A estas altura de la película JossWhedon tendrá que admitir que siempre será el director de Los vengadores; la 5ª película más taquillera de la historia (más de 1500 millones de dólares ingresados). Todo lo que haya escrito o dirigido antes y después tendrá escasa relevancia. Aunque dudo que esto le guste al creador de series como Dollhouse o Buffy, el cazavampiros, y escritor de películas como Titan A.E. y el primer Toy Story.
Joss Whedon es ante todo un tipo descerebrado que busca sorprender y no dejar indiferente a ningún espectador. Y lo consigue con bastante frecuencia. Con el guion de La cabaña del bosque revisa el cine de terror ochentero en clave paródica, muy al estilo de la desternillante y, en mi opinión superior, Scream 4. La historia es arquetípica: 4 jóvenes, una cabaña, sustos. Pero Whedon le añade elementos que van desde Wes Craven a Los Juegos del Hambre, El Show de Truman y Monstruos S.A.
A este arriesgado cocktail hay que añadirle el flirteo tarantiniano con el cine zafio y gore, y hay que reconocer que a Whedon se le va la mano en varios escenas realmente desagradables. Por otro lado al primerizo y hasta ahora televisivo director Drew Goddard no acaba de equilibrar la película en el montaje final y el ritmo decae a mitad de metraje. Sin embargo la parte final recupera el humor y la originalidad perdida, quedando así una película entretenida, a ratos excesivamente salvaje, pero sin duda una propuesta diferente.
En la historia de Youtube este trailer es el que ha obtenido el record absoluto de comentarios negatrvos. No es para menos. Los que crecimos en los 80 con Harold Ramis, Bill Murray o Dan Aykroyd haciendo de cazafantasmas y Sigourney Weaver de la "mujer de rojo"adoramos esa película por ellos, por el buen hacer de Ivan Reitman, por la banda sonora... Y todos estos ingredientes ya no estarán. En cambio la propuesta la dirige un director conocido por la zafiedad de sus comedias y unas actrices que entrarían también en el perfil de humor grueso.
Juzgar vosotros mismos. La película ha costado la friolera de 140 millones de dólares. Y tiene una pinta horrible...
Clary Fray, adolescente, mona y pija que en el día de su cumpleaños descubre que tiene poderes heredados de su madre para combatir junto a los ángeles contra criaturas malignas que invaden el planeta. La serie está basada en una saga literaria que al parecer han tenido mucho seguimiento juvenil.
Si el argumento suena a otra historia más de seres especiales que les salen rayos de colores de los ojos, vuelan y desaparecen, el desarrollo de esta serie es aún peor. Ningún personaje tiene un mínimo atractivo personal más allá de la belleza física porque los diálogos y las tramas se enredan en trucos, leyendas y cazas convencionales y grises.
El director es McG, que viene del mundo del videoclip y que ya ha demostrado su incompetencia como narrador visual en las dos partes del remake de Los ángeles de Charlie o Terminator Salvation. El reparto lo componen guapos y guapas de series de televisión que intentan no parecer muy desconcertados con un guión en el que hay muy poco talento.
La colección de monstruos cefalópodos mitad calamar-mitad gremlin es verdaderamente cómica. Humor involuntario del bueno.
Breaking Bad;Walther White será para siempre uno de esos personajes intemporales, una personificación de todos los males de la sociedad contemporánea. Y ya no les digo su mujer, su socio, su abogado, su cuñado, el gran jefe del narcotráfico que se atreve a competir con Walter White.
Fargo;La primera temporada fue buenísima y la segunda es aún mejor. Parecía imposible igualar el nivel de la película de los Coen. Pero lo han logrado. Una serie inteligente, divertida y de una imaginación desbordante.
Mad Men;El sueño americano en una copa de whisky a primera hora de la mañana. Wilder, Hitchcock y Hawks en una serie del siglo XXI. 7 temporadas en las que es muy difícil decir cuál es la más necesaria.
The Jinx;El documental vive una era dorada y esta serie lo demuestra. Una investigación sobre un personaje que elige al director y guionista que cuente la verdad. 6 capítulos que te mantienen pegado a una historia que parece irreal de lo compleja e inteligente que resulta.
James Wan ha metido la pata en varias ocasiones. La última de ellas fue con Fast & Furious 7, un desastre de peli que sin embargo es la 6ª más taquillera de todos los tiempos. Pero donde el director de Malasia está logrando mostrar su talento es en genero de terror de espíritus y demonios. The Conjuring 2 le costó 40 millones y ya lleva casi 300 millones en todo el mundo. Con presupuestos bajos este director se ha convertido en el nuevo Rey Midas de Hollywood.
Esta secuela es aún más dinámica, arriesgada y tiene mejor historia y personajes que la precedente. Los Ealing, una familia que acaba de ser abandonada por su padre se traslada de casa a una más grande y antigua. La madre y sus 4 hijos empiezan a sufrir ataques paranormales de intensidad creciente que durarán desde 1977 a 1979.
El secreto de Wan es que cuida los tiempos y los detalles, sorprende con sustos en momentos poco previsibles, mima la descripción de los personajes, las referencias religiosas... Qué diferencia entre las últimas películas de terror de James Wan y los blockbusters gore y agnósticos que son como una plaga del cine actual. Las dos horas y cuarto que dura The Conjuring se te pasan volando gracias a que no hay algo que contar más allá de las apariciones de espíritus.
Vera Farmiga y Patrick Wilson vuelven a demostrar que son insustituibles en estas películas. La serenidad y credibilidad que aportan a sus personajes es dificilísima porque todo lo que les sucede es paranormal y exagerado, difícilmente expresable en gestos que no resulten ridículos. Y la selección de los niños es impecable, especialmente de la adolescente Madison Wolfe que asume el papel de la niña del exorcista del siglo XXI con una caracterización estupenda.
Por último hay que agradecer a James Wan que trate con tanto respeto y profundidad a los exorcistas y la religión católica. Estamos hartos de ver licencias imposibles y faltas de respeto a un tema tan sensible como éste en muchas películas de terror que juegan a ser científicas con un toque irónico tan frívolo como muy poco inteligente.
La historia de Francisco Paesa es un bombón para cualquier director de cine. La realidad multiplica la ficción más osada con servicios secretos de todo el mundo, secuestro, extorsión y miles de millones circulando en torno a El hombre de las mil caras.
Alberto Rodríguez tiene la difícil labor de no bajar uno de los listones más altos de la edad de oro del cine español que actualmente disfrutamos. Después de Grupo 7 y La isla mínima, al director sevillano se le pide la excelencia. Y una historia como la de Francisco Paesa es un material de primera. Eduard Fernández, José Coronado, Marta Etura, Pedro Casablanc y Carlos Santos componen un reparto a la altura de las circunstancias. La película se estrena el 23 de septiembre. Justo a tiempo para poder entrar en la Sección Oficial del Festival de Cine de San Sebastian. Ojalá.
Había oído comentarios distantes de su paso por Cannes, pero la última película de Spielberges peor de lo que imaginaba. Tenía todo para ser uno de esas películas de fantasía encantadoras del director de E.T. o Indiana Jones, un regreso a un estilo que él mismo creó y que fascino en los años 80. No ha sido así. Para mí es una de las peores películas de Spielberg junto con Lincoln y 1941.
Mi amigo el gigante es plana y previsible desde la primera escena. Para empezar, la niña que se ha escogido no le cae bien a la cámara y su interpretación es teatrera y gesticulante. Un gran problema porque ella y el gigante soportan todo el peso de la película. Mark Rylance (maravilloso en El puente de los espías),"interpreta" de alguna manera al gigante bobalicón que se equivoca mil veces al pronunciar las palabras (un recurso utilizado hasta la saciedad en otras películas y que no tiene ninguna gracia en mayores de 7 años). Su fisonomía está tratada digitalmente con una animación que le deja un rostro muy poco expresivo, coherente con los pobres parlamentos que le toca malpronunciar.
Ningún personaje tiene algo de magia en lo que dice y hace, y todo queda en un teatrillo de gigantes idiotas y una niña que parece inhumana porque ni siente ni padece. Hay mucho color y mucho efecto especial pero la atracción no tiene vuelo ni motor narrativo. Es como sí el director fuese el peor Zemeckis del cine de animación en 3D (Polar Express, Beowulf).
Por si fuera poco, la banda sonora de John Williams no nos deja ni un segundo de respiración. Algo que es especialmente agotador al tratarse de una de esas composiciones rutinarias del músico más galardonado de la Historia del Cine.
La película ha costado 140 milllones de dólares y en Estados Unidos apenas ha ganado 40 en su primera semana de estreno en Estados Unidos. Y no lo va a tener fácil para competir en cartelera con Jason Bourne, Mascotaso Buscando a Dory. Calificación: 3/10
Julio de la Rosa es el compositor de todas las películas de Alberto Rodríguez (Grupo 7, After, Siete vírgenes). En La isla mínima ha logrado su mejor trabajo con una música que logra
un atmósfera de tensión que se puede cortar. Dice el director sevillano que “la
banda sonora es potentísima, muy ambiental. En determinados momentos la música
se fusiona con el sonido de los pájaros, los grillos o las chicharras. A veces
incluso bajábamos la música para que fuese casi imperceptible”.
Estas palabras de Alberto Rodríguez cobran especial
importancia desde el comienzo de la película. Los planos aéreos de las marisma
van cobrando vida con un tenue sonido de tensión de cuerdas, un tambor… Esa
cadencia de ritmos recuerdan a las bandas sonoras del argentino Gustavo Santaolalla (Brokeback Mountain, 21 gramos, Babel).
Dice Julio de la Rosa que esta es “la banda
sonora más larga que ha compuesto para una película de Alberto Rodríguez, y también en la que la música está más
escondida. En ningún momento cesa y aunque se escuche sólo por debajo te va
llevando y engañando”.
La combinación con
música sintetizadora también es muy acertada, dando esa sensación de pesadilla
que está a punto de llegar a su punto de máxima intensidad. Como buen cine
negro, La isla mínima juega con la
música para centrar el interés en el drama de los personajes, simbolizado
también por los parajes encharcados y soleados con tonos grises y marrones.
Aunque hay algunos temas musicales de persecuciones y trepidación que son
eficaces, la personalidad de la banda sonora se adquiere especialmente en los
tramos más serenos del score.
Para la ambientación
de la época resulta fundamental el uso del clásico de las discotecas de los 70:
Yes sir, I can boggie del dueto español
Baccara. Una música que transmite
con mucha precisión la banda sonora de los años de la transición, en que se
empezó a fraguar la movida.
El cine argentino goza desde hace varios años de una salud
envidiable. Películas como Nueve reinas,
El hijo de la novia, El sueño de Valentín, Kamchatka, Tiempo de Valientes, El secreto de sus ojos, Días de vinilo o este Derecho de familia (2006) de Daniel
Burman se han ganado la simpatía de un público y una crítica cada vez más
internacional.
Derecho de familia es una película que va de aquí para allá
contando pequeñas historias que parecen algo deslavazadas unas de otras, pero
que tiene una unidad clara: la familia Perelman. En torno a este matrimonio
joven, ambos trabajadores y con un hijo de 3 años surgen diferentes conflictos:
familia-trabajo, libertad-compromiso, herencia-personalidad… El tono sencillo
de la cinta junto con la sobresaliente interpretación del matrimonio
protagonista hace muy cercanos a los personajes.
Entre los contenidos extra del DVD se incluye una buena entrevista a Daniel Burman. Es una selección de
respuestas ágiles que hace ver como estamos ante un director que tiene cosas
que contar, que no sólo intercala viñeta tras viñeta de manera más o menos
divertida. La entrevista se va intercalando con escenas de la película que
ayudan a entender el significado que tienen algunas de las múltiples historias
que a modo de “flashes” incluye la película.
Después de ver esta entrevista la película, algo dispersa en
su variedad de historias, gana peso y relieve. La familia deja de ser un simple
contexto para convertirse en un verdadero protagonista tan universal como
poliédrico, que hace reflexionar al espectador.
Una película de terror se juega el todo o la nada en los últimos minutos del partido. Y mi impresión de La bruja, opera prima de Robert Egges que ganó el premio al mejor director en Sitges, es que finalmente pierde. En cuanto a planificación y fotografia la película es sobresaliente, pero el guión reincide agotadoramente en la visión culpable del obseso de la religión radical y tremebunda que ve pecado, brujas y hechizos en todas partes.
Alguno la ha comparado con El bosque, una de los mejores películas de Shyamalan. Y no tiene nada que ver. Ni en la forma ni en el fondo. La bruja nunca deja de ser oscura, ocre y deprimente. Todos los personajes están atormentados y apenas hay algún color o registro distintos de los clichés medievales oscurantistas.
La hora y media de película se me ha hecho larga porque navega en constante punto muerto. Los actores están bien escogidos y hacen un buen trabajo, pero me resulta muy difícil preocuparme por estos seres tan crueles, alienados e incomprensibles. Lo mejor es la utilización del fuera de campo y el cambio de voces de los personajes que es realmente siniestro. Y que la película ha costado 3 millones y medio de dólares (muy bien aprovechados) y ha ganado 40 en todo el mundo. Calificación: 6/10
El director que a mí y a muchos nos dejó asombrados con Stockholmestrenará el 28 de octubre una película de género. Se sitúa en Madrid en agosto de 2011. La ciudad se abrasa con el sol y las masas de jóvenes que vienen a la JMJ a ver a Benedicto XVI, y los del movimiento 15M que muestra su enfado con el sistema político ocupando literalmente la Puerta del Sol.
Pude estar en la presentación de este trailer en el último Festival de Málaga con su director Rodrigo Sorogoyen y los dos protagonistas. Me prometieron que la película tiene trepidación, pero también personajes y una trama inteligente. Y me fío mucho de ellos. Son 3 de los principales motivos para confiar en que aún le quedan muchos años de gloria a la edad dorada del cine español que vivimos actualmente.
La película podría ser presentada en el próximo Festival de Cine de San Sebastian. Ojalá sea así. El director y los actores lo merecen y siempre se agradecen películas tan poco festivaleras como ésta.
Hace unos díasya hablé de Terrence Malick dando algunas pistas.Pero TCM ha vuelto adelantarme por derecha e izquierda. En este breve vídeo de menos de 5 minutos toca cada una de las claves de su cine. Me encanta la frase con la que se abre le reportaje: "Mientras otras películas crean fans, Malick produce discípulos"
Los creadores de Gru han logrado que una película de animación haya avasallado en la taquilla de Estados Unidos a con 103 millones de dolares en un fin de semana. Ha llegado de tapadillo ante los títulos veraniegos para público infantil y al final parece que va ha adelantar a Zootrópolis, Ice Age 4 y Buscando a Dory.
Es uno de los grandes cineastas de su generación. Un poeta sencillo que ilumina personajes que desbordan bondad y cercanía. Koreeda es uno de esos directores que no sabe hacer otras cosa que obras maestras. En torno a una al año. He recuperado esta entrevista que pude hacerle hace unos años.
12 de la mañana, 1ª planta del Hotel María Cristina. Es el 4º dia del Festival de Cine de San Sebastián de 2014. En la puerta del hotel cientos de enloquecidas fans de Hugo Silva y Mario Casas chillan y se tiran de los pelos ante la llegada de sus ídolos. El director nipón transmite serenidad pero no duda en preguntar de dónde proviene tanto griterío. Le explicamos que hay dos actores españoles muy queridos por el público adolescente femenino en la alfombra roja. Ni corto ni perezoso se dirige a su habitación y se pone a hacer fotos con su teléfono móvil a los dos jóvenes actores. Al fin y al cabo, Koreeda no deja de ser un japonés que también hace fotos.
La historia de Like father, like son cautivó a Steven Spielberg en el pasado Festival de Cannes -donde la película ganó el premio del Jurado- y ahora negocia con usted la compra de los derechos para la realización de un remake americano. ¿Se ve haciendo cine en Hollywood?
Eso sería muy bueno para mi pero creo que no tengo muchas posibilidades. El mercado en Japón de momento es suficiente y ya es un gran avance que esta última película vaya a ser distribuida y vista en Estados Unidos. ¿Cómo nace el argumento de su película?
A veces cuento cosas que parten de mi experiencia personal. Ya lo hice en Still Walking que tiene mucho que ver con la última etapa de vida de mi madre que murió unos meses antes de presentar la película. En Like father, like son me baso en mi hija de 6 años. La pregunta que planteo en la película es ¿cuándo un hombre se convierte realmente en un padre? Una mujer siempre está íntimamente ligada a su hijo desde el primer momento, pero el hombre tiene un proceso distinto.
Los dos padres que se presentan en la película son muy diferentes
Esa era mi intención. Dar facilidad al espectador para meterse en uno de los dos personajes. Uno es un padre que dedica mucho tiempo a su hijo, más jovial y comunicativo, mientras que el otro es más hermético y vive absorbido por el trabajo. Creo que con esta película se hace cercana una experiencia que cada uno vive de una manera muy distinta.
La película plantea una duda que deja sin resolver ¿qué tiene más influencia en la vida de una persona, la genética o la educación?
Precisamente quería dejar ese debate abierto porque creo que los dos factores tienen una gran importancia. La forma de ver la vida no depende únicamente de la conexión biológica sino también de la educación de las familias. Por eso los niños no se adaptan ni se muestran felices cuando se les saca de la familia que les ha criado. Era un problema de difícil solución.
Con semejante drama familiar era sencillo caer en un sentimentalismo fácil
Procuro no filmar a los niños llorando porque si lo haces es demasiado triste y sentimental. Lo mismo pasaría si hubiese escogido a la madre como protagonista. Por eso es uno de los padres.
En esta película hay una narrativa muy fluida compatible con una contemplación poética muy sencilla
Le agradezco que haga esta observación porque realmente he procurado esforzarme en que sin perder mi estilo personal la película mantenga un ritmo y un interés que no decaiga. Suceden muchas cosas pero intento que todas ellas ayuden a entender mejor a los personajes.
En este Festival hemos podido ver la que será la última película de Miyazaki ya que el director japonés ha anunciado su retirada
(Al citar a Miyazaki, hace un gesto de reverencia típicamente nipón) Miyazaki es un maestro desde luego.
¿Se ve usted haciendo cine de animación?
La verdad es que no. Respeto profundamente el cine de animación y especialmente el de Miyazaki pero no tengo los conocimientos técnicos que me permitan hacer ese tipo de películas.
Lo que si le hemos visto hacer es cine documental y series de televisión ¿le gustaría seguir haciendo ese tipo de trabajo?
Sí, desde luego. Con la serie Going my home de hecho ahora mismo estoy en negociaciones con un canal de televisión francés. Me encantaría que de esta manera la serie pudiese verse también en Europa.
¿Del cine español hay algún director que le llame la atención?
De cuando era estudiante recuerdo haber visto películas de Almodóvar. También influyó mucho en mi vida el cine de Víctor Erice. Actualmente me parece también muy meritorio el trabajo de un actor como Javier Bardem, da una gran credibilidad y fuerza a sus personajes.
El reconocido poeta maldito francés ha pasado la historia de la literatura gracias a las flores del mal, la belleza irresistible de la perversión humana. Loreak (“Flores” en euskera) habla de la belleza del amor que no olvida ni a los vivos ni a los muertos, que cada día cambia de color. Con un argumento así sería fácil escribir una historia cursi, ñoña, simple. Pero la película de Goenaga y Garaño (dos directores de San Sebastián hasta ahora dedicados al cine documental y al cortometraje) es una obra de arte elegantísima, de una lírica sencilla e irresistible.
La película tiene todos los componentes del cine con mayúscula. Visualmente no sólo es atractiva, sino que utiliza con mucho acierto las metáforas: el hombre que mira desde arriba, la mujer que no alcanza a ver desde abajo, las flores coloridas y las flores de plástico, los vestidos y peinados de las protagonistas que definen la personalidad de cada una.
Loreak es además una película de mujeres en las que el hombre no es un mero admirador. Es un protagonista que centraliza una historia llena de misterios que se van desvelando lentamente, con un ritmo narrativo logradísimo. Aunque hay algún actor secundario poco entonado el trabajo de las tres actrices protagonistas es maravilloso, tan delicado y sutil que el ajustado metraje se pasa volando.
La música del maestro Pascal Gaigne (El sol del membrillo, Siete mesas de billar francés, Verbo) modera el inmenso poder emocional de la película con mucha destreza y respetando el silencio, el poder de las miradas femeninas.
Loreak transmite como la bondad y le belleza son contagiosas, al igual que el prejuicio y el cinismo. Con un humor muy ingenioso los directores y guionistas retratan el patetismo del nihilista desesperanzado, de aquel que mira con envidia y recelo al que sorprende con flores, al que sigue acordándose de las personas que quiere. Aquel que confunde las flores con el mal.
El cine romántico se apoya especialmente en la música. Nothing Hill, Tú la letra, yo la música, The
Holidays, Happythankyoumoreplease, Adam… Todas son recordadas por una
melodía o una canción. La desaparición de
Eleanor Rigby es una película más dramática de lo habitual en este tipo de
cine sentimental, pero el protagonismo de la música sigue siendo innegable.
Esta película intenta reflejar los vaivenes afectivos de una
relación duradera. La mezcla de música muy variada (clásica, electrónica,
baladas) favorece la diversidad de tono que aprovechan al máximos dos grandes
de la interpretación como Jessica
Chastain y James McAvoy.
Ciant Heart It, Move
on y Dancing with the Lights Out se
utilizan en los momentos más optimistas del romance. Y también los más
superficiales. Momentos de bailes, discotecas y primavera hormonal. Pero
también hay un vitalismo más estético y complejo con melodías clásicas de Mozart, Brahms o Haydn.
Como canción dramática destaca la enésima variación de Wild is the wind de Dimitri Tiomkin, ésta vez adaptada por la cantautora norteamericana
Cat Power. También Went to war de Amason está muy bien insertado en una de esas escenas en las que el
director recoge miradas perdidas y paseos a ninguna parte de los protagonistas.
El uso de la música electrónica es el que da un tono más
moderno y original a la banda sonora, muy cercano al de películas como Lost in translation, Drive o la española Stockholm. Especialmente
sugerente es el tema final No fate awaits
me de Son Lux. Una conclusión
que se te queda grabada con un acento esperanzador muy necesario en el cine
actual.
Son Lux y VV.AA. Sello: Lakeshore Records (46 minutos)
Por mucho queBuscando a Dorysea una gran noticia para el cine, el regreso de los verdaderos creadores de la saga Bourne es la noticia del verano. Matt Dammon (que además de actuar ha participado en la escritura del guión) se había negado a volver a interpretar al "superhéroe" sin memoria a largo plazo si el director no era Paul Greengrass. El director había dicho lo mismo del actor y al final se han puesto de acuerdo.
También aparecen en el reparto Tommy Lee Jones y Vincent Cassel. La música volverá a ser compuesta por el músico John Powell. La película ha costado 120 millones y entro otros sitios se ha rodado en Lanzarote. El reto; igualar en calidad y taquilla a la última parte de la saga protagonizada y dirigida por estos dos monstruos del cine: El ultimátum de Bourne, que costó 110 millones y logró 442 en la taquilla mundial, duplicando los beneficios de sus predecesoras.
La película se estrena el próximo 29 de julio en todo el mundo.
Siempre ha sido una actriz extraña. Empezó haciendo una de las película más extrañas de Hitchcock (Pero ¿quien mató a Harry?) y protagonizó una de las obras maestras intemporales de la historia del cine que se adelantó décadas a su tiempo (El apartamento).
Cree en los extraterrestres y en la reencarnación (de hecho piensa que en otra vida fue una princesa inca). Es hermana de Warren Beaty, tiene un Oscar por una de sus películas más sobrevaloradas(La fuerza del cariño) y a sus 82 años sigue haciendo papeles secundarios en películas muy prescindibles.
Es una fuerza de la Naturaleza que merece mejores películas, más coherentes con la brillantez de sus primeros pasos en Hollywood.
Está en plena forma. Hace deporte a diario y películas cada año; todas ellas de registros muy distintos. Y es uno de los más grandes genios que ha dado el cine americanoen décadas. Pero ninguna de sus últimas películas me ha convencido. En concreto la última (El francotirador), me resultó una decepción considerable al desaprovechar un gran libro autobiográfico del soldado más letal en la historia del ejército norteamericano. Una película distante con un personaje muy hueco interpretado por Bradley Cooper.
En los los años 70 empezó a cambiar la historia del cine de terror con Las colinas tienen ojos y en los 80 crearía uno de los personajes más carismátícos de este género: Freddy Krueger. Pero sería en la década de los 90 cuando Wes Craven arrasaría taquillas con el inicio de Scream; una saga protagonizada por adolescentes guapos y petardos y el asesino de la máscara que les llamaba por teléfono antes de asesinarlos.
En esta nueva serie se respetan las principales reglas de las películas. Hay ironía, asesinatos creativos que van y vienen con un tono superficial y cómico, baladas de fondo musical en momentos románticos y música de terror arquetípica en los momentos de tensión. No falta el constante recurso metacinematográfico de personajes que hablan sin parar de películas de terror y cómo éstas pueden señalar los próximos movimientos del asesino.
Wes Craven ha trabajado que en la producción de esta serie que entretiene y a veces incluso divierte sin enredarse demasiado en aspectos que no interesan; la investigación policial, cómo el asesino logra llegar a los lugares sin ser visto... Los actores están bien en sus marcas, cada uno con su cara de "no puedo ser más guapo y más frívolo; merezco morir".
No es una obra maestra como tampoco lo eran las películas, pero es tan disparatado y perdonable como lo era la saga original. Y además tiene menos altibajos y una cierta contención en la sexualidad omnívora que caracteriza a los protagonistas.
P.D: Por si algún lector demasiado joven (o su contrario) no ha visto nada del universo Craven os recomiendo Scream 4, para mí el homenajes más glorioso que se han hecho de los famosos "slasher". Calificación: 6/10
