"Succession": El heredero del trono no podía ser otro

Terminó Juego de tronos y su dictadura en los últimos Emmy, pero el premio sigue siendo para HBO. En lo bueno y en lo malo. En la calidad de sus argumentos, rodados, interpretados y escritos con talento de masterpiece, pero sin dejar nunca ese tono grosero del que presumen en cada capítulo y cada entrevista. Succession es una serie con muchos aspectos extraordinarios. Desde la intro a sus finales funambulistas. Pero incluso podría ser mejor...


Calificación: 8


El regreso al cine con Nolan

Probablemente coincidan para gran parte del público el regreso al cine con la última película de Nolan. En el panorama veraniego de la taquilla hay un lógico pánico a que la nueva realidad no sea lo suficientemente fiable en una sala cerrada. Pocas distribuidoras se han atrevido, y la más destacada, por ahora, es la Warner, que mantiene el 17 de julio como fecha de estreno internacional. Que un cineasta que genera reacciones tan polarizadas en redes sociales sea el primero en lanzarse a la piscina, no deja de tener su morbo.

Nunca he entendido los que le niegan su personalidad y grandeza a este director tan creativo y espectacular, capaz de hacer maravillas como Memento, El caballero oscuro, Origen o Dunkerke. Que Interestellar no llegase tan alto como podría, no deja de parecerme un intento estratosférico de un cineasta colosal. Tenet vuelve a los trastornos temporales que son marca de la casa. Por ahora el trailer no me ha dejado tan fascinado como en otras promociones anteriores, pero Nolan siempre merece toda la atención. Un buen motivo para volver al cine.

El director y guionista será Christopher Nolan (ésta vez sin su hermano Jonathan) y el compositor será el sueco Ludwig Göransson, muy reconocido por la música de The Mandalorian.  Así que nos quedamos sin el habitual Hans Zimmer. Entre los actores muchas caras nuevas en el universo Nolan, con excepción de Michael Caine. Destaca la presencia en el reparto de Robert Pattison, Kenneth Branagh y John David Washington (Infiltrado en KKKlansman).

John M. Stahl

John M. Stahl es de esos directores invisibles que no suelen aparecer en ningún tipo de listas. Nacido en una familía judía y rusa en el actual Azerbaiyán fue director de más de 30 películas, la mayoría de ellas en Hollywood. Entre sus grandes títulos como cineasta están La usurpadora (1932), Imitación de la vida (1934), Que el cielo la juzgue o Las llaves del reino (ambas de 1945). Protagonizada por Gregory Peck, esta versión de la reconocida novela de A.J. Cronin es todo un clásico. Con un guion inmortal de Nunnally Johnson (Las tres caras de Eva, Las uvas de la ira), la película tiene 5 o 6 grandes personajes dotados de ternura y empatía con el espectador gracias a un casting ejemplar. Gregory Peck es el sacerdote de mirada amable, el sentido común y la audacia de los santos aventureros, pero también está su mejor amigo agnóstico (entrañable Thomas Mitchell), la inicialmente desconfiada Madre María Verónica (Rose Stradner), el altivo Angus Mealey (Vincent Price) o el misterioso terrateniente chino Mr. Pao (Phillip Ahn).

La película obtuvo 4 nominaciones a los Oscar (una para Gregory Peck) y, 75 años después de su estreno, sigue resultando una gran película gracias al diseño de producción, el reparto, la planificación y el sugerente libreto. 

Calificación: 8

Daniel Castro: nuestro Buster Keaton

Le conocí hace 7 años en la mejor edición del Festival de Málaga que recuerdo. Año 2013. Él presentaba una película pequeña y fantástica que había dirigido, producido, interpretado, escrito, cantado y bailado. Se titulaba Ilusión, una obra maestra del humor moderno que se ha vuelto a poner de moda con el confinamiento.

Un western para quedarse

Hay un cine en el que te sientes cómodo. Te gustaría sentarte a hablar con los personajes, comer con ellos, pasar más tiempo que el ajustado metraje. Raíces profundas es un western en el que brilla la  autenticidad de cada detalle: la deliciosa tarta que hace Jean Arthur, la inocencia sencilla de Van Heflin o la mirada nostálgica de Alan Ladd). George Stevens tiene una filmografía impresionante (Gigante, Un lugar en el sol, El diario de Ana Frank), pero probablemente Raíces profundas sea la más perfecta e inmortal. Cada personaje es un tesoro dibujado con detalles mínimos y fácilmente accesibles a todo tipo de públicos.

De esas películas que es casi imposible encontrar errores, y que cada nuevo visionado mejora al anterior.

Calificación: 10



"Rocco y sus hermanos": Esencia de Visconti

Las 3 horas de duración  de Rocco y sus hermanos (1960) son, probablemente las mejores de Luchino Visconti junto con los 186 minutos de El gatopardo (1963). La descripción de una familia que deja el entorno rural para construir una vida nueva en Milán, tiene el detallismo y la sugerencia de las grandes obras del cine. Rocco, interpretado por un primerizo Alain Delon, tiene la vulnerabilidad y el carisma de un personaje imborrable. Al igual que esa Mamma italiana que chilla, abraza y pierde con frecuencia sus nervios desatados. La belleza de la planificación que logra Visconti, hace que su contemplación produzca una verdadera catarsis.

El neorrealismo de la película tiene un esteticismo muy compatible con ese verismo en el vestuario, las localizaciones o la decoración de interiores. La fotografía de Giussepe Rotunno (Los girasoles, All that Jazz, Amarcord) y la música de Nino Rota (El padrino, Romeo y Julieta, Fellini, ocho y medio) muestran el talento desbordante de estos dos grandes maestros del cine italiano. 

Calificación: 9

"Tres idénticos desconocidos": Verdades increíbles

El primer documental de Tim Wardle cuenta una de esas historias reales que parecen diseñadas por el guionista más creativo y original. La vida de estos trillizos tiene un arranque imponente, pero aun más interesante son los giros que acercan al espectador a estos personajes desde una variedad de tonos fascinantes. Tres idénticos desconocidos tiene humor, drama, ciencia, interrogantes y verdad. El director es muy inteligente al dejar algunos puntos suspensivos que casi obligan al espectador a hacerse preguntas y sacar consecuencias. La edición es excelente impulsando la narración con un ritmo admirable. Uno de esos documentales necesarios.

Calificación: 8´5

"El hoyo": El dominio de la metáfora

Aunque hacía meses que llevaba detrás de esta película, finalmente he llegado a verla en un momento en que todo el mundo habla de ella. Esas extrañas coincidencias entre la realidad la ficción y la ficción, han convertido a esta obra tan sorprendente de la Ciencia ficción nacional en un fenómeno viral casi 6 meses después de su aplaudido y premiado estreno en Sitges. Que su estreno en Netflix coincida con el más insólito de los confinamientos, ha dado a El hoyo un imprevisto y luminoso foco de interés en redes sociales.

Con un primer acto sensacional, la película se enfanga en un gore innecesario y demasiado disperso en el segundo, para acabar brillando en el desenlace. Con una economía de medios encomiable, El hoyo es una metáfora en cadena que activa al espectador ofreciéndole una experiencia límite. Como ya sucediese en la infravalorada Verbo, El Quijote de Cervantes vuelve a ser el mejor traductor de un descenso a los abismos del ser humano.

El casting, la dirección de actores y la interpretación hacen posible que la película se mantenga en pie a pesar de innumerables giros y trampas. Algunos se exasperarán ante las múltiples lecturas que propone la película, pero muchos otros quedarán atrapados en sus inteligentes redes. Sin contar nada del argumento -que sería casi delictivo-, El hoyo tiene bastantes conexiones con Parásitos o Ad Astra, pero no llega tan lejos en su recorrido. Y, desde luego, no logra la perfección técnica y conceptual de las obras maestras de la Ciencia ficción contemporánea: Gravity y La llegada. Aun así, El hoyo es una película más que notable, con escenas extraordinarias que asumen riesgos de autor en una opera prima de enorme valor. Un título que merece entrar por la puerta grande en La edad de oro del cine español.

Calificación: 8



    

1962: Bergman contra Berlanga

En la ceremonia de los Oscar de 1962 coincidieron Ingmar Bergman y Luis García Berlanga en el sprint final por el premio a la mejor película extranjera con Como en un espejoPlácido, respectivamente. El director sueco ya había sido premiado el año anterior por El manantial de la doncella, mientras que Berlanga llevaba la segunda película española a los Oscar (cuatro años antes, Juan Antonio Bardem había sido nominado por La venganza; un premio que finalmente se llevó Jacques Tati por Mi tío)

Hace unos días pude ver la película con la que Bergman ganó Berlanga; un drama intimista y psicológico que conserva esa amargura y soledad que caracterizó la obra del cineasta y dramaturgo de Upsala (Suecia). Destacan la perfección en la composición de los planos, el reparto y la fotografía, pero el guión y el tono han envejecido más que en otras obras maestras del cineasta sueco como Fresas salvajes o Fanny y Alexander.



Calificación: 8

El paso del tiempo ha sentado mejor a Plácido, una comedia navideña muy negra y ácida, pero con una maestría en las escenas corales, los diálogos y el ritmo que sigue siendo admirables. Berlanga no volvió a ser nominado a los Oscar, y el cine español tendría que esperar otras dos décadas hasta que Garci obtuviese la preciada estatuilla por Volver a empezar.

Top 20 de Vídeocríticas (actualizado 17.03.2020)

Hace unos años me aconsejaron hacer vídeocríticas cuando fuese a festivales de cine. Así lo he hecho en Málaga y San Sebastián. Estas son las 20 más vistas:

1º) Lo ví en el Festival de Málaga 2017 y quedé conmocionado. Luego ganaría todos los premios posible menos el Oscar. Ellos se lo pierden.



2º) La mejor película del siglo XXI. No me cansaré de decirlo.



3º) Bayona recordando al mejor Spielberg.



4º) Los mundos únicos de Vigalondo...



5º) Ópera prima francesa excelente con un niño protagonista deslumbrante.



) Un gigante que no me impresionó tanto como la pequeña Loreak, la bellísima opera prima de Jon Garaño y José Mari Goenaga.



7º) Fernando León de Aranoa desconocido en una historia que nos han contado mucho mejor demasiadas veces.



8º) Entre la comedia y el documental, Selfie cuenta la historia de un niño bien, hijo de un político corrupto.



9º) Simpática y respetuosa comedia con un reparto en el que destaca Gloria Muñoz.



10º) Pawel, como su amigo Cuarón, también rueda en blanco y negro



11º) Lo asombroso es que Koreeda haya tardado tanto en ganar un premio grande como la Palma de Oro en Cannes.



12º) Acierto pleno de Nakache y Toledano. Una gran historia que conmueve, divierte y hace pensar.




13º) Unamuno en Salamanca y la guerra civil española según Amenábar...



14º) Oliver Laxe merece todos los premios y elogios que recibe en Cannes. El regreso a su Galicia natal es maravilloso.



15º) Un documental para replantearse veranear en la costa andaluza.



16º) Rubén Darío se enamoró de Paca y yo de Irene Escolá. Pero no de esta película...



17º) Cuerda vuelve a enloquecer con una comedia interpretada por todo el cine español a la vez.



18ª) Película perfecta. No me esperaba algo tan gigante de un cineasta con una filmografía tan discutible como Francoise Ozon.



19º) Comedia sobre adultos con síndrome de Peter Pan que vuela muy poquito



20º) Una película chilena que emociona y hace pensar sobre el cuidado de nuestros padres.


Las cimas de Malick

Vida oculta entra dentro de la filmografía de Malick con una estructura narrativa y no solo lírica. El cineasta norteamericano llevaba cuatros películas seguidas confiado en que la conexión poética fuese suficiente para guiar el espectador. Knight of cups, To the Wonder, Song to song y Voyage of time han puesto a prueba a sus seguidores con sinfonías de indudable belleza y compleja traducción. Ahora ha decidido optar por una historia real formidable.



En estas nuevas tres horas de película se encuentra lo más cercano a la perfección que he visto en Terrence Malick... Y también las redundancias que me han alejado siempre de la emoción del autor por lo que filma una y otra vez. Coincido plenamente en lo que dice Boyero, aunque entiendo quien le perdone todo ante las cima que el director pretende alcanzar en cada proyecto.



La banda sonora de James Newton Howard recuerda mucho a la que compuso para El bosque, pero no por eso deja de ser impresionante en su conjunción con las fascinantes imágenes. La interpretación y los monólogos en off extraídos de las cartas reales entre marido y mujer son extraordinarios.

Vida oculta tiene momentos de sopor, en mi opinión casi una hora, y dos horas de verdadera plegaria a Dios. Una oración conmovedora y sencilla como pocas veces se ha visto en el cine de manos de Bresson, Tarkovsky, Dreyer, Gibson o Beuvois.

Calificación: 8´5   



"Judy": Ni rastro de la estrella

Hay poco que defender de este intento de biopic. Ni siquiera a Renée Zellweger que hace su mejor interpretación en décadas, pero su rostro sigue demasiado marcado por sus operaciones estéticas. En su cara queda muy poca vida y naturalidad; a mí por lo menos me resulta imposible olvidarme de la actriz para meterme en el personaje, que en este caso me parece fascinante y muy mal contado. 

Judy Garland fue una niña sin infancia que enamoró al mundo los dos años que se subió a un escenario. Tenía un talento a la altura de sus desgracias, adiciones y carencias afectivas. El director Rupert Gold (Una historia real) y el guionista Tom Edge (Cormoran Strike, The Crown) no transmiten la magia y el glamour de esta gran estrella del cine. Aunque la película tiene un buen arranque, son muy pocos los minutos de grandeza en los diálogos, las situaciones, la planificación o la música. Es un retrato inerte, correcto en el peor sentido de la palabra. 

En los últimos años el cine y la televisión  han ofrecido biopics de mucha más altura como Rocketman, Bohemian Rhapsody, Feud: Bette and Joan Fosse/Verdon. Judy se queda en terreno de nadie: un lugar en el que jamás puede brillar una estrella como Judy Garland

Calificación: 6

La mejor película de animación del año

Es de esas perlas que llega a Netflix y se oculta entre toneladas de relleno, pero los premios anuales han podido rescatarla a tiempo. El premio Annie o el BAFTA a la mejor película de animación del año pueden ayudarle a Sergio Pablos a lograr el Oscar en un año en el que la competencia es asequible (las esperadas Toy Story 4 o Frozen 2 no han demostrado estar a la alturas de sus predecesoras).



El director y guionista de Klaus no es ni mucho menos un primerizo. A sus 50 años ha trabajado en la animación de 17 películas (Nocturna, Tarzán, El jorobado de Notre Damme), y es el creador de la franquicia multimillonaria Gru. Con esta historia navideña llena de humor, ternura y una acidez negra a lo Tim Burton muy acertada, logra la película de animación española más completa de los últimos años. Por animación, guión, música, ritmo, inteligencia y emoción dirigida a pequeños y mayores.

Como buen cine de animación la película acaba con una canción bonita para rematar el agradable sabor de boca que deja esta original historia.

Calificación: 8   





La tecla loca de Taika Waititi

El actor, director y guionista neozelandés llevaba años buscando una historia que le permitiese ordenar toda su locura y caos, y la ha encontrado. Es verdad que Lo que hacemos en las sombras y Thor: Ragnarok tenía apuntes desternillantes, pero las dos acababan saturando con demasiados giros extravagantes. Jojo Rabbit tiene las complejas medida de las grandes sátiras sobre el nazismo: Ser o no ser, El gran dictador, La vida es bella... Es un Malditos bastardos infantil muy original con toques de ternura maravillosos y un ritmazo muy inteligente.

El casting es colosal por todas partes, empezando por todos los niños que dominan la película por completo a los extraordinarios adultos (Scarlett, Taika Waititi, Rebel Wilson, Sam Rockwell). Esta historia te hace disfrutar a carcajada limpia y a la vez te corta la respiración con giros asombrosos. Lo tiene todo, hasta 6 nominaciones a los Óscar. 

Calificación: 8´5   

"1917": ¿Algún voto en contra?

Sucede pocas veces y por eso hay que subrayarlo. Cuando una película pone de acuerdo a crítica y público de todo el planeta, es por algo. 1917 tiene desde hace semanas la etiqueta de gran reserva y creo que nadie se la va a quitar nunca. Por eso me da tanto miedo ver una de estas películas que generan unas expectativas superlativas. Después de verla y dejarla reposar unos días he llegado a la conclusión de que es una gran película, cine bélico renovado del género más revolucionado de las últimas décadas. El plano secuencia es una opción muy costosa de rodar pero de enorme valor para la experiencia del espectador (especialmente en sala y pantalla grande).



La música de Thomas Newman me ha gustado, muy al estilo Zimmer-Nolan en algunos momentos, pero sin dejar de tener sello propio y un tramo final en el que la banda sonora engrandece a la historia. La canción a capela recuerda mucho al memorable final de Senderos de gloria de Kubrick, y me parece muy bien. La fotografía de Roger Deakins es de las que hay que estudiar a fondo para entender lo que el cine está mejorando con los avances técnicos. 

Poner a dos actores protagonistas que no están precisamente en el top ten del cine actual es un riesgo más de la película. Creo que tanto George MacKay (Amanece en Edimburgo) y Dean Charles Champman (Into the Badlands) están muy bien y su rostro expresa una jovialidad muy cercana y natural que hacía falta. Tampoco es que esté nada convencido que otros actores con más carisma hubiesen hecho una película mejor, pero eso es ciencia-ficción.

Lo único que echo en falta un poco en la película es algo más de desarrollo y recorrido de los personajes. Aunque tienen mucha más entidad que los de Dunkerque, la universalidad de sus acciones podría haber sido completada con un psicología más sugerida. Creo que eso haría que la película me emocionase tanto como lo han hecho en los últimos años Gravity, Hasta el último hombre o Roma. Pero digo algo parecido a lo que expresé con Dunkerque: este cine cambiará la historia del séptimo arte.

Los Oscar de este año no lo tienen tan difícil: hay varias películas que merecen los grandes premios, con lo cual hay bastantes opciones defendibles. 

Calificación: 9´5  

Los héroes de Clint Eastwood

Con 89 años Clint Eastwood sabe bien quienes son los verdaderos héroes. Aún recuerdo ese trailer e Banderas de nuestros padres, un prodigio de promoción aunque luego la película no estuviese a la altura.



Richard Jewell vuelve a encumbrar a otro antihéroe, como ya lo hiciese en la reciente e indiferente Mula. La película ha causado uno de esos terremotos en la redes sociales que hacen que uno no dude más de Clint Eastwood , sino de la estupidez de esas campañas y reacciones. La historia que cuenta es verdadera y tiene todos los componentes para entretener a un público amplio. En el reparto hay un casting modélico, empezando por el protagonista Paul Walter Hauser (Cobra Kai, Yo, Tonya) que hace una interpretación muy peligrosa para un actor.

Una vez más en el cine reciente de Clint Eastwood  se echa de menos un esfuerzo mayor en el guion para dar más creatividad y grandeza a los personajes y la historia. El libreto está varios pasos por delante del de Mula y a años luz de 15.17. Tren a París, la peor película del creador de Malpaso. Pero también está lejos de la brillantez de SullyMystic River, Bird, Cartas desde Iwo Jima, Million Dollar Baby, Sin perdón o Un mundo perfecto. El guionista de Richard Jewell es el ciclotímico Billy Ray que entre sus trabajos tiene menos aciertos notables (Capitan Phillips, La sombra del poder) que errores de bulto (El color de la noche, El secreto de una obsesión, Overlord, Terminator: Destino oscuro, Geminis). A la película le falta fuerza e interés en muchas escenas vitales, algo disfrazado por un final con un poco más de emoción y sugerencia.

Tener a Sam Rockwell, Kathy Bates y Jon Hamm en el reparto y darles diálogos tan anodinos es un delito. Tampoco la banda sonora de Arturo Sandoval favorece a la película con una melodía impersonal de principio a fin.

Calificación: 6´5


 

Un Polanski menor y evidente

La historia de Dreyfuss ya ha sido llevada otras veces al cine y ésta no pasará a la historia. Polanski es un maestro y sabe rodar con elegancia, pero hace 8 años que no hace una gran película: Un dios salvaje (2011) El oficial y el espía no acaba de interesar con tanto flashback y tanto personaje que parece que ni siente ni padece. Louis Garrel y Jean Dujardin, dos actores estupendos, sufren en la búsqueda de algo que poder interpretar con escaso éxito porque el guion de Polanski y Robert Harris no les deja muchas posibilidades dramáticas de cierta entidad.

Dicen los que la defienden que es un película más racional que emocional, un argumento que siempre me ha dejado de piedra.

Calificación: 6´5




Manjar navideño

Hace años salí bailando y volando de ver El gran showman. Era Navidad y la película perfecta para celebrarlo con cine. Con la versión de Mujercitas que ha realizado Greta Gerwig (Lady Bird) me ha sucedido algo semejante. Todo es fabuloso en esta película en la que te entran ganas de parar la imagen y quedarte mirando cada fotograma, cada gesto y cada vestuario (Jess Gonchor dudo que no pueda presumir de estatuilla en unas semanas). Delicadeza pura e inteligencia para no sermonear aprovechando lecturas anacrónicas. Extraordinario el trabajo de Saoirse Ronan, Laura Dern, Emma Watson, James Norton...

Sólo se me queda un poco fuera Louis Garrel, que se muestra demasiado serio y envarado. Tampoco me entusiasma, como casi siempre, la música de Alexandre Desplat. Pero el resto es cine brillante, un clásico inmediato de una novela contada mil veces pero que nunca antes se había expresado con esta caligrafía moderna y perdurable.

Calificación: 8´5  

El siglo XXI: La edad de oro del cine español (sigue creciendo)

"Y el cine español ¿está muy mal no?". La primera vez que lo escuché me costó superar el momento, pero como se ha convertido en una pregunta acostumbrada he decidido responder con una lista.

Simplemente incluyo críticas de más de 70 películas gigantes y españolas del siglo XXI que me parece que son motivo suficiente para estar tan orgullosos del cine español como del jamón serrano, el Museo del Prado, Rafa Nadal o la voz de Amaya (la de Mocedades claro) y Ana Belén. Seguro que me faltan títulos sensacionales  que no he podido ver todavía. Pero por ahora creo que la lista es suficientemente llamativa. No incluyo documentales ni cortometrajes, que también darían mucho de qué hablar.

Es evidente que a partir de 2009 el número de obras maestras y películas sobresalientes aumenta a partir de la llegada de Celda 211; un tsunami de autoestima ibérica que ha revolucionado toda la industria.



1º) You are the one (2000) de José Luis Garci

2º) El Bola (2000) de Achero Mañas

3º) Smoking Room (2002) de Roger Gual

4º) La luz prodigiosa (2003) de Miguel Hermoso

5º) Te doy mis ojos (2003) de Icíar Bollaín

6º) Mi vida sin mí (2004) de Isabel Coixet

7º) Héctor (2004) de Gracia Querejeta


8º) El Método (2005) de Marcelo Piñeyro

9º) Volver (2006) de Pedro Almodóvar

10º) Concursante (2007) de Rodrigo Cortés

11º) La vida secreta de las palabras (2007) de Isabel Coixet

12º) El orfanato (2007) de Juan Antonio Bayona



13º) La soledad (2007) de Jaime Rosales

14º) Siete mesas de billar francés (2007) de Gracia Querejeta

15º) Celda 211 (2009) de Daniel Monzón

16º) Héroes (2010) de Pau Freixas

17º) Buried (2010) de Rodrigo Cortés

18º) También la lluvia (2010) de Icíar Bollaín


19º) Todo lo que tú quieras (2010) de Achero Mañas

20º) Todas las canciones hablan de mí (2010) de Jonás Trueba

21º) La noche que no acaba (2010) de Isaki Lacuesta

22º) Eva (2011) de Kike Maíllo

23º) Maktub (2011) de Paco Arango

24º) Extraterrestre (2011) de Nacho Vigalondo

25º) Arrugas (2011) de Ignacio Ferreras

26º) Cinco metros cuadrados (2011) de Max Lemcke

27º) No habrá paz para los malvados (2011) de Enrique Urbizu

28º) Verbo (2011) de Eduardo Chapero-Jackson



29º) Grupo 7 (2012) de Alberto Rodríguez

30º) Lope (2012) de Andrucha Waddington

31º) La cueva (2012) de Alfredo Montero

32º) El artista y la modelo (2012) de Fernando Trueba

33º) El mundo es nuestro (2012) de Alfonso Sánchez

34º) Lo imposible (2012) de Juan Antonio Bayona

35º) Blancanieves (2012) de Pablo Berger


36º) Somos gente honrada (2013) de Alejandro Marzoa

37º) Todas las mujeres (2013) de Mariano Barroso

38º) Un Dios prohibido (2013) de Pablo Moreno

39º) Ilusión (2013) de Dani Castro

40º) Gente en sitios (2013) de Juan Cavestany

41º) Stockholm (2013) de Rodrigo Sorogoyen



42º) 321 días en Michigan (2014) de Enrique García

43º) El Niño (2014) de Daniel Monzón

44º) La isla mínima (2014) de Alberto Rodríguez

45º) El desconocido (2014) de Dani de la Torre

46º) Loreak (2014) de José María Goenaga y Jon Garaño

47º) Truman (2015) de Cesc Gay

48º) La próxima piel (2016) de Isaki Lacuesta


49º) Julieta (2016) de Pedro Almodóvar

50º) Ebro, de la cuna a la batalla (2016) de Román Parrado

51º) Colossal (2016) de Nacho Vigalondo

52º) Un monstruo viene a verme (2016) de Juan Antonio Bayona

53º) La reconquista (2016) de Jonás Trueba

54º) El hombre de las mil caras (2016) de Alberto Rodríguez

55º) La Xirgu (2016) de Silvia Quer



56º) 7 años (2016) de Roger Gual

57º) Madre (2017) de Rodrigo Sorogoyen

58º) Cantábrico (2017) de Joaquín Gutiérrez Hacha

59º) Converso (2017) de David Arratibel

60º) Morir (2017) de Fernando Franco

61º) Verano 1993  (2017) de Carla Simón



62º) La vida y nada más (2017) de Antonio Méndez Esparza

63º) La librería (2017) de Isabel Coixet

64º) Las distancias (2018) de Elena Trapé

65º) Campeones (2018) de Javier Fesser



66º) El Reino (2018) de Rodrigo Sorogoyen

67º) Un día más con vida (2018) de Raúl de la Fuente y Damian Nenow

68º) Entre dos aguas (2018) de Isaki Lacuesta

69º) Mudar la piel (2018) de Ana Schulz y Cristobal Fernández

70º) Todos lo saben (2018) de Asghar Farhadi



71º) Viaje al cuarto de una madre (2018) de Celia Rico

72º) Dolor y gloria (2019) de Pedro Almodóvar

73º) Lo que arde (2019) de Oliver Laxe

74º) Intemperie (2019) de Benito Zambrano

75º) Klaus (2019) de Sergio Pablos

76º) El hoyo (2019) de Galder Gaztelu-Urrutia

El mejor cine de 2019

Un gran año salvado por la campana. El excelente último trimestre ha compensado un año que estaba siendo bastante decepcionante. Puedes recordar y comparar con las listas de lo mejor de 2018, 2017 y 2016. El cine está cambiando mucho pero no deja de sorprender cada año con películas que ganan con el tiempo.



1ª) Parásitos de Bong Joon-ho (9,5)

2ª) Los hermanos Sister de Jacques Audiard (9) 

3ª) Historia de un matrimonio de Noah Baumbach (9)

4ª) El irlandés de Martin Scorsese (9)

5ª) Pájaros de verano de Ciro Guerra (9)

6ª) Mujercitas de Greta Gerwig (8´5)


7º) Lo que arde de Oliver Laxe (8´5)

8ª) En buenas manos de Jeanne Harre (8´5)

9ª) Los miserables de Ladj Ly (8,5)

10ª) Le Mans´ 66 de James Mangold (8´5)

11ª) Puñales por la espalda de Rian Johnson (8´5)




12ª) Dolor y gloria de Pedro Almodóvar (8´5)

13ª) El traidor de Marco Bellochio (8´5)

14ª) Gracias a Dios de François Ozon (8) 

15ª) Joker de Todd Phillips (8)

16ª) Día de lluvia en Nueva York de Woody Allen (8)




18ª) Rocketman de Dexter Fletcher (8)

18ª) Ad Astra de James Gray (8)

19ª) Intemperie de Benito Zambrano (8)

20ª) La luz de mi vida de Casey Affleck (8)

21ª) La verdad de Hirokazu Koreeda (8)


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