativa, diferente a la versiones clásicas que nos ha ofrecido el cine. El principal problema es que le falta espectáculo, más aún teniendo en cuenta que costó 100 millones de dólares. No puede ser que La La Land cueste 30 millones, o La llegada y Hasta el último hombre tengan un presupuesto de 45 $ cada una, y esta película cueste el doble o el triple cuando luce tan poco en escenas clave. Evidentemente el punto fuerte de Ron Howard no es la economía presupuestaria: películas como El Código Da Vinci costaron 150 $, y otras menos taquilleras como EdTV llegaron a los 80 $.
Aún así En el corazón del mar tiene aventura, belleza oceánica y personajes bien trazados e interpretados. El enfoque es original y arriesgado pero acaba funcionando en un guion eficaz de Charles Leavitt (K-Pax, Diamantes de sangre) al que se le puede echar en cara algunos tramos insípidos y un personaje antagonista que no está a la altura de las circunstancias. La música de Roque Baños no es apabullante, pero acompaña bien una historia que bebe mucho de los clásicos de la literatura marítima.
Calificación: 7,5
Ron Howard acaba de cumplir 63 años. En su carrera ha alternado buen cine (Cinderella Man, Un horizonte muy lejano, Una mente maravillosa) y mediocridades taquilleras (la mayoría basadas en novelas de Dan Brown). En el corazón del mar es una nueva versión de Moby Dick despreciada por la crítica norteamericana y la taquilla internacional (costó 100 millones y apenas recuperó 90).
Es una película bastante alternativa, diferente a la versiones clásicas que nos ha ofrecido el cine. El principal problema es que le falta espectáculo, más aún teniendo en cuenta que costó 100 millones de dólares. No puede ser que La La Land cueste 30 millones, o La llegada y Hasta el último hombre tengan un presupuesto de 45 $ cada una, y esta película cueste el doble o el triple cuando luce tan poco en escenas clave. Evidentemente el punto fuerte de Ron Howard no es la economía presupuestaria: películas como El Código Da Vinci costaron 150 $, y otras menos taquilleras como EdTV llegaron a los 80 $.
Aún así En el corazón del mar tiene aventura, belleza oceánica y personajes bien trazados e interpretados. El enfoque es original y arriesgado pero acaba funcionando en un guion eficaz de Charles Leavitt (K-Pax, Diamantes de sangre) al que se le puede echar en cara algunos tramos insípidos y un personaje antagonista que no está a la altura de las circunstancias. La música de Roque Baños no es apabullante, pero acompaña bien una historia que bebe mucho de los clásicos de la literatura marítima.
Calificación: 7,5
"Sing Street": Tiempos de cassette
John Carney tenía 35 años cuando rodó Once: una maravilla irlandesa de presupuesto mínimo (150.000 dólares) que logró, entre otros muchos premios, un Oscar a la mejor canción original y 20 millones en la taquilla internacional. La música volvió a ser protagonista en la más diluida Begin Again, y una vez más vuelve a ser el motor narrativo de la última película que ha escrito y dirigido.
Sing Street cuenta de la historia de un adolescente que crea un grupo para acercarse a una chica y alejarse de un hogar que es un auténtico infierno. Son tiempos de videoclips, vinilos y casettes. No hay mucho presupuesto para el glamour en la nueva banda pero lo compensan con mucha imaginación y una ilusión a prueba de bombas.
El guión aprovecha la evolución de la música de los 80 para contar la madurez de la pareja protagonista. Hay bastante humor, interpretaciones muy creíbles de actores primerizos y diálogos que desarrollan con agilidad la historia y los personajes. El metraje está muy bien ajustado, evitando en la mayoría de los casos la versión completa de las canciones (algo que suelen utilizar en demasiadas series y películas musicales para rellenar minutos).
Aunque los personajes están bien perfilados, hay un personaje excesivamente tópico y caricaturizado: el del estricto director, otro cura irlandés que maltrata sin piedad al que tiene enfrente. Un error menor en una película divertida y valiosa que logró ser una de las nominadas al Globo de Oro a la mejor comedia y musical.
Calificación: 8
Sing Street cuenta de la historia de un adolescente que crea un grupo para acercarse a una chica y alejarse de un hogar que es un auténtico infierno. Son tiempos de videoclips, vinilos y casettes. No hay mucho presupuesto para el glamour en la nueva banda pero lo compensan con mucha imaginación y una ilusión a prueba de bombas.
El guión aprovecha la evolución de la música de los 80 para contar la madurez de la pareja protagonista. Hay bastante humor, interpretaciones muy creíbles de actores primerizos y diálogos que desarrollan con agilidad la historia y los personajes. El metraje está muy bien ajustado, evitando en la mayoría de los casos la versión completa de las canciones (algo que suelen utilizar en demasiadas series y películas musicales para rellenar minutos).
Aunque los personajes están bien perfilados, hay un personaje excesivamente tópico y caricaturizado: el del estricto director, otro cura irlandés que maltrata sin piedad al que tiene enfrente. Un error menor en una película divertida y valiosa que logró ser una de las nominadas al Globo de Oro a la mejor comedia y musical.
Calificación: 8
"Isabel" sigue en lo más alto
Ha llegado un momento en que es imposible ir al día en tantas series que merecen la pena. La oferta televisiva sigue multiplicándose y por eso es necesario destacar los títulos importantes que mejoran con el paso del tiempo. Isabel, con sus tres temporadas, sigue estando a un nivel muy superior dentro y fuera de España.
Hay muchas series históricas, pero ninguna tiene esa calidad de interpretación, guión, dirección artística cuidada al detalle y el apoyo en una documentación intachable. Ni The Crown, ni por supuesto Reinas, Hispania, Los Tudor o Roma. Gracias a Isabel, la Historia de España ha dejado de ser atacada por versiones banales, aburridas y anacrónicas, y ha recuperado toda su innegable grandeza logrando además datos de audiencia espectaculares en la era de Sálvame y Gran Hermano.
Quedan muy lejos aquellos años en los que pagábamos con dinero nacional películas tan penosas como la carísima y tergiversada versión de Ridley Scott sobre el descubrimiento de América.
Calificación: 9
Hay muchas series históricas, pero ninguna tiene esa calidad de interpretación, guión, dirección artística cuidada al detalle y el apoyo en una documentación intachable. Ni The Crown, ni por supuesto Reinas, Hispania, Los Tudor o Roma. Gracias a Isabel, la Historia de España ha dejado de ser atacada por versiones banales, aburridas y anacrónicas, y ha recuperado toda su innegable grandeza logrando además datos de audiencia espectaculares en la era de Sálvame y Gran Hermano.
Quedan muy lejos aquellos años en los que pagábamos con dinero nacional películas tan penosas como la carísima y tergiversada versión de Ridley Scott sobre el descubrimiento de América.
Calificación: 9
El circo de Álex y los aplausos de Quentin
Mucho tiene que ver Tarantino con que esta película ganase los premios al mejor director y al mejor guión en el último Festival de Venecia presidido por el creador de Pulp Fiction. Premios muy criticados por la evidente fascinación mutua que se tienen ambos directores. Ambos son dos niños mimados de una industria que les permite sus genialidades y sus caprichos.
La película cuenta la violenta rivalidad entre dos payasos por una trapecista. Uno la pega y otro la mima como si fuese la niña de sus ojos. Uno es el payaso feliz y violento (Antonio de la Torre) y otro es el payaso triste y bonachón (Carlos Areces). La indecisión de la chica (Carolina Bang) es el motor de la película que tiene como fondo dos momentos históricos esenciales en la historia de España, la Guerra Civil y los últimos años del franquismo.
No veo nada nuevo en este delirante espectáculo circense de sangre, violencia y sexo animal. Me siguen haciendo gracia algunos momentos (Térele Pávez, el motorista suicida, los títulos de crédito), y me sigue faltando un personaje, un poco de credibilidad en lo que se cuenta. Más que nada porque esta vez tengo la sensación de que Alex no sólo ha querido hacer un divertimento sino que también contarnos algo sobre la Historia de España con las metáforas de los dos payasos y una misma víctima, la visión de España como un circo irracional. “España sigue siendo un circo, sólo han cambiado los payasos”, dice el director que acaba la película con un tono reflexivo, unas lágrimas desesperanzadas, una música lenta…
La película cuenta la violenta rivalidad entre dos payasos por una trapecista. Uno la pega y otro la mima como si fuese la niña de sus ojos. Uno es el payaso feliz y violento (Antonio de la Torre) y otro es el payaso triste y bonachón (Carlos Areces). La indecisión de la chica (Carolina Bang) es el motor de la película que tiene como fondo dos momentos históricos esenciales en la historia de España, la Guerra Civil y los últimos años del franquismo.
No veo nada nuevo en este delirante espectáculo circense de sangre, violencia y sexo animal. Me siguen haciendo gracia algunos momentos (Térele Pávez, el motorista suicida, los títulos de crédito), y me sigue faltando un personaje, un poco de credibilidad en lo que se cuenta. Más que nada porque esta vez tengo la sensación de que Alex no sólo ha querido hacer un divertimento sino que también contarnos algo sobre la Historia de España con las metáforas de los dos payasos y una misma víctima, la visión de España como un circo irracional. “España sigue siendo un circo, sólo han cambiado los payasos”, dice el director que acaba la película con un tono reflexivo, unas lágrimas desesperanzadas, una música lenta…
Al menos Tarantino cuando no tiene nada que contar acaba su circo con una divertida paliza irracional (Death Proof) o una broma sarcástica auto-homenaje a su filmografía personal (Malditos bastardos). Pero Alex no es tan coherente y acaba su circo caprichoso como si su película fuese más allá del desenfrene visual, del personaje incomprensible y estirado, del mensaje ideológico pueril y convencional, “del de toda la vida” del cine español.
Aún así, la película tendrá su público, minoritario pero fiel, que perdona excesos a cambio de ver algo distinto, destellos de creatividad en medio de un collage caótico.
Aún así, la película tendrá su público, minoritario pero fiel, que perdona excesos a cambio de ver algo distinto, destellos de creatividad en medio de un collage caótico.
Calificación: 6
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