Festival de San Sebastián 2021: El regreso

Llevaba mucho tiempo sin escribir... aquí. El pluriempleo me ha llevado lejos de esta aldeiña a la que pretendo volver, al menos de vez en cuando. Aunque podéis verme con mucha más frecuencia en Aceprensa, Fila Siete e iCmedia, quiero utilizar esta trinchera para hacer una breve memoria del Festival de Cine de San Sebastián que terminó hace unos días. Las 31 películas que he visto con mis opiniones de cada una en vídeocrítica. Luego podéis comparar esta edición con las anteriores en que hice el mismo recuento: 2019, 2018, 2017 y 2016. También os dejo un resumen del festival en apenas 5 minutos. 

1ª) Quién lo impide de Jonás Trueba (9): Iluminar una generación

2ª) Maixabel de Icíar Bollaín (8): Las cenizas de ETA.

3ª) Mass de Fran Kranz (8): La redención de lo imperdonable.

4ª) Drive my car de Ryûsuke Hamaguchi (8): El taxi de Chejov. 

5ª) La ruleta de la fortuna y la fantasía de Ryûsuke Hamaguchi (8): Imaginar un relato. 

6ª) Un amor intranquilo de Joachim Lafosse (8): Las tinieblas de la bipolaridad. 

7ª) El poder del perro de Jane Campion (8): Un Oscar para Benedict Cumberbatch.

8ª) Los ojos de Tammy Faye de Michael Showalter (7´5): Premiable Jessica Chastain.

9ª) Arthur Rambo de Laurent Cantet (7): Un golazo que no fue.

10ª) Todo ha ido bien de François Ozon (7): La luz de Sophie Marceau.

11ª) Competencia oficial de Gastón Duprot y Mariano Cohn (7): Frivolidad y ácido argentino. 

12ª) En un muelle de Normandía de Emmanuel Carrère (6´5): El viaje imprevisible de una musa.

13ª) Un segundo de Zhang Yimou (6): Instantánea perecedera de un maestro.

14ª) Mediterráneo de Marcel Barrena (6): Una historia para enfocar.  

15ª) Las ilusiones perdidas de Xavier Giannoli (6): Barroco Balzac.

 16ª) Undercover de Thierry de Peretti (6): Caligrafía mediana para un relato mayor.  

17ª) Quiero hablar de Marguerite Duras de Claire Simon (6): Mi querida demiurga.

18ª) El buen patrón de Fernando León de Aranoa (5): Una sátira imposible desde la militancia.

19ª) Red Rocket de Sean Baker (5): Con maquillaje no basta.  

20ª) La abuela de Paco Plaza (5):  A ningún parte, en ningún lado.

21ª) Benediction de Terence Davies (5): El tedio elegante y habitual de un director admirado.

22ª) La hija de Manuel Martín Cuenca (5): Dos ninis en un terror inverosímil. 

23ª) As in heaven de Tea Lindeburg (5): Muy lejos de Dreyer y Bergman.

24ª) Josefina de Javier Marco (5): La elipsis como veneno. 

 25ª) La crónica francesa (del Liberty...) de Wes Anderson (5): Ocurrencias y bostezos

26ª) Petite Maman de Celine Siamma (5): Una infancia adulta por descifrar.

27ª) Fue la mano de Dios de Paolo Sorrentino (5): Un director enamorado de sí mismo.

28ª) Érase una vez en Euskadi de Manu Gómez (5): Fuera de juego permanente.

29ª) Are you lonesome tonight? de Shipei Wen (5): Atrevido caos.

30ª) Camila saldrá esta noche de Inés María Barrionuevo (4): Irritante panfleto. 

31ª) Titane de Julia Ducournau (2): La Palma de Oro en Cannes más ofensiva. 

Top 20 de Vídeocríticas (actualizado 17.03.2021)

Hace unos años me aconsejaron hacer vídeocríticas cuando fuese a festivales de cine. Así lo he hecho en Málaga y San Sebastián. Estas son las 20 más vistas:

1º) Lo ví en el Festival de Málaga 2017 y quedé conmocionado. Luego ganaría todos los premios posible menos el Oscar. Ellos se lo pierden.



2º) La mejor película del siglo XXI. No me cansaré de decirlo.



3º) Bayona recordando al mejor Spielberg.



4º) Los mundos únicos de Vigalondo...



5º) Ópera prima francesa excelente con un niño protagonista deslumbrante.



6º) Fernando León de Aranoa desconocido en una historia que nos han contado mucho mejor demasiadas veces.

7º) Un gigante que no me impresionó tanto como la pequeña Loreak, la bellísima opera prima de Jon Garaño y José Mari Goenaga.



8º) Acierto pleno de Nakache y Toledano. Una gran historia que conmueve, divierte y hace pensar.



9º) Oliver Laxe merece todos los premios y elogios que recibe en Cannes. El regreso a su Galicia natal es maravilloso.

10º) Entre la comedia y el documental, Selfie cuenta la historia de un niño bien, hijo de un político corrupto.



11º) Lo asombroso es que Koreeda haya tardado tanto en ganar un premio grande como la Palma de Oro en Cannes.

12º) Simpática y respetuosa comedia con un reparto en el que destaca Gloria Muñoz.



13º) Pawel, como su amigo Cuarón, también rueda en blanco y negro



14º) Unamuno en Salamanca y la guerra civil española según Amenábar...



15º) Un documental para replantearse veranear en la costa andaluza.



16º) Rubén Darío se enamoró de Paca y yo de Irene Escolá. Pero no de esta película...



17º) Cuerda vuelve a enloquecer con una comedia interpretada por todo el cine español a la vez.



18ª) La moda te puede matar... Una película muy distinta a todas las demás.  

19ª) Película perfecta. No me esperaba algo tan gigante de un cineasta con una filmografía tan discutible como Francoise Ozon.



20º) Las sectas y el cine "de pose" están por todas partes.  

 

"Las niñas": Bienvenida Pilar Palomero

Otro directora española que debuta a lo grande. Su película podía ser un retrato mortecino y previsible, plagado de lugares comunes sobre la adolescencia en un colegio de monjas en los años 90. Pero este relato que bebe de experiencias personales tiene vida y talento propio. El reparto de niñas es un prodigio tras otro, al igual que un guion delicado que llega al fondo de una época, de una vida en busca de significado. 

Su directora y guionista, Pilar Palomero, nació en 1980 en Zaragoza. Después de 6 años dedicados a la realización de cortometrajes y un documental, con Las niñas ha ganado casi todos los premios grandes en los Goya, los Premios Feroz y el Festival de Málaga. En su cine se ven rastros de Erice y de Saura, con ecos más recientes de Zambrano o Rosales, de ese silencio y esa mirada que permite al espectador construir una realidad que no puede verse a simple vista. 

Calificación: 8´5   

"Fariña": el sello de Galicia

Llegó después de Narcos, cuando no parecía el mejor momento para hacer una serie sobre narcotráfico. Fariña podía haber galleguizado a Pablo Escobar y eso hubiese sido terrible. Como bien grita Sito Miñanco en un momento de la serie: "Esto no es Colombia. Esto es Galicia. ¡Aquí, chove!". Ramón Campos nunca ha llegado tan lejos como con Fariña, y eso que ha producido y dirigido más que casi nadie en España. Pero Fariña tiene un nivel único en ritmo, guion, personajes, planificación, música, reparto o fotografía.

De las imprescindibles. 

Clasificación: 8´5 

La peor docuserie de la historia de la televisión y la vergüenza ajena

Lograr un 2,4 en Filmaffinity no lo consigue cualquiera. Hay que ser muy especial, atreverse a llegar muy lejos, perder sin ningún pudor cualquier atisbo de acierto. El corazón de Sergio Ramos es un monumento a la horterada. Minutos eternos de músculo, tatuajes y voz en off de un guion rendido ante el laureado central del Real Madrid. El mito carece de humanidad y una mínima empatía con un retrato hueco y devoto, una visión galáctica del astro que envenena una muy torpe edición. 

La docuserie se empeña en seguir a Ramos en uno de los peores años del Real Madrid de las últimas décadas. Ahí se pierde la historia y la leyenda de un jugador que lo ha ganado todo en un deporte tan exigente y popular como el fútbol. Pero no hay magia ni verdad, sólo artificio en escenas cotidianas del jugador que serían ridículas hasta para publicar en Instagram. 

Cuando hace unos meses se estrenó El último baile, hubo comentarios que infravaloraban la serie. "Con Michael Jordan es imposible no hacer una docuserie espectacular". Nada más lejos de la realidad. El batacazo puede ser imperdonable si se piensa de esa manera. Sólo hace falta ver esta docuserie de Sergio Ramos. Lo mejor que le puede suceder es que apenas se hable de ella.   

Calificación: 2,5

Olvidado Neville

La vida en un hilo tiene la magia en los diálogos de los más grandes guionistas y directores. La comedia inteligente de Edgar Neville recuerda a Wilder, Sturges o Lubitsch, con el encanto nacional de Jardiel Poncela o Mihura. El humor de esta cortísima y divertida película es sofisticado e intemporal. Una historia sobre el destino, las expectativas, la rutina y la imaginación. El amor debe sorprender si quiere seguir siendo amor, y al cine le sucede lo mismo. Por eso esta película romántica se mantiene moderna e inalterable en el tiempo, con una historia tan universal como arraigada en su tierra y su tiempo.

La descubrí en Flixolé; una plataforma que no deja de crecer y que tiene una selección imponente de uno de los mejores cineastas españoles de todos los tiempos (y también uno de los menos valorados). Edgar Neville merece más. Seguiré hablando de él en las próximas semanas.

Calificación: 9  

Sorkin y el séptimo de caballería

En un tiempo de vacas flacas, la película que Aaron Sorkin acaba de estrenar en Netflix es de los estrenos más destacados de los últimos meses. Con un principio y un final muy acertados, el guionista de El ala oeste de la Casa Blanca ha dirigido y escrito una historia muy americana evitando algunos vicios habituales en sus películas. Hay menos monólogo verborreico y un ritmo más estable en algo más de dos horas de metraje. No faltan subrayados ideológicos evidentes, pero también hay contrastes y debate. Y un casting perfecto gracias a un reparto de lujo en el que destacan los hippies Sacha Baron-Cohen y Jeremy Strong (Succession) dentro del grupo de los 7.

No sé si la película llegará a la recta final de los Óscar, pero tiene todo para triunfar en un año en el que van a destacar las restricciones de películas estrenadas, público, glamour, además de las asombrosas normas de la Academia a partir de 2024.   

Calificación: 7´5

"La loba": un clásico perfecto para Bette Davis

Hizo más de 100 películas de todo tipo, algunas deplorables en largas décadas de olvido de la industria. Pero Bette Davis reinó en los años 30 y 40 como muy pocas actrices. Ganó 2 Oscar (Peligrosa, 1936 y Jezabel en 1939), pero podía haber logrado 5 o 6 estatuillas más, una de ellas por La loba. Esta película de William Wyler se estrenó en 1941 y obtuvo 9 nominaciones sin premio, pero han pasado 80 años y sigue siendo un clásico inmortal, con una protagonista perversa y vulnerable que domina una gran historia de avaricia y decadencia. 

Lilian Hellman fue la escritora de la obra de teatro original y su adaptación al cine. Palabras mayores. La calumnia, La jauría humana, Julia... Una escritora excepcional que compone personaje polifacéticos con un detallismo que un gran cineasta como Wyler supo aprovechar. La historia podría haber sido fácilmente fagocitada por el personaje principal, pero hay una docena de secundarios con vida propia que se quedan en la memoria. Encantadora la pareja compuesta por una jovencísima Teresa Wright y Richard Carlson; una historia de amor y humor dentro de un drama telenovelesco elevado a condición de tragedia sobre la corrupción humana.   

Hay películas perfectas y La loba es una de ellas. Al menos no soy capaz de decir algo que se pueda mejorar en este monumento del cine clásico. 

Calificación: 10

"Succession": El heredero del trono no podía ser otro

Terminó Juego de tronos y su dictadura en los últimos Emmy, pero el premio sigue siendo para HBO. En lo bueno y en lo malo. En la calidad de sus argumentos, rodados, interpretados y escritos con talento de masterpiece, pero sin dejar nunca ese tono grosero del que presumen en cada capítulo y cada entrevista. Succession es una serie con muchos aspectos extraordinarios. Desde la intro a sus finales funambulistas. Pero incluso podría ser mejor...

Calificación: 8

El regreso al cine con Nolan

Probablemente coincidan para gran parte del público el regreso al cine con la última película de Nolan. En el panorama veraniego de la taquilla hay un lógico pánico a que la nueva realidad no sea lo suficientemente fiable en una sala cerrada. Pocas distribuidoras se han atrevido, y la más destacada, por ahora, es la Warner, que mantiene el 17 de julio como fecha de estreno internacional. Que un cineasta que genera reacciones tan polarizadas en redes sociales sea el primero en lanzarse a la piscina, no deja de tener su morbo.

Nunca he entendido los que le niegan su personalidad y grandeza a este director tan creativo y espectacular, capaz de hacer maravillas como Memento, El caballero oscuro, Origen o Dunkerke. Que Interestellar no llegase tan alto como podría, no deja de parecerme un intento estratosférico de un cineasta colosal. Tenet vuelve a los trastornos temporales que son marca de la casa. Por ahora el trailer no me ha dejado tan fascinado como en otras promociones anteriores, pero Nolan siempre merece toda la atención. Un buen motivo para volver al cine.

El director y guionista será Christopher Nolan (ésta vez sin su hermano Jonathan) y el compositor será el sueco Ludwig Göransson, muy reconocido por la música de The Mandalorian.  Así que nos quedamos sin el habitual Hans Zimmer. Entre los actores muchas caras nuevas en el universo Nolan, con excepción de Michael Caine. Destaca la presencia en el reparto de Robert Pattison, Kenneth Branagh y John David Washington (Infiltrado en KKKlansman).

John M. Stahl

John M. Stahl es de esos directores invisibles que no suelen aparecer en ningún tipo de listas. Nacido en una familía judía y rusa en el actual Azerbaiyán fue director de más de 30 películas, la mayoría de ellas en Hollywood. Entre sus grandes títulos como cineasta están La usurpadora (1932), Imitación de la vida (1934), Que el cielo la juzgue o Las llaves del reino (ambas de 1945). Protagonizada por Gregory Peck, esta versión de la reconocida novela de A.J. Cronin es todo un clásico. Con un guion inmortal de Nunnally Johnson (Las tres caras de Eva, Las uvas de la ira), la película tiene 5 o 6 grandes personajes dotados de ternura y empatía con el espectador gracias a un casting ejemplar. Gregory Peck es el sacerdote de mirada amable, el sentido común y la audacia de los santos aventureros, pero también está su mejor amigo agnóstico (entrañable Thomas Mitchell), la inicialmente desconfiada Madre María Verónica (Rose Stradner), el altivo Angus Mealey (Vincent Price) o el misterioso terrateniente chino Mr. Pao (Phillip Ahn).

La película obtuvo 4 nominaciones a los Oscar (una para Gregory Peck) y, 75 años después de su estreno, sigue resultando una gran película gracias al diseño de producción, el reparto, la planificación y el sugerente libreto. 

Calificación: 8

Daniel Castro: nuestro Buster Keaton

Le conocí hace 7 años en la mejor edición del Festival de Málaga que recuerdo. Año 2013. Él presentaba una película pequeña y fantástica que había dirigido, producido, interpretado, escrito, cantado y bailado. Se titulaba Ilusión, una obra maestra del humor moderno que se ha vuelto a poner de moda con el confinamiento.

Un western para quedarse

Hay un cine en el que te sientes cómodo. Te gustaría sentarte a hablar con los personajes, comer con ellos, pasar más tiempo que el ajustado metraje. Raíces profundas es un western en el que brilla la  autenticidad de cada detalle: la deliciosa tarta que hace Jean Arthur, la inocencia sencilla de Van Heflin o la mirada nostálgica de Alan Ladd). George Stevens tiene una filmografía impresionante (Gigante, Un lugar en el sol, El diario de Ana Frank), pero probablemente Raíces profundas sea la más perfecta e inmortal. Cada personaje es un tesoro dibujado con detalles mínimos y fácilmente accesibles a todo tipo de públicos.

De esas películas que es casi imposible encontrar errores, y que cada nuevo visionado mejora al anterior.

Calificación: 10

"Rocco y sus hermanos": Esencia de Visconti

Las 3 horas de duración  de Rocco y sus hermanos (1960) son, probablemente las mejores de Luchino Visconti junto con los 186 minutos de El gatopardo (1963). La descripción de una familia que deja el entorno rural para construir una vida nueva en Milán, tiene el detallismo y la sugerencia de las grandes obras del cine. Rocco, interpretado por un primerizo Alain Delon, tiene la vulnerabilidad y el carisma de un personaje imborrable. Al igual que esa Mamma italiana que chilla, abraza y pierde con frecuencia sus nervios desatados. La belleza de la planificación que logra Visconti, hace que su contemplación produzca una verdadera catarsis.

El neorrealismo de la película tiene un esteticismo muy compatible con ese verismo en el vestuario, las localizaciones o la decoración de interiores. La fotografía de Giussepe Rotunno (Los girasoles, All that Jazz, Amarcord) y la música de Nino Rota (El padrino, Romeo y Julieta, Fellini, ocho y medio) muestran el talento desbordante de estos dos grandes maestros del cine italiano. 

Calificación: 9

"Tres idénticos desconocidos": Verdades increíbles

El primer documental de Tim Wardle cuenta una de esas historias reales que parecen diseñadas por el guionista más creativo y original. La vida de estos trillizos tiene un arranque imponente, pero aun más interesante son los giros que acercan al espectador a estos personajes desde una variedad de tonos fascinantes. Tres idénticos desconocidos tiene humor, drama, ciencia, interrogantes y verdad. El director es muy inteligente al dejar algunos puntos suspensivos que casi obligan al espectador a hacerse preguntas y sacar consecuencias. La edición es excelente impulsando la narración con un ritmo admirable. Uno de esos documentales necesarios.

Calificación: 8´5

"El hoyo": El dominio de la metáfora

Aunque hacía meses que llevaba detrás de esta película, finalmente he llegado a verla en un momento en que todo el mundo habla de ella. Esas extrañas coincidencias entre la realidad la ficción y la ficción, han convertido a esta obra tan sorprendente de la Ciencia ficción nacional en un fenómeno viral casi 6 meses después de su aplaudido y premiado estreno en Sitges. Que su estreno en Netflix coincida con el más insólito de los confinamientos, ha dado a El hoyo un imprevisto y luminoso foco de interés en redes sociales.

Con un primer acto sensacional, la película se enfanga en un gore innecesario y demasiado disperso en el segundo, para acabar brillando en el desenlace. Con una economía de medios encomiable, El hoyo es una metáfora en cadena que activa al espectador ofreciéndole una experiencia límite. Como ya sucediese en la infravalorada Verbo, El Quijote de Cervantes vuelve a ser el mejor traductor de un descenso a los abismos del ser humano.

El casting, la dirección de actores y la interpretación hacen posible que la película se mantenga en pie a pesar de innumerables giros y trampas. Algunos se exasperarán ante las múltiples lecturas que propone la película, pero muchos otros quedarán atrapados en sus inteligentes redes. Sin contar nada del argumento -que sería casi delictivo-, El hoyo tiene bastantes conexiones con Parásitos o Ad Astra, pero no llega tan lejos en su recorrido. Y, desde luego, no logra la perfección técnica y conceptual de las obras maestras de la Ciencia ficción contemporánea: Gravity y La llegada. Aun así, El hoyo es una película más que notable, con escenas extraordinarias que asumen riesgos de autor en una opera prima de enorme valor. Un título que merece entrar por la puerta grande en La edad de oro del cine español.

Calificación: 8



    

1962: Bergman contra Berlanga

En la ceremonia de los Oscar de 1962 coincidieron Ingmar Bergman y Luis García Berlanga en el sprint final por el premio a la mejor película extranjera con Como en un espejo y Plácido, respectivamente. El director sueco ya había sido premiado el año anterior por El manantial de la doncella, mientras que Berlanga llevaba la segunda película española a los Oscar (cuatro años antes, Juan Antonio Bardem había sido nominado por La venganza; un premio que finalmente se llevó Jacques Tati por Mi tío)

Hace unos días pude ver la película con la que Bergman ganó Berlanga; un drama intimista y psicológico que conserva esa amargura y soledad que caracterizó la obra del cineasta y dramaturgo de Upsala (Suecia). Destacan la perfección en la composición de los planos, el reparto y la fotografía, pero el guión y el tono han envejecido más que en otras obras maestras del cineasta sueco como Fresas salvajes o Fanny y Alexander.



Calificación: 8

El paso del tiempo ha sentado mejor a Plácido, una comedia navideña muy negra y ácida, pero con una maestría en las escenas corales, los diálogos y el ritmo que sigue siendo admirables. Berlanga no volvió a ser nominado a los Oscar, y el cine español tendría que esperar otras dos décadas hasta que Garci obtuviese la preciada estatuilla por Volver a empezar.

Las cimas de Malick

Vida oculta entra dentro de la filmografía de Malick con una estructura narrativa y no solo lírica. El cineasta norteamericano llevaba cuatros películas seguidas confiado en que la conexión poética fuese suficiente para guiar el espectador. Knight of cups, To the Wonder, Song to song y Voyage of time han puesto a prueba a sus seguidores con sinfonías de indudable belleza y compleja traducción. Ahora ha decidido optar por una historia real formidable.



En estas nuevas tres horas de película se encuentra lo más cercano a la perfección que he visto en Terrence Malick... Y también las redundancias que me han alejado siempre de la emoción del autor por lo que filma una y otra vez. Coincido plenamente en lo que dice Boyero, aunque entiendo quien le perdone todo ante las cima que el director pretende alcanzar en cada proyecto.



La banda sonora de James Newton Howard recuerda mucho a la que compuso para El bosque, pero no por eso deja de ser impresionante en su conjunción con las fascinantes imágenes. La interpretación y los monólogos en off extraídos de las cartas reales entre marido y mujer son extraordinarios.

Vida oculta tiene momentos de sopor, en mi opinión casi una hora, y dos horas de verdadera plegaria a Dios. Una oración conmovedora y sencilla como pocas veces se ha visto en el cine de manos de Bresson, Tarkovsky, Dreyer, Gibson o Beuvois.

Calificación: 8´5   

"Judy": Ni rastro de la estrella

Hay poco que defender de este intento de biopic. Ni siquiera a Renée Zellweger que hace su mejor interpretación en décadas, pero su rostro sigue demasiado marcado por sus operaciones estéticas. En su cara queda muy poca vida y naturalidad; a mí por lo menos me resulta imposible olvidarme de la actriz para meterme en el personaje, que en este caso me parece fascinante y muy mal contado. 

Judy Garland fue una niña sin infancia que enamoró al mundo los dos años que se subió a un escenario. Tenía un talento a la altura de sus desgracias, adiciones y carencias afectivas. El director Rupert Gold (Una historia real) y el guionista Tom Edge (Cormoran Strike, The Crown) no transmiten la magia y el glamour de esta gran estrella del cine. Aunque la película tiene un buen arranque, son muy pocos los minutos de grandeza en los diálogos, las situaciones, la planificación o la música. Es un retrato inerte, correcto en el peor sentido de la palabra. 

En los últimos años el cine y la televisión  han ofrecido biopics de mucha más altura como Rocketman, Bohemian Rhapsody, Feud: Bette and Joan o Fosse/Verdon. Judy se queda en terreno de nadie: un lugar en el que jamás puede brillar una estrella como Judy Garland. 

Calificación: 6

La mejor película de animación del año

Es de esas perlas que llega a Netflix y se oculta entre toneladas de relleno, pero los premios anuales han podido rescatarla a tiempo. El premio Annie o el BAFTA a la mejor película de animación del año pueden ayudarle a Sergio Pablos a lograr el Oscar en un año en el que la competencia es asequible (las esperadas Toy Story 4 o Frozen 2 no han demostrado estar a la alturas de sus predecesoras).



El director y guionista de Klaus no es ni mucho menos un primerizo. A sus 50 años ha trabajado en la animación de 17 películas (Nocturna, Tarzán, El jorobado de Notre Damme), y es el creador de la franquicia multimillonaria Gru. Con esta historia navideña llena de humor, ternura y una acidez negra a lo Tim Burton muy acertada, logra la película de animación española más completa de los últimos años. Por animación, guión, música, ritmo, inteligencia y emoción dirigida a pequeños y mayores.

Como buen cine de animación la película acaba con una canción bonita para rematar el agradable sabor de boca que deja esta original historia.

Calificación: 8