El matrimonio Butler compone uno de los grupos de musica indie rock más atractivos del momento. Estos canadienses acudieron a dos grandes revelaciones del cine del siglo XXI para dar vida a su música en un videoclip presentado en el You Tube Music Award de hace unos años.
Ella es Greta Gerwig, musa del gran Noah Baumbach en películas como Francesc Ha y Mistress America. Él es Spike Jonze, el director creativo e irregular de películas como Dónde viven los monstruos, Her o Anomalisa. El resultado es brillante y muy original.
"Florence Foster Jenkins"; Meryl, hazme reír
Hace demasiadas películas que no me entusiasmo con Meryl Streep. Y más aún que no me río con ella. En el próximo Festival de San Sebastian estrena su última película dirigida por Stephen Frears, un gran director en un momento incierto. Todo apunta a que será un divertimento elegante y efectivo, muy necesario en medio de un Festival de Cine.
El cuarteto dorado de Gracia Querejeta
Llevo años esperando que vuelva la Gracia Querejeta que me deslumbró con Héctor y Siete mesas de billar francés. Incluso me conformo con la calidad de otras dos películas, que aunque están un peldaño por debajo, son títulos grandes de nuestro cine: El último viaje de Robert Rylands y Cuando vuelvas a mi lado.
En su cine había mucho arte en el guión, la interpretación, las dobles lecturas de cada una de las tramas. Pero ahora todo lo que cuenta me resulta artificial, sentimentaloide y muy banal. En 15 años y un día, y en Felices 140 están sus temas de siempre, pero tratados de manera simplista. Aún le queda mucho por hacer. Seguro. Es una de las grandes directoras del cine español.
En su cine había mucho arte en el guión, la interpretación, las dobles lecturas de cada una de las tramas. Pero ahora todo lo que cuenta me resulta artificial, sentimentaloide y muy banal. En 15 años y un día, y en Felices 140 están sus temas de siempre, pero tratados de manera simplista. Aún le queda mucho por hacer. Seguro. Es una de las grandes directoras del cine español.
"Volver": Don Pedro de la Mancha
Quienes tenemos familia manchega entendemos esta película de Almodóvar de una manera especial. Con un toque de magia y fantasía, la historia de es mujer joven que quiere recuperar sus raíces después de una experiencia traumática tiene humor, grandes personajes y un elenco de actrices insuperable.
También están los temas de siempre de Almodóvar, que personalmente me agotan un poco por su insistencia y obsesividad enfermiza, pero en esta película hay más alma, más humanidad y menos collage. Y cuando Almodóvar controla que la estética no se lleve por delante toda la credibilidad y profundidad de sus personajes, no sólo emite sino que transmite.
Penélope Cruz y Carmen Maura son dos de las principales musas del manchego y las dos dan a sus personaje una sinceridad salvaje y emotiva que hacen que la película resulte creíble a pesar de moverse habitualmente en diálogos y situaciones extravagantes y exageradas.
Volver además cuenta con la presencia de Blanca Portillo y Antonio de la Torre, en uno de sus primeros trabajos reconocidos en cine, una estupenda Lola Dueñas y la sempiterna Chus Lampreave. Y esa canción de Gardel que da con el tono del drama castizo y pasional que necesitaba la película.
Calificación: 8´5
También están los temas de siempre de Almodóvar, que personalmente me agotan un poco por su insistencia y obsesividad enfermiza, pero en esta película hay más alma, más humanidad y menos collage. Y cuando Almodóvar controla que la estética no se lleve por delante toda la credibilidad y profundidad de sus personajes, no sólo emite sino que transmite.
Penélope Cruz y Carmen Maura son dos de las principales musas del manchego y las dos dan a sus personaje una sinceridad salvaje y emotiva que hacen que la película resulte creíble a pesar de moverse habitualmente en diálogos y situaciones extravagantes y exageradas.
Volver además cuenta con la presencia de Blanca Portillo y Antonio de la Torre, en uno de sus primeros trabajos reconocidos en cine, una estupenda Lola Dueñas y la sempiterna Chus Lampreave. Y esa canción de Gardel que da con el tono del drama castizo y pasional que necesitaba la película.
Calificación: 8´5
"321 días en Michigan": Sin rutina en la cárcel
Desde la elección del título, 321 días en Michigan está llena de aciertos y sorpresas. Nada es lo que parece en los primeros minutos de la película. Ni Antonio va a hacer un Master empresarial a Michigan de un año de duración, ni las fotos que va colgar en su blog serán verdaderas. Pero eso es lo que creen sus amigos que van a despedirle al aeropuerto. En realidad Antonio ha sido condenado por un delito financiero y tendrá que pasar un año en una cárcel malagueña, a pocos kilómetros de su casa lujosa y su guapísima mujer. Al entrar en la cárcel Antonio ya no es la envidia del barrio, sino “El Pijo”, un joven aseado que tendrá que aprender a ser un preso como los demás.
Esta película de un género tan trillado como el carcelario sorprende por su humanidad, por las diversidad de personajes que se enfrentan de diferentes maneras a la falta de libertad. El andaluz que hablan la mayor parte de ellos da lugar a algunos momentos divertidos y otros entrañables que oxigenan unas vidas marcadas para siempre por un delito. Para lograr esta veracidad el director y coguionista de la película Enrique García dedica más tiempo a la psicología de los personajes que a lo clásicos trapicheos y rebeliones dentro de la cárcel.
Quizás al protagonista le falta, en la interpretación y en sus diálogos, algo más de vulnerabilidad y cercanía con el espectador, pero el resto de personajes están muy bien retratados. El grupo de mujeres coraje es maravilloso, justamente premiado en el último Festival de Málaga. La solidaridad entre ellas es muy espontánea y los diálogos no tienen desperdicio. Destaca especialmente el trabajo inmenso de al primeriza Virginia De Morata que compone un personaje perfecto en el que hay ternura, carácter y pillería. Es una lástima que su relación con el protagonista no esté bien desarrollada: tienen algunas escenas iniciales acertadas pero en seguida se cae la aceleración narrativa y el sexo de anuncio de desodorante (algo parecido a lo que sucedía en los rutinarios flash-back de Celda 211).
El cuidado de las tramas secundarias es lo que hace de esta opera prima una película imponente y madura. El delincuente que bajo la apariencia de salvaje esconde una hombre que sueña con ser un buen padre, la chica de discoteca acostumbrada al éxito que tendrá mucho que aprender de mujeres aparentemente fracasadas, el drogadicto que siempre tiene un chiste fácil hasta el día en que ve la muerte cara a cara. La cámara consigue hacerse invisible para que el espectador observe una historia matizada y creíble, que no necesita de tramas trepidantes y estiradas para conectar con el público.
Uno de los compositores españoles de mayor repercusión internacional, Fernando Velázquez (Lope, Los ojos de Julia, Mamá, Lo imposible), se interesó por esta película malagueña al ver Tr3s razones, el cortometraje de Enrique García en el que estaba basada la historia original. Su participación en la película es decisiva, una ayuda inestimable para lograr la emoción necesaria de una historia que se cuenta más con miradas y gestos que con palabras. Es una música minimalista sugerente que sabe aparecer y desaparecer en el momento apropiado, coherente con una película que está perfectamente medida en el timing de las escenas y el ajustado metraje final. La utilización de varias canciones del flamenco más sentido tienen una razón de ser muy clara; favorecer los procesos reducidos y trazar con más exactitud el drama de los personajes.
Si el principio es fascinante, de película de misterio, el plano final y la canción Qué mas da compuesta por Fernando Velázquez y cantada por una de las más grandes Pasión Vega, es una ejemplar manera de terminar la historia.
Esta película de un género tan trillado como el carcelario sorprende por su humanidad, por las diversidad de personajes que se enfrentan de diferentes maneras a la falta de libertad. El andaluz que hablan la mayor parte de ellos da lugar a algunos momentos divertidos y otros entrañables que oxigenan unas vidas marcadas para siempre por un delito. Para lograr esta veracidad el director y coguionista de la película Enrique García dedica más tiempo a la psicología de los personajes que a lo clásicos trapicheos y rebeliones dentro de la cárcel.
Quizás al protagonista le falta, en la interpretación y en sus diálogos, algo más de vulnerabilidad y cercanía con el espectador, pero el resto de personajes están muy bien retratados. El grupo de mujeres coraje es maravilloso, justamente premiado en el último Festival de Málaga. La solidaridad entre ellas es muy espontánea y los diálogos no tienen desperdicio. Destaca especialmente el trabajo inmenso de al primeriza Virginia De Morata que compone un personaje perfecto en el que hay ternura, carácter y pillería. Es una lástima que su relación con el protagonista no esté bien desarrollada: tienen algunas escenas iniciales acertadas pero en seguida se cae la aceleración narrativa y el sexo de anuncio de desodorante (algo parecido a lo que sucedía en los rutinarios flash-back de Celda 211).
El cuidado de las tramas secundarias es lo que hace de esta opera prima una película imponente y madura. El delincuente que bajo la apariencia de salvaje esconde una hombre que sueña con ser un buen padre, la chica de discoteca acostumbrada al éxito que tendrá mucho que aprender de mujeres aparentemente fracasadas, el drogadicto que siempre tiene un chiste fácil hasta el día en que ve la muerte cara a cara. La cámara consigue hacerse invisible para que el espectador observe una historia matizada y creíble, que no necesita de tramas trepidantes y estiradas para conectar con el público.
Uno de los compositores españoles de mayor repercusión internacional, Fernando Velázquez (Lope, Los ojos de Julia, Mamá, Lo imposible), se interesó por esta película malagueña al ver Tr3s razones, el cortometraje de Enrique García en el que estaba basada la historia original. Su participación en la película es decisiva, una ayuda inestimable para lograr la emoción necesaria de una historia que se cuenta más con miradas y gestos que con palabras. Es una música minimalista sugerente que sabe aparecer y desaparecer en el momento apropiado, coherente con una película que está perfectamente medida en el timing de las escenas y el ajustado metraje final. La utilización de varias canciones del flamenco más sentido tienen una razón de ser muy clara; favorecer los procesos reducidos y trazar con más exactitud el drama de los personajes.
Si el principio es fascinante, de película de misterio, el plano final y la canción Qué mas da compuesta por Fernando Velázquez y cantada por una de las más grandes Pasión Vega, es una ejemplar manera de terminar la historia.
Calificación: 8
"La vida secreta de las palabras": Coixet en la cima
Isabel Coixet es desde
hace años una referencia en el cine español. El hueco ya lo tenía hecho con
obras como Cosas que nunca te dije o Mi vida sin mí, pero con La vida secreta de las palabras ha dado
un paso más en la rendición de la crítica y también de la Academia que le concedió
en 2006 cuatro premios Goya (incluidos mejor película y dirección).
La historia no tiene desperdicio y
Coixet se maneja como pocos en las
entretelas del sufrimiento omnipresente en cada uno de sus argumentos. Y por si
fuera poco, aquí también se atreve a alumbrar, abrir una puerta a la esperanza
cinematográfica con un final nada fácil y que a más de un crítico se le habrá
estragado. Ellos se lo pierden.
La edición extra de en dvd de la película tiene numerosos
extras entre los que destaca el largo reportaje Viaje al corazón de la tortura. En este documento
demoledor sobre la práctica de la tortura en el mundo, realizado con el
apoyo del
Centro Internacional de Rehabilitación de Víctimas de la Tortura , Coixet repasa historias tan reales como
increíbles.
Es de agradecer que la directora catalana no pierda la elegancia y
opte por un lenguaje audiovisual basado en pequeños detalles: una mirada, un
gesto, un movimiento de manos, etc., cuando el recurso a la recreación
efectista hubiese sido tan sencillo de utilizar en este tipo de testimonios. El
problema es que la temática es la que es, y una hora de narraciones personales
sobre torturas reales es muy difícil de digerir. Y más en Navidad, que es
cuando sacan esta edición de coleccionista. Con todo, está claro que si el
espectador aguanta el documental es tan necesario como conmovedor.
Del resto de extras destacan las
escenas eliminadas de la película. No es nada original el incluirlas, pero sí
lo es el interés de estas escenas que ayudan a comprender mejor a los
personajes secundarios de la película. De ahí los comentarios de Coixet, verdaderamente contrariada por
que tener que suprimir estas secuencias que, desde luego, no parecen
accesorias.
Calificación: 9
"100 metros": Dani ¡qué miedo me das!
Dani Rovira estaba muy simpático en 8 apellidos vascos, pero en 8 apellidos catalanes no lograba levantar un guión fallido. Y hace unos meses pude ver El futuro ya no es lo que era, un verdadero desastre de película que no sé cómo se pudo colar en un olvidable Festival de Málaga.
Su próxima película me da verdadero pánico. Ojalá sea una obra de arte de trazo fino, con personalidad visual y narrativa, humor inteligente y sentimientos delicados. Pero lo que se ve en el trailer es para temerse lo peor.
Su próxima película me da verdadero pánico. Ojalá sea una obra de arte de trazo fino, con personalidad visual y narrativa, humor inteligente y sentimientos delicados. Pero lo que se ve en el trailer es para temerse lo peor.
Una película que ya he visto y otras que me gustaría ver
Ellos le hacen daño a su hija. Y él hará mucho más daño a los que intentar hacerle daño a su hija. Es la última película que protagoniza Mel Gibson con el director muy poco entusiasmante de Asalto al distrito 13 o Una semana en Córcega.
El título lo dice todo: Padre sangriento traducido en versión latina. Mel Gibson es una fuerza de la naturaleza y sabe hacer estas películas con los ojos cerrados, pero echo tanto de menos al director de esos 4 prodigios: El hombre sin rostro, Braveheart, La Pasión y Apocalypto. No hay nadie como él en Hollywood y aún tiene años por delante. Espero que vuelva.
El título lo dice todo: Padre sangriento traducido en versión latina. Mel Gibson es una fuerza de la naturaleza y sabe hacer estas películas con los ojos cerrados, pero echo tanto de menos al director de esos 4 prodigios: El hombre sin rostro, Braveheart, La Pasión y Apocalypto. No hay nadie como él en Hollywood y aún tiene años por delante. Espero que vuelva.
"Te doy mis ojos": Romperlo todo
Icíar Bollaín hizo un trabajo extraordinario en esta película que, como a los protagonistas, te rompe por dentro. Laia Marull y Luis Tossar están espectaculares llevándote hasta el extremo de la humillación, los celos, la violencia que destroza el pasado, presente y futuro de las personas. Lo único que me sobra es ese detallismo en las voluntariamente brutales escenas de sexo. Me parecen excesivas e innecesarias.
El alma del maltrato se explica mejor con esa forma de cubrirse ella ante un posible golpe más, su voz temerosa, la cara de perplejidad de él ante lo que no controla ni acaba por reconocer. Una obra de arte en toda regla sobre un tema en el que es tan fácil acudir a simplificaciones y pedagogía primaria, evitando ahondar en los tremendos efectos secundarios en la sensibilidad.
Clasificación: 8´5
El alma del maltrato se explica mejor con esa forma de cubrirse ella ante un posible golpe más, su voz temerosa, la cara de perplejidad de él ante lo que no controla ni acaba por reconocer. Una obra de arte en toda regla sobre un tema en el que es tan fácil acudir a simplificaciones y pedagogía primaria, evitando ahondar en los tremendos efectos secundarios en la sensibilidad.
Clasificación: 8´5
Montgomery Clift: la perfección vulnerable
Aunque no es un documental perfecto, es lo suficientemente completo para hacerse una idea del impacto que generó Montgomery Clift en Hollywood desde su primera aparición en Río Rojo. Fue un intérprete magnífico, de rostro y mirada tan perfecta que parecía irreal, con una sensibilidad enfermiza que acabó con él.
Tomó algunas malas decisiones, especialmente elegir la muy discreta Estación Termini de Vittorio De Sica por delante de otros títulos que se le ofrecieron en ese mismo momento de gloria como Raíces profundas, La ley del silencio o Sunset Boulevard.
Tomó algunas malas decisiones, especialmente elegir la muy discreta Estación Termini de Vittorio De Sica por delante de otros títulos que se le ofrecieron en ese mismo momento de gloria como Raíces profundas, La ley del silencio o Sunset Boulevard.
"El Bola": la aparición por sorpresa de Achero Mañas
Ceremonia de entrega de los premios Goya del años 2000. Alex de la Iglesia y José Luis Garci eran favoritos con La comunidad y You´re the one, cuando apareció un actor muy joven que estrenaba opera prima. El Bola ganó 4 Goyas tan importantes como los de mejor película y guión, además director y actor revelación.
La película apenas 84 minutos en los que nos sobra un plano. Para mí la mejor película sobre el maltrato en el hogar junto con Te doy mis ojos de Icíar Bollaín. Achero Mañas es un maestro en mostrar la espontaneidad familiar, el sufrimiento callado, etc... Es una opera prima pero la planificación es de alumno muy aventajado que arriesga y gana, que utiliza las elipsis visuales con una astucia sobresaliente. Resulta deslumbrante la escena de la primera paliza en la que no vemos golpes, moratones ni sangre, pero nos quedamos conmocionados al ver al protagonista ocultándo su humillación detrás de la puerta con un violín de fondo que va haciendo ganar en intensidad la escena.
También me gusta mucho esa escena del puente, que puede parecer trivial pero a mí me resulta muy convincente. En el fondo late la idea de Chesterton de que cuando los hombres no creen en Dios empiezan a creer en cosas increíbles.Y en cierta medida ese ateísmo del adolescente no deja de ser una muestra de la arbitrariedad casi mágica con la que muchos chicos despachan aspectos fundamentales de su vida.
Calificación: 8´5
La película apenas 84 minutos en los que nos sobra un plano. Para mí la mejor película sobre el maltrato en el hogar junto con Te doy mis ojos de Icíar Bollaín. Achero Mañas es un maestro en mostrar la espontaneidad familiar, el sufrimiento callado, etc... Es una opera prima pero la planificación es de alumno muy aventajado que arriesga y gana, que utiliza las elipsis visuales con una astucia sobresaliente. Resulta deslumbrante la escena de la primera paliza en la que no vemos golpes, moratones ni sangre, pero nos quedamos conmocionados al ver al protagonista ocultándo su humillación detrás de la puerta con un violín de fondo que va haciendo ganar en intensidad la escena.
También me gusta mucho esa escena del puente, que puede parecer trivial pero a mí me resulta muy convincente. En el fondo late la idea de Chesterton de que cuando los hombres no creen en Dios empiezan a creer en cosas increíbles.Y en cierta medida ese ateísmo del adolescente no deja de ser una muestra de la arbitrariedad casi mágica con la que muchos chicos despachan aspectos fundamentales de su vida.
Calificación: 8´5
No voy a ser original; es maravillosa
Todos los comentarios eran muy positivos en twitter y el trailer de promoción era muy atractivo. Después de ver los 8 capítulos de esta primera temporada de Stranger Things de los hasta ahora casi desconocidos hermanos Duffer, tengo que reconocerlo; es una serie fantástica. Una actualización magnífica del espíritu de la Ciencia-Ficción y cine de aventuras de los 80 que lograron Lucas, Zemeckis, Joe Dante o Tobe Hopper con el patrocinio del maestro Spielberg.
Lo que logró Pau Freixas con Héroes, o J.J. Abrams en cierta medida con Super 8, lo han magnificado estos dos mellizos nacidos en California en 1984. La variedad musical (electrónica, clásica) mantiene su personalidad al no acercarse a las sinfónicas, tan trilladas, de John Williams. Aparte de las brillantes apariciones de canciones de Moby, Peter Gabriel o Joy Division, la banda sonora de los primerizos Michael Stein, Kyle Dixon mantiene viva la magia de la historia y el ritmazo narrativo de las escenas.
Y es verdad que hay lugares comunes con Exploradores, Cuenta conmigo, Los Goonies, E.T. o Poltergeist, pero no es un simple remake. La mayoría de los personajes tienen su interés, entidad dramática y sentido del humor. Todo combinado con una inocencia juvenil y una defensa de la honestidad que no resulta ñoña sino entrañable. Hay amistad verdaderas, conflictos familiares y diferentes procesos de madurez que hacen que la serie crezca hasta un capítulo final apoteósico.
El elenco de actores es natural y creíble, un grupo heterogéneo en el que hay muchas caras nuevas y rostros muy reconocibles como Winona Ryder o Mathew Modine, que les viene muy bien recuperar el prestigio que tuvieron hace décadas.
La mezcla de actores Sólo sobra una concesión al sexo inmediato, criticado en la serie, pero innecesariamente explícito. Por lo demás Stranger Things entretiene, emociona y recuerda al cine que nos hizo volar en bicicleta, conectar musicalmente con alienígenas o descubrir el Santo Grial.
Calificación: 8,5
Lo que logró Pau Freixas con Héroes, o J.J. Abrams en cierta medida con Super 8, lo han magnificado estos dos mellizos nacidos en California en 1984. La variedad musical (electrónica, clásica) mantiene su personalidad al no acercarse a las sinfónicas, tan trilladas, de John Williams. Aparte de las brillantes apariciones de canciones de Moby, Peter Gabriel o Joy Division, la banda sonora de los primerizos Michael Stein, Kyle Dixon mantiene viva la magia de la historia y el ritmazo narrativo de las escenas.
Y es verdad que hay lugares comunes con Exploradores, Cuenta conmigo, Los Goonies, E.T. o Poltergeist, pero no es un simple remake. La mayoría de los personajes tienen su interés, entidad dramática y sentido del humor. Todo combinado con una inocencia juvenil y una defensa de la honestidad que no resulta ñoña sino entrañable. Hay amistad verdaderas, conflictos familiares y diferentes procesos de madurez que hacen que la serie crezca hasta un capítulo final apoteósico.
El elenco de actores es natural y creíble, un grupo heterogéneo en el que hay muchas caras nuevas y rostros muy reconocibles como Winona Ryder o Mathew Modine, que les viene muy bien recuperar el prestigio que tuvieron hace décadas.
La mezcla de actores Sólo sobra una concesión al sexo inmediato, criticado en la serie, pero innecesariamente explícito. Por lo demás Stranger Things entretiene, emociona y recuerda al cine que nos hizo volar en bicicleta, conectar musicalmente con alienígenas o descubrir el Santo Grial.
Calificación: 8,5
Hayao Miyazaki: imaginar es volar
Ganó un Oscar, un Oso de Oro en Berlín y un León de Oro en
Venecia. Pero sobre todo ha sido un referente fundamental en el cine de
animación a la altura de muy pocos: John Lasseter, Walt Disney…
Hayao Miyazaki reconocía que
no se consideraba un genio innovador sino una persona que intentaba ganarse la
vida dibujando. Sin embargo la admiración universal de sus películas no se
refleja sólo en la taquilla: los críticos de cine y artistas del séptimo arte también
coinciden en considerarle un verdadero maestro.
Hayao Miyazaki nació en Tokio en 1941, un
momento crucial de la historia de su país. Japón estaba inmerso en la Segunda
Guerra Mundial mostrando al mundo su poderoso avance tecnológico, especialmente
llamativo en su ejército aéreo. El tío de Miyazaki era dueño de una compañía y
el pequeño Hayao vivió una infancia muy marcada por la fascinación por volar.
Esta afición es muy visible en su
filmografía. Nausicaä del Valle del viento, El castillo en el cielo, Nicky, la aprendiz de bruja, El castillo ambulante, Porco Rosso o la que
en principio será su última película: The Wind Rises, tienen una localización
común: un cielo azulado claro con viento moderado y nubes blancas.
Para Miyazaki la animación es el arte de
imaginar lo imposible: gatos que sirven de autobús, personajes que se
convierten en animales, espacios y tiempos que juegan a no ser convencionales
sino ingeniosos. Quizá por eso su cine no sea tan accesible como el de Pixar.
Tan
lejos, tan cerca
Una película como El viaje de Chihiro (ganadora del Óscar a la mejor película de animación en 2003), no es una obra
sencilla ni para niños ni para adultos. Aún siendo una de las películas de
habla no inglesa más taquilleras de la historia del cine (hace poco superada
por la francesa Intocable), no
resulta una experiencia fácil de disfrutar. Hay demasiada complejidad visual y
argumental, demasiada creatividad condensada para poder ser asumida sin una
preparación previa.
Este cierto hermetismo resulta
desconcertante en un autor que colaboró en series de anime que triunfaron en
todo el mundo como Sherlock Holmes, Marco
o Heidi. Pero en el momento en el
que Miyazaki tuvo el control sobre sus películas (y en su caso se trata de un
control exhaustivo, agotador, que le lleva a escribir, dirigir, hacer los
storyboards, etc), el salto al vacío empezó a ser una práctica habitual en su
narrativa.
Dentro del anime japonés, Miyazaki ha
optado por un cine delicado y profundo, bellísimo en sus colores luminosos,
bondadosa y nostálgico con un sentimentalismo sencillo y elegante que pretende
llegar a todo tipo de públicos. Un cine muy alejado de la violencia
característica y el pesimismo existencial de gran parte del anime y el manga
más exportado (Akira, Bola de Dragón, etc).
Sus dibujos de definición imperfecta y un
2D irrevocable tienen una belleza muy singular. Los personajes expresan un
optimismo vital que supera grandes gestas apoyados en una Naturaleza que a
veces parece peligrosa, pero en realidad siempre tiene un perfil amable. Son
numerosas las escenas en que un personaje se acerca a una criatura maldita confiando
en su bondad natural. “No es peligroso, simplemente tiene miedo”, dice
Nausicaä, una de las heroínas de Miyazaki (habitualmente femeninas).
La
princesa y el compositor
Desde que en 1979 estrenase su primera
película (El castillo de Cagliostro), Miyazaki ha dirigido 11 películas en 34
años. Un punto claro de inflexión en su carrera fue en 1997 cuando presentó La
princesa Mononoke, su película más oscura y más cara (más de 100 millones de
dólares de presupuesto). Miyazaki contaba con el apoyo en la música de su
compositor oficial Joe Isaishi. Este colaborador habitual también de Takeshi
Kitano, y responsable de una de las partituras más sugerentes de los últimos
años (la compuesta para la película ganadora del Óscar a la mejor película
extranjera en 2008: Despedidas), es uno de los grandes responsables de la
magia del mejor cine japonés.
Con La princesa Mononoke empezó a
considerarse a Miyazaki no sólo un artesano ingenioso sino un renovador del
cine que empezó a tener eco en festivales de todo el mundo con una historia que
aunaba épica y romanticismo. La película fue un éxito en taquilla dentro y
fuera de Japón y facilitó el acercamiento de Occidente a sus obras maestras
previas como Mi vecino Totoro (1988). Este espíritu del bosque es el logo de
los estudios Ghibli que junto con Miyazaki dirige su amigo y mentor Isao
Takahata (creador de verdaderas obras maestras de la animación como La tumba
de las luciérnagas).
La admiración que los grandes genios de
la industria de animación norteamericana tienen por la creatividad del cine de
Miyazaki no ha hecho más que incrementarse con el paso de los años. Actualmente
Walt Disney distribuye las películas de Miyazaki fuera de Japón y el líder de
Pixar, John Lasseter, considera al dibujante nipón una de sus principales
influencias. Tanto es así que en uno de sus grandes películas (Toy Story 3) incluyó a Totoro como uno de los
peluches del protagonista. (en realidad este juguete ha sido la joya de la
corona del merchandaising del Imperio Ghibli).
El
viento que se llevó a Miyazaki
La edad, el excesivo trabajo y una
ceguera progresiva han hecho que Miyazaki se retiró con una película que se pudo ver en festivales como Venecia, San Sebastián o Sitges. The Wind Rises es una película crepuscular basada en un comic del propio Miyazaki. En ella se
recuerda la vida del famoso diseñador aeronáutico italiano Caproni. En esta
obra se recogen los grandes elementos de su cine: la fascinación por volar, el
mundo contradictorio japonés, creativo y destructor, capaz de vivir grandes
sueños y sufrir culminantes tragedias.
Pero sobre todo en la película hay mucho
viento: el que mueve las nubes, provoca olas salvajes, despeina a los
personajes que miran desde la ventanilla de un tren como su vida no será la
misma después de ese viaje. Algunos decían que John Ford era un tipo con suerte
porque hasta el viento se aliaba a su favor en los rodajes. Algo desmentido
entre otros por Mauren O´Hara que explicaba que el director norteamericano
mandaba poner ventiladores ajustados para que el viento fuese un elemento
dramático más.
No es la única similitud entre Miyazaki y
Ford. A ambos les apasiona el uso del paisaje como instrumento artístico y el
humanismo entrañable que reflejaban en sus personajes. Ambos tienen una fama de
auténticos dictadores intratables compatible como una intuición artística de
indudable genialidad. Pero sobre todo, estos maestros marcan un antes y un
después en la historia del cine.
Bogdanovich y la segunda fila de genios del cine
Cada libro y cada película de Peter Bogdanovich (Nueva York, 1939)
es un homenaje al cine. Como director recibió ocho nominaciones a los Oscar por
La última película (1971), segunda
obra de su filmografía que continuó con dos películas con las que alcanzó gran
popularidad: ¿Qué me pasa doctor? (1972) y
sobre todo con Luna de papel(1973). A
partir de entonces su carrera como director ha sido muy criticada (a pesar de
realizar algunas películas tan interesantes como Esa cosa llamada amor), a la vez que su labor como escritor ha sido
cada vez más valorada.
En el primer volumen de El
director es la estrella incluía entrevistas a los directores que
tuvieron mayor libertad creativa en los etapa dorada de Holllywood: Hitchcock, Capra o Wyler. En esta segunda parte los protagonistas son directores que
lograron un estilo personal con un mayor control de los productores. No eran los artistas más reconocidos
de la industria, pero aún así lograron una filmografía muy influyente. Entre ellos están Sidney Lumet, Robert Aldrich, Otto Preminger, George Cukor, Edgar G.
Ulmer, Leo MacCarey o Don Siegel.
Bogdanovich
entrevista
desde la admiración, de manera simpática y atrevida. Se nota que ha sido
director y que sabe de lo que habla. Sorprende el conocimiento que tiene de la
filmografía completa de cada uno de los directores, algo que en muchos casos
conmueve a los entrevistados. En algunos casos quizás el repaso de algunas de
las primeras y desconocidas películas de estos directores sea algo exhaustivo.
Sin embargo, Bogdanovich lo
considera esencial para entender mejor al artista, y también para reivindicar
títulos que forman parte de los comienzos de la Historia del Cine.
La entrevista
de Leo MacCarey es probablemente la
más interesante. A pesar de que este director irlandés y divertido, responsable
de grandes películas como La pícara
puritana, Sopa de ganso, Siguiendo mi camino o las dos versiones de Tú y yo, responde desde una cama de
hospital, la entrevista es muy amena y clarificadora. Según Bogdanovich en ella se encuentran los
momentos más divertidos del libro. “Le conocí en noviembre de 1968, en la
habitación de un hospital de Santa Monica, un año antes de morir. Aún en esas
circunstancias entendí porque decían de él que era uno de los hombres más
ingeniosos de la industria del cine y uno de los mejores oradores”.
El director es la estrella (Volumen 2). Peter Bogdanovich. TyB Editores, 2008. 288 páginas
"Happy Valley" (2ªT): Más y mejor
Ya era una serie interesante pero tenía el problema de que algunos giros eran poco verosímiles. En la 2ª temporada los personajes secundarios cobran más importancia y las tramas se multiplican sin que se pierda el hilo de cada una de ellas. Hay escenas divertidísimas en su cercanía y costumbrismo, como la conversación entre Catherine y una croata recién liberada de una red de prostitución traducida por una anciana intérprete.
La ventaja de una serie así es que todos los personajes tienen tanto margen de crecimiento que la ampliación de nuevas temporadas no es forzada, sino necesaria. Me sigue fascinando el personaje de Tommy Lee Royce (interpretado por James Norton, que recientemente ha sido Andrei Bolkonsky en otra serie sobresaliente de la BBC; Guerra y Paz). Y por supuesto la protagonista; una mujer generosa y valiente que sobrevive de desgracia en desgracia.
Calificación 2ª temporada: 8,5
La ventaja de una serie así es que todos los personajes tienen tanto margen de crecimiento que la ampliación de nuevas temporadas no es forzada, sino necesaria. Me sigue fascinando el personaje de Tommy Lee Royce (interpretado por James Norton, que recientemente ha sido Andrei Bolkonsky en otra serie sobresaliente de la BBC; Guerra y Paz). Y por supuesto la protagonista; una mujer generosa y valiente que sobrevive de desgracia en desgracia.
Calificación 2ª temporada: 8,5
"The Homesman": Un western muy personal
Fue portada de Fila Siete hace unos meses y tenía toda la pinta de ser una película con recorrido. De esas que todo el mundo está de acuerdo en considerarla una obra grande. No nos sobran los western modernos con sello propio en estos días así que viene muy bien un título así.
Vista la película, me he quedado con una sensación extraña. Hay un puñado de escenas, sorpresas y gestos de un western de los grandes. Ya la historia de una diligencia compuesta por un ex presidiario, una soltera a la que nadie quiere y tres locas atadas es todo un acierto. La película no deja que el espectador vaya por delante porque es imposible prever muchas de las cosas que suceden.
Sin embargo The Homesman tiene baches, escenas y diálogos que desconciertan más que perfeccionan a la historia y los personajes. Sobre toda la historia hay una atmósfera crepuscular demasiado oscura y deprimente en la que apenas hay algún matiz que redima a los perdedores protagonistas. Y el final es muy arbitrario e insuficiente, casi tanto como el mínimo e innane personaje interpretado por Meryl Streep.
Tommy Lee Jones maneja a la perfección una planificación cuidadísimas con un rodaje en exteriores modélicos. Por otro lado los actores están formidables en personajes con mucho desarrollo y la música de Marco Beltrami es bellísima.
Podría ser uno de los mejores westerns modernos junto con Silverado de Lawrence Kasdan o Sin perdón de Clint Eastwood.
Calificación: 7´5/10
Vista la película, me he quedado con una sensación extraña. Hay un puñado de escenas, sorpresas y gestos de un western de los grandes. Ya la historia de una diligencia compuesta por un ex presidiario, una soltera a la que nadie quiere y tres locas atadas es todo un acierto. La película no deja que el espectador vaya por delante porque es imposible prever muchas de las cosas que suceden.
Sin embargo The Homesman tiene baches, escenas y diálogos que desconciertan más que perfeccionan a la historia y los personajes. Sobre toda la historia hay una atmósfera crepuscular demasiado oscura y deprimente en la que apenas hay algún matiz que redima a los perdedores protagonistas. Y el final es muy arbitrario e insuficiente, casi tanto como el mínimo e innane personaje interpretado por Meryl Streep.
Tommy Lee Jones maneja a la perfección una planificación cuidadísimas con un rodaje en exteriores modélicos. Por otro lado los actores están formidables en personajes con mucho desarrollo y la música de Marco Beltrami es bellísima.
Podría ser uno de los mejores westerns modernos junto con Silverado de Lawrence Kasdan o Sin perdón de Clint Eastwood.
Calificación: 7´5/10
El retorno de "Los siete magníficos"
Se estrena el 30 de septiembre este remake de Los siete magníficos, la película que John Sturges dirigió en 1960 con Yul Brynner, James Coburn, Charles Bronson y Steve McQueen de protagonistas.
Esta nueva versión está dirigida por Antoine Fuqua, que tiene películas de acción tan entretenidas como Training Day, Shooter y Objetivo a la Casa Blanca. El reparto está encabezado por el inmortal Denzel Washington, Ethan Hawke y Chris Pratt. James Horner ha compuesto la banda sonora y el guión lo han escritos tres grandes escritores: Nic Pizzolato (True detective), Richard Wenk (Los mercenarios 2 y 16 calles), John Lee Hancock (Un mundo perfecto, The Blind Side).
Veremos que da de sí esta nueva reconfiguración de Los siete samurais de Akira Kurosawa en la que se basaba la película original de John Sturges.
Esta nueva versión está dirigida por Antoine Fuqua, que tiene películas de acción tan entretenidas como Training Day, Shooter y Objetivo a la Casa Blanca. El reparto está encabezado por el inmortal Denzel Washington, Ethan Hawke y Chris Pratt. James Horner ha compuesto la banda sonora y el guión lo han escritos tres grandes escritores: Nic Pizzolato (True detective), Richard Wenk (Los mercenarios 2 y 16 calles), John Lee Hancock (Un mundo perfecto, The Blind Side).
Veremos que da de sí esta nueva reconfiguración de Los siete samurais de Akira Kurosawa en la que se basaba la película original de John Sturges.
"Tres fugitivos": Los inicios de Francis Veber
Cuando eramos pequeños todos teníamos películas bucle que veíamos una y otra vez. Yo tuve varias, pero una que recuerdo con especial de Tres fugitivos del director y guionista francés Francis Veber (La cena de los idiotas, ¡Qué te calles!).
Martin Short y Nick Nolte hacían una pareja divertidísima y antagónica y hay varias escenas logradísimas: el atraco con una media en la cabeza que se rompe a mitad de faena, el falso embarazo que imita el travestido atracador. Una de esas comedias para todo tipo de públicos que continúa funcionando bastante bien.
Calificación: 7,5/10
Martin Short y Nick Nolte hacían una pareja divertidísima y antagónica y hay varias escenas logradísimas: el atraco con una media en la cabeza que se rompe a mitad de faena, el falso embarazo que imita el travestido atracador. Una de esas comedias para todo tipo de públicos que continúa funcionando bastante bien.
Calificación: 7,5/10
Tres supervillanos en forma de Joker
No sé si el Joker de Jared Leto de Brigada Suicida será muy sugerente. Desde luego el trailer es hábil, aunque tengo grandes dudas que David Ayer no se haya dejado llevar por la corriente Kick-Ass de hacer una película de superhéroes para adultos llenando el guion de zafiedad bruta y repetitiva.
De todas formas Jared Leto no lo tiene nada fácil. Cuando parecía que Jack Nicholson iba a ser el Joker definitivo: juguetón, bailarín y divertido a la vez que cabrón, Heath Ledger se sacó de la manga un supervillano aún más inteligente y cruel, incluso más filosófico.
He recuperado dos escenas emblemáticas de Ledger en El caballero óscuro. Hay que recordar que Christopher Nolan rueda las grandes escenas de acción una sola vez. Es decir, lo que explota en pantalla ha explotado en la realidad. Sí, parece increíble pero es así. Nada de pantalla verde; selecciona unos edificios, un estadio de rugby en la India o un gigantesco trailer y los hace volar en mil pedazos. Evidentemente la escena no sólo tiene riesgos para los actores y extras, sino también la enorme responsabilidad del actor en bordar la primera y única toma. Por eso el trabajo de Ledger, junto con su voz, su mirada enloquecida y su sonrisa histriónica es irrepetible.
De todas formas Jared Leto no lo tiene nada fácil. Cuando parecía que Jack Nicholson iba a ser el Joker definitivo: juguetón, bailarín y divertido a la vez que cabrón, Heath Ledger se sacó de la manga un supervillano aún más inteligente y cruel, incluso más filosófico.
He recuperado dos escenas emblemáticas de Ledger en El caballero óscuro. Hay que recordar que Christopher Nolan rueda las grandes escenas de acción una sola vez. Es decir, lo que explota en pantalla ha explotado en la realidad. Sí, parece increíble pero es así. Nada de pantalla verde; selecciona unos edificios, un estadio de rugby en la India o un gigantesco trailer y los hace volar en mil pedazos. Evidentemente la escena no sólo tiene riesgos para los actores y extras, sino también la enorme responsabilidad del actor en bordar la primera y única toma. Por eso el trabajo de Ledger, junto con su voz, su mirada enloquecida y su sonrisa histriónica es irrepetible.
La adicción como fuente de inspiración
Desde que en 1971 William Friedkin ganase 5 Oscar (entre ellos mejor película) por The French Connection, contra el imperio de la droga, el cine y la televisión se han hecho eco de una de las grandes misiones imposibles de Estados Unidos: la lucha internacional contra el narcotráfico.
Películas como Traffic de Steven Soderbergh (2000), Tropa de élite 1 y 2 (José Padilha, 2007 y 2010), María, llena eres de gracia de Joshua Marston (2004) y series como The Wire (David Simon, 2002-2008), Breaking Bad (Vince Gilligan, 2008-2013) o la reciente Narcos (José Padilha, 2015-2016) han compartido la excelencia a la hora de desarrollar un argumento tan poliédrico y universal.
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