Steven Soderbergh se pasa de gambarrete y listillo y acaba siendo muy tosco.
Calificación: 5
Varoufakis, tu película
A Costa Gavras no se le puede negar su falta de complejos políticos. Lleva 86 años en la misma lucha.
Calificación: 6
Calificación: 6
En Argentina no se pierde
Un argentino enfadado es peligroso. Ataca sin piedad y sabe bien cómo hacerte daño. Una comedia con sangre y chispa.
Calificación: 7
Calificación: 7
"Hasta siempre hijo mío": El legado de Mao
El director de La bicicleta de Pekín presentó en el el último festival de cine de Berlín su última película (So long, my son), que finalmente obtuvo el premio al mejor actor y a la mejor actriz. 175 minutos que recorren los últimos 40 años de China a través de la historia de dos matrimonios. Las críticas en el festival coincidieron en que se trataba de una película grande. Se acaba de estrenar en la Sección Perlas del Festival de Cine de San Sebastián.
Calificación: 7
Calificación: 7
A Melville no le veo en este botellón
Superior a mis fuerzas, por más que me insistan en que hay un antes y un después en el séptimo arte después de este claustrofobica alucinación.
Calificación: 5
Calificación: 5
"Seberg": un biopic insulso de Jean
Una película tan indiferente y torpe que un par de minutos después de salir de la sala me cuesta mucho recordar un diálogo o un maldito plano.
Calificación: 4
Makoto Shinkai vuela más bajo, pero vuela
El director de Your Name vuelve a hablar de sus temas preferidos en otro espectáculo, menos rotundo, pero luminoso.
Calificación: 7
"Quien a hierro mata": Pasar un límite
Hay muy buen cine en la última película de Paco Plaza (Verónica. REC). En la manera de contar una historia durísima, en la música, el montaje, los actores... Pero también hay una brutalidad desmadrada que hace que la película sea intolerable para muchos estómagos. En el mundo perverso que retrata hay contrastes y matices, aunque siempre asfixiados en una atmósfera cruda y terminal. Es de esas películas que te dejan planos y escenas imborrables junto a la sensación de haber vivido una historia desequilibrada.
No quiero decir mucho más porque la película se decide en los metros finales, en ese cierre de historia que no dejará indiferentes. El thriller español sigue creciendo, aunque me sigo quedando con otros títulos de nuestro cine más indiscutibles. Y siempre preferiré el primer trailer al segundo.
Calificación: 7
No quiero decir mucho más porque la película se decide en los metros finales, en ese cierre de historia que no dejará indiferentes. El thriller español sigue creciendo, aunque me sigo quedando con otros títulos de nuestro cine más indiscutibles. Y siempre preferiré el primer trailer al segundo.
Calificación: 7
No es la peor de Tarantino pero...
Hace 12 años Tarantino hizo su peor película. Una macarrada en dos partes titulada Death Proof que completó Robert Rodríguez con Planet Terror (que era aún peor). Ahora presenta un cuento-homenaje-locura sobre el cine de serie B que tanto le gusta. La historia se apoya de alguna manera en un suceso real: el asesinato de Sharon Tate, actriz y mujer de Roman Polanski, que fue salvajemente apuñalada por la secta diabólica de Charles Manson.
El reparto es inmejorable y la trama es un verdadero caramelo para el creador de Reservoir Dogs, Pulp Fiction o Kill Bill. Sin embargo, esta vez coincido plenamente con Boyero: la película se hace eterna porque no tiene ninguna gracia y dura 165 minutos. No queda nada de esa inyección de adrenalina que era cada una de sus películas. Tan sólo se salvan los 20 minutos finales a los que llego agotado después de ver a gigantes como Brad Pitt, Timothy Olyphant, Di Caprio, Al Pacino o Margott Robbie encarnando a personajes minúsculos con diálogos triviales.
Tampoco la banda sonora genera sorpresas. Muy lejos ha quedado el Tarantino que generaba magia con la aparición de grupos desconocidos que generaban escenas imborrables. En Malditos bastardos o Django desencadenado había excesos pero también genialidades. En Erase una vez en... Hollywood no hay chispa, ni brújula, sino la sensación reconocible que va a costar mucho que Quentin vuelva a ser el Tarantino que fue hace ya un par de décadas.
Calificación: 6
Hacer turismo con Spider-Man tiene que ser más divertido
La primera media hora del nuevo Spiderman ("Lejos de casa") es tan simpática que es una pena que ese tono jovial se pierda a lo largo de la película. Tampoco la acción está a la altura y el villano tiene más actor que personaje. No se aprovecha del todo el viaje turista del superhéroe para explotar el buen humor de Tom Holland, que está mucho mejor cuando aparece en pantalla con Zendaya.
Homecoming me resultó más completa y original. Jon Watts sigue siendo hábil para entretener pero en esta ocasión al guion le falta chispa, trama y secundarios más aprovechados. 129 minutos, ésta vez, resultan demasiado para la historia.
Aún así la película ha funcionado aún mejor en taquilla. Homecoming hizo 880 millones de dolares con un presupuesto de 175, y Lejos de casa ha logrado 1075 con un coste de 160. En cualquier caso las dos se han quedado económicamente muy por encima de la fantástica Spiderman: un nuevo universo (375/90).
Calificación: 6´5
Homecoming me resultó más completa y original. Jon Watts sigue siendo hábil para entretener pero en esta ocasión al guion le falta chispa, trama y secundarios más aprovechados. 129 minutos, ésta vez, resultan demasiado para la historia.
Aún así la película ha funcionado aún mejor en taquilla. Homecoming hizo 880 millones de dolares con un presupuesto de 175, y Lejos de casa ha logrado 1075 con un coste de 160. En cualquier caso las dos se han quedado económicamente muy por encima de la fantástica Spiderman: un nuevo universo (375/90).
Calificación: 6´5
Las lentejuelas de Elton
Muchos han querido comparar este biopic de Elton John con Bohemian Rhapsody, denostando esta magnífica película sobre Freddy Mercury. A mí me encantan las dos porque reflejan el lado oscuro y luminoso, el encanto y el monstruo que hay detrás de cada genio. En Rocketman han querido mostrar de manera explícita lo que te sugiere claramente la película de Bryan Singer. Algunos lo consideran un gran acierto y en mi opinión es el único error importante. Se puede contar una vida tan pasional de una manera mucho menos convencional. Por eso me conmueve el personaje que interpreta Jamie Bell, mientras que el de Richard Madden me deja bastante más indiferente.
El poder del disfraz como elemento simbólico le da mucho juego al director Dexter Fletcher (director de un musical luminoso como pocos titulado Amanece en Edimburgo y una sport movie muy insulsa: Eddie el Águila). En esta película un impresionante Taron Egerton (Kingsman) muestra a un Elton John muy particular y desconocido que disfrazaba su soledad, sus adicciones e insatisfacción vital con vestuarios chillones y coloridos. En torno a la estrella aparecen sus conflictivos padres, los amigos de largo y corto recorrido, y esa corte de sanguijuelas que tiene toda estrella multimillonaria.
Como buen musical las canciones hacen avanzar la historia y los personajes. Echo mucho de menos algunas canciones fundamentales de Elton John en la banda sonora, pero en cambio me sorprendo con la cantidad de melodías fácilmente reconocibles de los primeros años del cantante.
Calificación: 8
El poder del disfraz como elemento simbólico le da mucho juego al director Dexter Fletcher (director de un musical luminoso como pocos titulado Amanece en Edimburgo y una sport movie muy insulsa: Eddie el Águila). En esta película un impresionante Taron Egerton (Kingsman) muestra a un Elton John muy particular y desconocido que disfrazaba su soledad, sus adicciones e insatisfacción vital con vestuarios chillones y coloridos. En torno a la estrella aparecen sus conflictivos padres, los amigos de largo y corto recorrido, y esa corte de sanguijuelas que tiene toda estrella multimillonaria.
Como buen musical las canciones hacen avanzar la historia y los personajes. Echo mucho de menos algunas canciones fundamentales de Elton John en la banda sonora, pero en cambio me sorprendo con la cantidad de melodías fácilmente reconocibles de los primeros años del cantante.
Calificación: 8
"Mesas separadas"; Galaxia en el motel
Delbert Mann venía de dirigir Marty en 1955, película por la que había ganado 4 Oscar importantes: película, director, actor y guion para el mítico Paddy Chayefski. Algunos la infravaloraron por ser una obra demasiado pequeña y televisiva para ser tan galadonada en los grandes premios del cine. Tres años después adapta Mesas separadas, la obra de teatro de Terence Rattigan (El caso Winslow, La versión Browning).
David Niven, Burt Lancaster, Rita Hayworth, Deborah Kerr, Wendy Hiller, Gladys Cooper y Rod Taylor componen un reparto estelar que interpreta a un grupo muy heterogéneo que convive en un pequeño hotel. Delbert Mann demuestra que no es un director menor con una planificación excelente en el que la cámara se desliza lentamente salvando las evidentes dificultades de rodar un texto tan teatral. El guion de John Gay (Los cuatro jinetes del Apocalipsis, Torpedo) fue muy respetuoso con la delicada y sugerente obra de Rattigan, permitiendo que los personajes reflejasen una gama muy amplia de registros.
David Niven, Burt Lancaster, Rita Hayworth, Deborah Kerr, Wendy Hiller, Gladys Cooper y Rod Taylor componen un reparto estelar que interpreta a un grupo muy heterogéneo que convive en un pequeño hotel. Delbert Mann demuestra que no es un director menor con una planificación excelente en el que la cámara se desliza lentamente salvando las evidentes dificultades de rodar un texto tan teatral. El guion de John Gay (Los cuatro jinetes del Apocalipsis, Torpedo) fue muy respetuoso con la delicada y sugerente obra de Rattigan, permitiendo que los personajes reflejasen una gama muy amplia de registros.
La película obtuvo 7 nominaciones al Óscar y 2 estatuillas para David Niven y Wendy Hiller. Un premio menor para el gran clásico que sigue siendo.
Calificación: 9
Bellísima, necesaria y veraz
Hay mucha vida en esta película francesa. Vida de verdad: de personas que aman, sufren, hacen el ridículo, vuelven a intentarlo, se desesperan, sonríen. Eso que vemos todos los días lejos de la pantalla. En buenas manos trata sobre la adopción y todas las dificultades del protocolo, la educación y la construcción de un hogar estable.
El primerizo Jeanne Harre (hasta ahora había dirigido una película y una serie) obtuvo 7 nominaciones a los premios Cesar por esta película que emociona y abre muchos debates con inteligencia. El reparto está maravilloso al completo, cada uno de ellos tiene personalidad, ternura y vulnerabilidad. A los franceses se les da especialmente bien hacer este tipo de cine en profundidad sobre la educación y la sociedad actual. Ahí están La clase de Lauren Cantet, Hoy empieza todo de Bertrand Tavernier, Polisse de Maïwenn Le Besco, Ganar el viento de Anne-Dauphine Julliand o Custodia compartida de Xavier Legrand.
En buenas manos es un cine necesario además de ser la mejor película actual sobre la adopción y las familias de acogida. Muy superior a esa comedieta boba titulada Familia al instante.
El primerizo Jeanne Harre (hasta ahora había dirigido una película y una serie) obtuvo 7 nominaciones a los premios Cesar por esta película que emociona y abre muchos debates con inteligencia. El reparto está maravilloso al completo, cada uno de ellos tiene personalidad, ternura y vulnerabilidad. A los franceses se les da especialmente bien hacer este tipo de cine en profundidad sobre la educación y la sociedad actual. Ahí están La clase de Lauren Cantet, Hoy empieza todo de Bertrand Tavernier, Polisse de Maïwenn Le Besco, Ganar el viento de Anne-Dauphine Julliand o Custodia compartida de Xavier Legrand.
En buenas manos es un cine necesario además de ser la mejor película actual sobre la adopción y las familias de acogida. Muy superior a esa comedieta boba titulada Familia al instante.
Calificación: 8´5
Una nueva era
Después de pasarnos décadas atados al mismo tipo de comedias televisivas parece que el panorama está cambiando en nuestro país. Paquita Salas ya supuso un paso adelante con respecto a series como Gym Tony o La que se avecina. Y en 2019 definitivamente se ha roto la inercia con dos series más que notables: Vota Juan y Justo antes de César. Dejó ahí los links a las reseñas y dos pinceladas de muestra.
Ozon haciendo equlibrios
François Ozon hace equilibrios en la cuerda floja y, en mi opinión, suele caerse. En su cine hay mucho intento de trasgresión que suele acabar en orgía cinematográfica, muchas veces premiada de manera exagerada. En ese grupo están En la casa, Una nueva amiga o El amante doble. Y luego está Frantz, una película pluscuamperfecta en cada detalle.
Gracias a Dios sigue la línea de Spotlight a la hora de mostrar sin ofender una historia de abusos sexuales dentro de la Iglesia Católica. En ambas las víctimas son las principales protagonistas y el relato tiene la humanidad creíble que sólo pueden ofrecer los artistas que perfilan al detalle. La película es muy completa: 137 minutos que interesan y cobran vida en un reparto amplio que afina en cada nota.
El padre de familia numerosa (fantástico Melvil Poupaud) es un personaje fantástico en el que se atisban muchos detalles de grandeza espiritual, de paternidad conmovedora, respeto a la intimidad y a la fama de los sacerdotes ejemplares. No tiene dudas que la mayoría son así y por eso la historia resulta tan medida y respetuosa. También resulta conmovedor esa anciana secretaria del obispo que tiene que escuchar los tremendas heridas de las víctimas. Es una mujer de una bondad expresada en una mirada cercana y unos pocas palabras acertadísimas.
En sus malas formas queda retratado el personaje interpretado por el sensacional Denis Ménochet (Custodia compartida). Un hombre con deseos de venganza que pretende encender el lanzallamas sin diferenciar entre lobos y corderos. Para él todo es la misma fauna y eso queda ridiculizado en una escena paródica muy inteligente.
Calificación: 8
1956-1957: El momento de Kubrick
Stanley Kubrick siempre quiso ser perfecto. El mejor cineasta y el más innovador. Probablemente con Orson Welles nadie haya sido tan ambicioso con el séptimo arte. Creo que eso les llevó a la perdición después de hacer algunas obras maestras incuestionables en sus primeras décadas como creadores profesionales independientes. Recientemente he podido admirar Atraco perfecto (1956) y Senderos de gloria (1957) que Stanley Kubrick rodó de manera consecutiva.
De Atraco perfecto podría hablar horas, pero yo prefiero escucharles... Firmo todo lo que dicen. Cine negro a la altura de las más grandes como La jungla de asfalto, Perdición o El sueño eterno.
Calificación: 9
Senderos de gloria es la mejor película de la casi olvidada Primera Guerra Mundial. El antibelicismo de Kubrick que luego le llevaría a filmar La chaqueta metálica logra aquí una retórica perfecta. Visualmente la película no tiene precio desde la escena del ataque suicida al tramo final, para mí lo más esperanzado que hizo este cineasta algo enloquecido y enormemente cruel en sus retratos del ser humano.
De metraje y ritmo ejemplar la película sigue siendo un monumento que cada década que pasa es más impresionante, más actual e impactante.
Calificación: 10
De Atraco perfecto podría hablar horas, pero yo prefiero escucharles... Firmo todo lo que dicen. Cine negro a la altura de las más grandes como La jungla de asfalto, Perdición o El sueño eterno.
Calificación: 9
Senderos de gloria es la mejor película de la casi olvidada Primera Guerra Mundial. El antibelicismo de Kubrick que luego le llevaría a filmar La chaqueta metálica logra aquí una retórica perfecta. Visualmente la película no tiene precio desde la escena del ataque suicida al tramo final, para mí lo más esperanzado que hizo este cineasta algo enloquecido y enormemente cruel en sus retratos del ser humano.
De metraje y ritmo ejemplar la película sigue siendo un monumento que cada década que pasa es más impresionante, más actual e impactante.
Calificación: 10
Contar sin definir
El actor australiano Joel Edgerton (Sidney, 1974) tuvo un gran comienzo de su carrera como director. En su opera prima, El regalo (2015), él lo era todo: guionista, actor, director y productor. La película era una thriller original con personalidad e interés. Identidad robada es un film muy distinto. Una historia basada en una novela que relatas sucesos reales fácilmente impactantes con tres actores de inmensa categoría (Lucas Hedges, Nicole Kidman y Russell Crowe) junto a Joel Edgerton y al también actor-director Xavier Dolan.
La calidad de las interpretaciones y la canción original que fue nominada a los Globos de Oro no logran mantener una historia contada con muy poco talento en la planificación y el diseño de personajes. Edgerton no define con precisión un problema y unos personajes que deberían sugerir complejidad, dudas, recorrido... Ni las creencias religiosas de los padres, ni la homosexualidad del hijo y mucho menos los métodos educativos del líder de esa peculiar escuela son presentados con los matices imprescindibles que aportan veracidad a un relato.
Los subrayados maniqueos son constantes y sorprende la ligereza con la que el director muestra un intento de violación como si fuese algo asumible y natural en las relaciones homosexuales de iniciación.
Calificación: 5´5
La calidad de las interpretaciones y la canción original que fue nominada a los Globos de Oro no logran mantener una historia contada con muy poco talento en la planificación y el diseño de personajes. Edgerton no define con precisión un problema y unos personajes que deberían sugerir complejidad, dudas, recorrido... Ni las creencias religiosas de los padres, ni la homosexualidad del hijo y mucho menos los métodos educativos del líder de esa peculiar escuela son presentados con los matices imprescindibles que aportan veracidad a un relato.
Los subrayados maniqueos son constantes y sorprende la ligereza con la que el director muestra un intento de violación como si fuese algo asumible y natural en las relaciones homosexuales de iniciación.
Calificación: 5´5
Si le llaman "Dumbito"...
El personaje de Colin Farrell utiliza el dichoso diminutivo para referirse al pequeño elefante volador en la última película de Tim Burton. Supongo que será una cuestión de doblaje, pero sirve para definir este "remake" insignificante de uno de los mayores clásicos de Disney.
El loco cineasta que creó mundos maravillosos en Bitelchus, Mars Attack, Batman, Charlie y la fábrica de chocolate, Ed Wood, Big Fish o Eduardo Manostijeras lleva mucho tiempo haciendo películas sin alma. Maldito el día en que ganó tantísimo dinero con una versión gélida de la grandísima novela de fantasía de Lewis Carroll: Alicia en el país de las maravillas (2010). Con una taquilla internacional de 1025 millones de dólares, Disney activó su maquinaria para trasladar a imagen real sus clásicos de dibujos animados. Algunas veces esa traslación tenía vida propia y razón de ser: Maléfica de Robert Stromberg (2014), El libro de la selva de Jon Favreau (2016).
El nuevo Dumbo es un entretenimiento perecedero, muy lejos de la imaginativa película original de 1941 dirigida por Ben Sharpsteen (director también de otras dos maravillas de Disney como Pinocho y Fantasía). Tim Burton sabe rodar con oficio y arte la vida de un circo pero hay muy poquita magia en el guion del mediocre Ehren Kruger (escritor de la saga Transformers, Gosth in the shell, La llave del mal, El secreto de los Hermanos Grimm). Los personajes interesan muy poco a pesar de tener actores tan fiables y burtonianos en el reparto como Michael Keaton, Danny De Vito o Eva Green. En el caso de los personajes infantiles el error también está en el casting (qué tiempos aquellos en los que Tim Burton descubría actores brillantes como Freddie Highmore o Winona Ryder).
Aún así Dumbo es un paso adelante con respecto a las últimas y somníferas películas del director : El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares, Big Eyes y Sombras tenebrosas. Por ahora en taquilla ya casi ha recuperado en una semana los 170 millones que ha costado la película, pero dudo que sea una éxito económico a la altura de Alicia o El libro de la selva.
Disney ya tiene preparadas la temible versión de Aladdin de Guy Ritchie y la esperada actualización de El Rey León de Jon Favreau. Y Tim Burton reaparecerá en 2020 con la secuela de la espléndida Bitelchús (1988), su primer gran éxito y uno de los títulos favoritos por su ejército de incondicionales.
Calificación: 6
El loco cineasta que creó mundos maravillosos en Bitelchus, Mars Attack, Batman, Charlie y la fábrica de chocolate, Ed Wood, Big Fish o Eduardo Manostijeras lleva mucho tiempo haciendo películas sin alma. Maldito el día en que ganó tantísimo dinero con una versión gélida de la grandísima novela de fantasía de Lewis Carroll: Alicia en el país de las maravillas (2010). Con una taquilla internacional de 1025 millones de dólares, Disney activó su maquinaria para trasladar a imagen real sus clásicos de dibujos animados. Algunas veces esa traslación tenía vida propia y razón de ser: Maléfica de Robert Stromberg (2014), El libro de la selva de Jon Favreau (2016).
El nuevo Dumbo es un entretenimiento perecedero, muy lejos de la imaginativa película original de 1941 dirigida por Ben Sharpsteen (director también de otras dos maravillas de Disney como Pinocho y Fantasía). Tim Burton sabe rodar con oficio y arte la vida de un circo pero hay muy poquita magia en el guion del mediocre Ehren Kruger (escritor de la saga Transformers, Gosth in the shell, La llave del mal, El secreto de los Hermanos Grimm). Los personajes interesan muy poco a pesar de tener actores tan fiables y burtonianos en el reparto como Michael Keaton, Danny De Vito o Eva Green. En el caso de los personajes infantiles el error también está en el casting (qué tiempos aquellos en los que Tim Burton descubría actores brillantes como Freddie Highmore o Winona Ryder).
Aún así Dumbo es un paso adelante con respecto a las últimas y somníferas películas del director : El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares, Big Eyes y Sombras tenebrosas. Por ahora en taquilla ya casi ha recuperado en una semana los 170 millones que ha costado la película, pero dudo que sea una éxito económico a la altura de Alicia o El libro de la selva.
Disney ya tiene preparadas la temible versión de Aladdin de Guy Ritchie y la esperada actualización de El Rey León de Jon Favreau. Y Tim Burton reaparecerá en 2020 con la secuela de la espléndida Bitelchús (1988), su primer gran éxito y uno de los títulos favoritos por su ejército de incondicionales.
Calificación: 6
Almodóvar en sus mejores momentos
Julieta fue un paso adelante, quizás Dolor y gloria sea una consolidación. Se ha dicho mucho de esta película y prácticamente todo en el mismo sentido. Hay motivos para alabar este drama con tintes autobiográficos y algo de humor que se acerca al mundo de los recuerdos que ya vimos en la sensacional Volver.
Antonio Banderas hace uno de los mejores personajes de su filmografía. Es el alter ego del director y realiza una interpretación que se sale de su estilo habitual con una expresión delicada y casi imperceptible, la de un personaje que "sabe mirar y escuchar" como reconoce el director manchego. Banderas es uno de los actores más simpáticos de este país y un talento incuestionable para el musical y el cine de acción. Pero ahora que todo el mundo habla de que durante muchos años se le ha tratado injustamente en los medios y que no se le ha perdonado su éxito pionero en Hollywood, hay que recordar que sus elecciones en muchos casos no han sido buenas.
Ánimo a repasar la filmografía completa de este actorazo: 97 títulos entre series y películas. Hay buenas películas pero también hay cine y televisión de muy poca calidad, en todos los géneros y en todas las latitudes. Por volver a Almodóvar con quién ha rodado 8 películas: con él ha protagonizado dos de sus mejores películas (Mujeres al borde de un ataque de nervios y Dolor y gloria) y algunos de sus filmes más fallidos (La piel que habito, Los amantes pasajeros, Matador).
En el reparto de Dolor y gloria brillan todos y brillan mucho. Las mujeres y los hombres: Julieta Serrano, Leonardo Sbaraglia, Raúl Arévalo, Penélope Cruz, Asier Etxendía. Hay personajes con desarrollo y personalidad en un mundo almodovariano mostrado con una cierta medida que se echa de menos en otras películas. También hay algunas reiteraciones (tantas escenas de inyección de droga acaba cansando) y subtramas que podían dar haberse desarrollado más y mejor (el descubrimiento del cine en la infancia, por ejemplo).
La banda sonora, una de los aciertos más habituales del cine de Almodóvar, aquí destaca por su capacidad de recrear momentos del pasado con una claridad meridiana.
A Dolor y gloria le queda mucho para que le empiecen a premiar, pero no tengo duda que le van a llover todo tipo de galardones al máximo nivel dentro y fuera de España. Tiempo al tiempo.
Calificación: 8´5
Antonio Banderas hace uno de los mejores personajes de su filmografía. Es el alter ego del director y realiza una interpretación que se sale de su estilo habitual con una expresión delicada y casi imperceptible, la de un personaje que "sabe mirar y escuchar" como reconoce el director manchego. Banderas es uno de los actores más simpáticos de este país y un talento incuestionable para el musical y el cine de acción. Pero ahora que todo el mundo habla de que durante muchos años se le ha tratado injustamente en los medios y que no se le ha perdonado su éxito pionero en Hollywood, hay que recordar que sus elecciones en muchos casos no han sido buenas.
Ánimo a repasar la filmografía completa de este actorazo: 97 títulos entre series y películas. Hay buenas películas pero también hay cine y televisión de muy poca calidad, en todos los géneros y en todas las latitudes. Por volver a Almodóvar con quién ha rodado 8 películas: con él ha protagonizado dos de sus mejores películas (Mujeres al borde de un ataque de nervios y Dolor y gloria) y algunos de sus filmes más fallidos (La piel que habito, Los amantes pasajeros, Matador).
En el reparto de Dolor y gloria brillan todos y brillan mucho. Las mujeres y los hombres: Julieta Serrano, Leonardo Sbaraglia, Raúl Arévalo, Penélope Cruz, Asier Etxendía. Hay personajes con desarrollo y personalidad en un mundo almodovariano mostrado con una cierta medida que se echa de menos en otras películas. También hay algunas reiteraciones (tantas escenas de inyección de droga acaba cansando) y subtramas que podían dar haberse desarrollado más y mejor (el descubrimiento del cine en la infancia, por ejemplo).
La banda sonora, una de los aciertos más habituales del cine de Almodóvar, aquí destaca por su capacidad de recrear momentos del pasado con una claridad meridiana.
A Dolor y gloria le queda mucho para que le empiecen a premiar, pero no tengo duda que le van a llover todo tipo de galardones al máximo nivel dentro y fuera de España. Tiempo al tiempo.
Calificación: 8´5
"El diablo dijo no": picaresca de Lubitsch y Raphaelson
Samuel Raphaelson fue uno de los grandes guionistas que trabajaron bajo el mando del maestro Ernst Lubitsch. Juntos realizaron comedias de un humor elegante y divertidísimo como Un ladrón en la alcoba, Ángel, El bazar de las sorpresas o El diablo dijo no (1943).
El protagonista es un casanova encantador interpretado por Don Ameche, un seductor imperdonable que nada más morir se encuentra con el diablo a las puertas del infierno. Toda esa primera parte es sensacional con un tempo y un estilo visual brillantísimo. La película casi alcanza las dos horas con un ritmo que nunca decae gracias a los innumerables diálogos desbordantes de ingenio y sutileza.
El personaje de Gene Tierney es tan encantadora y arpía como su amante caradura. Pero más allá de la pareja protagonista hay una decena de secundarios que genera constantes golpes de humor inmortales.
Una genialidad de arriba a abajo que no se suele incluir entre las obras maestras de Lubistch.
Calificación: 9
El protagonista es un casanova encantador interpretado por Don Ameche, un seductor imperdonable que nada más morir se encuentra con el diablo a las puertas del infierno. Toda esa primera parte es sensacional con un tempo y un estilo visual brillantísimo. La película casi alcanza las dos horas con un ritmo que nunca decae gracias a los innumerables diálogos desbordantes de ingenio y sutileza.
El personaje de Gene Tierney es tan encantadora y arpía como su amante caradura. Pero más allá de la pareja protagonista hay una decena de secundarios que genera constantes golpes de humor inmortales.
Una genialidad de arriba a abajo que no se suele incluir entre las obras maestras de Lubistch.
Calificación: 9
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