Escenas de claustros de profesores hay muchas, pero personalmente no he encontrado nada tan brillante como este fragmento de Profesor Lazhar, la obra maestra de Philippe Falardeau. En unos minutos se hablan de muchos temas fundamentales en la educación como motivación, exigencia, el sobreproteccionismo...
Pero sobre todo se manda un mensaje contundente a los que quieren clasificar la pedagogía en blancos y negros, y acaban aplicando medidas absolutamente surrealistas en algunos colegios. El profesor de Educación Física tiene un monólogo que no es un simple gag, sino una bomba atómica contra toda una corriente educativa que acaba por asfixiar al profesor en un permamente estado de amenaza bajo sospecha.
Calificación: 8´5
Las claves del cine de acción
La gran pantalla siempre ha sido muy útil para multiplicar el efectos de las descargas de adrenalina que proporciona el cine de acción. Y esto ha beneficiado y perjudicado mucho a este género. Cuando los directores les da por hacer atracciones de feria en la que no hay drama, coherencia ni vulnerabilidad en los personajes, el experimento es patético.
En este documental de 7 minutos se hace un acertado diagnóstico de este género y además se reivindican algunos títulos que han revolucionado el cine actual como Matrix o La jungla de cristal.
En este documental de 7 minutos se hace un acertado diagnóstico de este género y además se reivindican algunos títulos que han revolucionado el cine actual como Matrix o La jungla de cristal.
"Luther" en 8 canciones
Luther ha llegado a la 4ª temporada, pero realmente terminó en la 2º. Hasta ese momento fue una serie impactante y cruel, con personajes colosales y asesinos retorcidos protagonizando investigaciones en las que había mucho de cine negro del bueno. Y sobre todo había una alianza entre asesina sociópata y detective crepuscular que hacía que la serie fuese por momentos simplemente sensacional.
Gran parte del éxito de sus dos primeras temporadas fue la banda sonora que mezclaba muchas tendencias con un acierto sobresaliente. Desde la intro inicial turbadora de Massive Attack a la aparición estelar de un clásico de la inmortal Nina Simone acumulo acierto tras acierto.
Gran parte del éxito de sus dos primeras temporadas fue la banda sonora que mezclaba muchas tendencias con un acierto sobresaliente. Desde la intro inicial turbadora de Massive Attack a la aparición estelar de un clásico de la inmortal Nina Simone acumulo acierto tras acierto.
"The Detour": Boba desviación
A la gente le gusta la comedia, especialmente en televisión, dónde la estructura de cada episodio favorece los gags de situación en un entorno reducido. En los último años he hablado de series tan maravillosas como The Big Bang Theory, Portlandia, Community, o Cómo conocí a vuestra madre.
The Detour es menos interesante, más primaria y burda. Es una de esas series que tardan poco en entrar en el bucle de tópicos y zafiedades. Tampoco es que esperase mucho de sus directores (Jacuzzi en el pasado), pero al menos contaba que con un buen reparto serían capaces de hacer una comedia amena, y no lo es. Da pena ver a la chica Justified, Natalie Zea, en algo tan tontorrón.
La idea de un viaje para recuperar una familia está muy vista, pero podría funcionar si hubiese un poco más de creatividad en el guión y el humor fuese más sutil.Tampoco lo hay. Chistes de putas y chistes de sexo con adolescentes delante para que todo quede más "moderno" y "tronchante". Una serie a la que conviene ni acercarse.
Calificación: 4/10
The Detour es menos interesante, más primaria y burda. Es una de esas series que tardan poco en entrar en el bucle de tópicos y zafiedades. Tampoco es que esperase mucho de sus directores (Jacuzzi en el pasado), pero al menos contaba que con un buen reparto serían capaces de hacer una comedia amena, y no lo es. Da pena ver a la chica Justified, Natalie Zea, en algo tan tontorrón.
La idea de un viaje para recuperar una familia está muy vista, pero podría funcionar si hubiese un poco más de creatividad en el guión y el humor fuese más sutil.Tampoco lo hay. Chistes de putas y chistes de sexo con adolescentes delante para que todo quede más "moderno" y "tronchante". Una serie a la que conviene ni acercarse.
Calificación: 4/10
Paco Arango vuelve por Navidad
Un día del Festival de San Sebastián de este año salí del Hotel María Cristina, y allí estaba este cartel de la próxima película de uno de los directores españoles que adoro profundamente por hacer una obra impagable: Maktub.
Pues ya tenemos fecha de estreno de esta película que en Donosti apenas pudimos ver un trailer y una presentación. Llegará en Navidad, como Maktub. No sé si llegará a tanto, pero a priori voto a favor de ella. Las películas de autoayuda y mensajes solucionadores suelen darme verdadera alergia. Pero Maktub fue una cosa aparte. Un verdadero regalo para el espectador que espero vuelva a llovernos en un par de meses.
"Tú, yo y el Apocalipsis": Extravagancias y convencionalismos
Aunque en algunos momentos esta serie parece que hace piruetas únicas mezclando comedia, drama y cine terminal, en realidad es una ficción con lugares comunes y giros muy costos. La historia que cuenta es la de un mundo preparándose para el fin y un grupo de personajes psicodélicos que intentan evitarlo a su manera. Entre ellos está una monja que no reza nunca y que es puro sentimiento simplista y un cura que es abogado del diablo en el Vaticano y que es alcohólico, juerguista, mujeriego. También hay una inocente madre en la cárcel que recibe la ayuda de una presa nazi y tatuada. Y dos hermanos que viven como si no existiesen... Y dos homosexuales (uno blanco y otro negro, uno sin complejos y otro con reservas). ¿Les suena?
Hay algunos chistes graciosos y la idea está presentada de una manera curiosa, pero no llega a ser tan genial para aguantar tanto tiempo sin desmoronarse. Lo que empieza siendo genuino acaba resultando un conjunto de clichés rancios y previsibles, en el que todos en el Vaticano son ambiciosos, rígidos e incoherentes menos el cura que interpreta Rob Lowe, que es un "cínico iluminado".
Y las demás historias siguen un derrotero parecido; mucho brillo para tan poco personaje y tan poco que contar. Lo mejor son los actores, especialmente británico Mathew Baynton que interpreta con mucha credibilidad a los dos gemelos antagónicos.
Calificación: 5/10
Hay algunos chistes graciosos y la idea está presentada de una manera curiosa, pero no llega a ser tan genial para aguantar tanto tiempo sin desmoronarse. Lo que empieza siendo genuino acaba resultando un conjunto de clichés rancios y previsibles, en el que todos en el Vaticano son ambiciosos, rígidos e incoherentes menos el cura que interpreta Rob Lowe, que es un "cínico iluminado".
Y las demás historias siguen un derrotero parecido; mucho brillo para tan poco personaje y tan poco que contar. Lo mejor son los actores, especialmente británico Mathew Baynton que interpreta con mucha credibilidad a los dos gemelos antagónicos.
Calificación: 5/10
"Big Fish": La película en la que todo es fabuloso
Me gusta mucho Tim Burton, sobre todo el anterior a Sweeney Todd. Pero hay una película que me parece superior al resto y aprovecho para hablar de ella en el post nº 1.000 de este blog que empecé el 7 de junio de 2009. Ya entonces le dediqué la primera entrada a Ewan McGregor, uno de los más grandes actores de su generación, y ya utilicé en el perfil la foto de Big Fish de los zapatos que uno cuelga al entrar en un pueblo del que nadie se marcha.
Big Fish es una película sobre un cuentacuentos que hacía submarinismo en bañeras y piscinas, y tambíén de un hijo que no entiende a un padre, y dos gemelas unidas en un mismo cuerpo, y un insensato que recibió una paliza por la chica a la que quería después de haberle comprado un jardín de sus flores favoritas.
Big Fish es una película luminosa sobre la fantasía y la realidad, un cuento de cuentos imaginativo y complejo, que habla sobre la fidelidad, el sacrificio por el amor platónico, la filiación, la subjetividad del tiempo, la imaginación como motor necesario de una historia de amor que vacuna contra las rutinas y las crisis.
Es difícil citar una escena o un apartado técnico porque la película es brillante en todo. El ingenio creativo de Tim Burton en la planificación, el guion divertido y emotivo de John August, la música de Danny Elfman, la apoteosis creativa en los vestuarios de Collen Atwood, la fotografía de Phillip Rouselott, el personaje de bruja que borda Helena Bonham-Carter, el encanto de Ewan McGregor y la madurez interpretativa de Albert Finney, el retrato de las mujeres que hacen que los hombres se agiganten al estar a su lado (Marion Cotillard, Jessica Lange), y el adulto que aprende a ser hijo de su padre y niño por primera vez en su vida (Billy Crudup).
Han pasado más de siete años desde que empecé este blog y Big Fish me sigue fascinando. A mí y a la mayoría de los que les aconsejo este título sobresaliente, uno de esos ejemplos claros de que el gran cine no envejece, y sigue haciendo soñar y pensar a personas de todo el mundo. Cuando una película me entusiasma le pongo como máximo un 9 esperando que el tiempo aclare si es una obra maestra que merece una puntuación mayor. 13 años después de su estreno no tengo ninguna duda; Big Fish es una de ellas.
Calificación: 10
Big Fish es una película sobre un cuentacuentos que hacía submarinismo en bañeras y piscinas, y tambíén de un hijo que no entiende a un padre, y dos gemelas unidas en un mismo cuerpo, y un insensato que recibió una paliza por la chica a la que quería después de haberle comprado un jardín de sus flores favoritas.
Big Fish es una película luminosa sobre la fantasía y la realidad, un cuento de cuentos imaginativo y complejo, que habla sobre la fidelidad, el sacrificio por el amor platónico, la filiación, la subjetividad del tiempo, la imaginación como motor necesario de una historia de amor que vacuna contra las rutinas y las crisis.
Es difícil citar una escena o un apartado técnico porque la película es brillante en todo. El ingenio creativo de Tim Burton en la planificación, el guion divertido y emotivo de John August, la música de Danny Elfman, la apoteosis creativa en los vestuarios de Collen Atwood, la fotografía de Phillip Rouselott, el personaje de bruja que borda Helena Bonham-Carter, el encanto de Ewan McGregor y la madurez interpretativa de Albert Finney, el retrato de las mujeres que hacen que los hombres se agiganten al estar a su lado (Marion Cotillard, Jessica Lange), y el adulto que aprende a ser hijo de su padre y niño por primera vez en su vida (Billy Crudup).
Han pasado más de siete años desde que empecé este blog y Big Fish me sigue fascinando. A mí y a la mayoría de los que les aconsejo este título sobresaliente, uno de esos ejemplos claros de que el gran cine no envejece, y sigue haciendo soñar y pensar a personas de todo el mundo. Cuando una película me entusiasma le pongo como máximo un 9 esperando que el tiempo aclare si es una obra maestra que merece una puntuación mayor. 13 años después de su estreno no tengo ninguna duda; Big Fish es una de ellas.
Calificación: 10
"Posesiones infernales": Una etapa felizmente superada
Hace unos días escribí una crítica de No respires, la última película de terror de Fede Álvarez. Este joven director uruguayo comenzó a ser reconocido gracias a su primer cortometraje (¡Ataque de pánico!) que tuvo mucha difusión en 2009.
Gracias al prestigio logrado tuvo la "osadía" de hacer un remake del clásico de terror de Sam Raimi Posesión infernal. Hace unos días pude ver las dos versiones, comprobando que el cine de terror está mejor que nunca, y que el Horror Picture ochentero tiene un carisma excesivo. En las dos películas hay vísceras, vomitonas, planificación casposa, personajes mal trazados, erotismo grueso y machista...
El paso del tiempo ha puesto en su sitio a estas producciones de ketchup y protesis de plástico. Hay que reconocer que arriesgaron, pero perdieron. Mientras que uno regresa a verdaderos clásicos del terror como ¡Suspense!, Psicosis, El exorcista, Sola en la oscuridad, La semilla del diablo, Al final de la escalera, Poltergeist o Alien, el octavo pasajero y descubre que siguen siendo películas audaces y modernas.
Lo mismo sucede con las últimas películas de James Wan, o títulos recientes de películas como El sexto sentido, Seven, El bosque, El orfanato, El exorcismo de Emily Rose o La invitación, o series actuales como Motel Bates, The Walking Dead, Outcast y en cierta medida Stranger Things. Aunque no faltan "homenajes a la motosierra", el cine de terror está en una etapa dorada y rentable que esperemos que dure muchos años.
Gracias al prestigio logrado tuvo la "osadía" de hacer un remake del clásico de terror de Sam Raimi Posesión infernal. Hace unos días pude ver las dos versiones, comprobando que el cine de terror está mejor que nunca, y que el Horror Picture ochentero tiene un carisma excesivo. En las dos películas hay vísceras, vomitonas, planificación casposa, personajes mal trazados, erotismo grueso y machista...
El paso del tiempo ha puesto en su sitio a estas producciones de ketchup y protesis de plástico. Hay que reconocer que arriesgaron, pero perdieron. Mientras que uno regresa a verdaderos clásicos del terror como ¡Suspense!, Psicosis, El exorcista, Sola en la oscuridad, La semilla del diablo, Al final de la escalera, Poltergeist o Alien, el octavo pasajero y descubre que siguen siendo películas audaces y modernas.
Lo mismo sucede con las últimas películas de James Wan, o títulos recientes de películas como El sexto sentido, Seven, El bosque, El orfanato, El exorcismo de Emily Rose o La invitación, o series actuales como Motel Bates, The Walking Dead, Outcast y en cierta medida Stranger Things. Aunque no faltan "homenajes a la motosierra", el cine de terror está en una etapa dorada y rentable que esperemos que dure muchos años.
"Wiener-Dog" no tiene desperdicio
Una película sobre un perro salchicha no parece un argumento especialmente atractivo para grande logros cinematográficos. Pero si el director es Todd Solondtz (Happiness) y el reparto está compuesto por Kieran Culkin, Julie Delpy, Danny DeVito, Greta Gerwig y Ellen Burstyn todo es posible. Como todo el cine alienígena de Solondtz hay que conectar con ese mundo aparte y a mí me ha resultado mu sencillo. El retablo de estupidez humano es terminal pero hay tanto ingenio en los gag, la música, los actores que me ha parecido simplemente genial.
La película aguanta los 90 minutos contando historias cortas y tronchantes de personajes patéticos que en algún momento tienen la desgracia de cuidar al perro más patético del mundo perruno. Los dardos al arte moderno, el yanky insulso de clase media y el niño que nació aburrido son espectaculares. El ritmo es lento pero la narrativa es muy ágil gracias a unos diálogos y situaciones que nunca te esperas. Además Solondtz modera su habitual zafiedad y la película acaba siendo una simpática y original propuesta presentada en la sección Zabaltegui del Festival de Cine de San Sebastián. Esperemos que llegue pronto a España.
Calificación: 8/10
La película aguanta los 90 minutos contando historias cortas y tronchantes de personajes patéticos que en algún momento tienen la desgracia de cuidar al perro más patético del mundo perruno. Los dardos al arte moderno, el yanky insulso de clase media y el niño que nació aburrido son espectaculares. El ritmo es lento pero la narrativa es muy ágil gracias a unos diálogos y situaciones que nunca te esperas. Además Solondtz modera su habitual zafiedad y la película acaba siendo una simpática y original propuesta presentada en la sección Zabaltegui del Festival de Cine de San Sebastián. Esperemos que llegue pronto a España.
Calificación: 8/10
Entre Malick y Melendi
Tengo un amigo que le gustan las pelis de Terrence Malick. Y también las letras de las canciones de Melendi. Yo desconozco casi todo de este cantante que antes tenía una voz macarra y ahora tiene una más bien suave. Pero he visto un videoclip reciente suyo que tiene todos los elementos del cine sentimental, barato y básico. Y también un par de estrofas que, he de reconocerlo, me parecen ingeniosas.
El clip lo han visto más de 46 millones de personas. Llevo dándole vuelta a esta contraste lírico entre el cantante asturiano y el director de cine norteamericano. ¿Algún mérito tiene Melendi por llegar a millones? ¿Algún demérito tiene Malick por defraudar a ese mismo número y entusiasmar a unos pocos? ¿Te puede gustar el cine de Malick y la música de Melendi? Sigo preguntándome.
El clip lo han visto más de 46 millones de personas. Llevo dándole vuelta a esta contraste lírico entre el cantante asturiano y el director de cine norteamericano. ¿Algún mérito tiene Melendi por llegar a millones? ¿Algún demérito tiene Malick por defraudar a ese mismo número y entusiasmar a unos pocos? ¿Te puede gustar el cine de Malick y la música de Melendi? Sigo preguntándome.
"La gran muralla" de Matt y Zhang
"Cuando se juntan los reyes, tiembla el castillo" dice Don Omar. Y efectivamente la mezcla de Zhangh Yimou y Matt Dammon con guión de Tony Gillroy y Doug Miro y música de Ramin Djawadi es muy prometedora. La película trata sobre la gran muralla china y la duda es si la acción se comerá al drama de los personajes. Se estrenará en febrero y por ahora los trailers son muy diversos.
Dear and hated Tarantino
Le debo algunos de los mejores y peores momentos que he pasado delante de una pantalla. Su última película me parece un auténtico despropósito. Sus primeras películas, especialmente Pulp Fiction, me parecen una genialidad. En este documental de TCM se definen sus señas de identidad, el estilo y carácter de un niño mimado, tan osado como imprevisible e irregular.
Tarantino es un director al que suelo agradecer su capacidad de mostrar algo diferente en cada una de sus películas. Un ciudadano al que espero no tener que cruzarme en mi vida. Un cineasta enfermizo que sólo sabe hablar de cine. Y todo un zahorí a la hora de descubrir la canción perfecta para cada escena.
Tarantino es un director al que suelo agradecer su capacidad de mostrar algo diferente en cada una de sus películas. Un ciudadano al que espero no tener que cruzarme en mi vida. Un cineasta enfermizo que sólo sabe hablar de cine. Y todo un zahorí a la hora de descubrir la canción perfecta para cada escena.
"Justified": la serie maestra de Elmore Leonard
Estamos en la década de los 90 y hay un nuevo “sheriff” en Kentucky. No lleva caballo, pero sí sombrero. Raylan Givens (Timothy Olyphant) es un personaje creado por el novelista Elmore Leonard (El tren de las 3:10, Cómo conquistar Hollywood, Jackie Brown). Se caracteriza por escoger el momento y la palabra adecuada. Después de muchos años lejos de Kentucky, vuelve forzosamente a su tierra natal tras ser acusado de matar a un hombre. En su opinión fue una muerte justified (justificada), pero no todos ven las cosas como Raylan Gives. Quizás por eso, sólo él lleva sombrero.
El estreno del episodio piloto de esta serie que en Estados Unidos va por la 6ª temporada, pasó algo desapercibido el 16 de marzo de 2010. Aunque obtuvo la segunda máxima audiencia en la historia de FX con 4,2 millones de telespectadores (la primera fue con la serie The Shield), comparado con otras series como The Wire, Los Soprano, Mad Men o Breaking Bad, Justified siempre se ha quedado un poco relegada en premios, repercusión internacional, etc. Aún así es una serie imponente, mezcla de western y cine negro, con personajes poliédricos y diálogos certeros, sugerentes y concisos, en algún momento acompañados de una ironía sutil y divertida.
El alma de Justified junto con Elmer Leonard, es Graham Yost, creador y guionista habitual de la serie, un hombre de televisión ganador de 2 Emmys por sus colaboraciones con Steven Spielberg (The Pacific, Hermanos de Sangre), con el que también ha trabajado en Falling Skies. Gran parte de su mérito es la evolución de la historia que permite que los personajes y conflictos se desarrollen lentamente sin caer en inercias o puntos muertos. Es difícil decir cuál de las 4 temporadas es mejor. Cada una de ellas tiene grandes momentos y una calidad más que notable en planificación, música, interpretación, guión y diseño de producción.
Lo mejor de todo es que Justified no intenta imitar a otro western televisivos como Hell on whels o Deadwood. Esta serie tiene un estilo muy personal, representado por el carisma de los dos protagonistas: Timothy Olyphant (conocido sobre todo por ser uno de los “malos” más inquietantes de los últimos años en La Jungla 4.0) y Walton Goggins (al que hemos podido ver en papeles cortos en Django desencadenado y la serie Hijos de la Anarquía). La relación entre el delincuente que prefiere el lanza misiles al Winchester 73 y el sheriff alternativo es el motor de la serie (algo parecido a lo que sucede en esa historia de amor maldita entre la psicópata Alice y el detective impulsivo Luther). En el fondo los dos personajes se necesitan mutuamente para sobrevivir en el Kentucky de la corrupción, los skins y el narcotráfico.
El estreno del episodio piloto de esta serie que en Estados Unidos va por la 6ª temporada, pasó algo desapercibido el 16 de marzo de 2010. Aunque obtuvo la segunda máxima audiencia en la historia de FX con 4,2 millones de telespectadores (la primera fue con la serie The Shield), comparado con otras series como The Wire, Los Soprano, Mad Men o Breaking Bad, Justified siempre se ha quedado un poco relegada en premios, repercusión internacional, etc. Aún así es una serie imponente, mezcla de western y cine negro, con personajes poliédricos y diálogos certeros, sugerentes y concisos, en algún momento acompañados de una ironía sutil y divertida.
El alma de Justified junto con Elmer Leonard, es Graham Yost, creador y guionista habitual de la serie, un hombre de televisión ganador de 2 Emmys por sus colaboraciones con Steven Spielberg (The Pacific, Hermanos de Sangre), con el que también ha trabajado en Falling Skies. Gran parte de su mérito es la evolución de la historia que permite que los personajes y conflictos se desarrollen lentamente sin caer en inercias o puntos muertos. Es difícil decir cuál de las 4 temporadas es mejor. Cada una de ellas tiene grandes momentos y una calidad más que notable en planificación, música, interpretación, guión y diseño de producción.
Lo mejor de todo es que Justified no intenta imitar a otro western televisivos como Hell on whels o Deadwood. Esta serie tiene un estilo muy personal, representado por el carisma de los dos protagonistas: Timothy Olyphant (conocido sobre todo por ser uno de los “malos” más inquietantes de los últimos años en La Jungla 4.0) y Walton Goggins (al que hemos podido ver en papeles cortos en Django desencadenado y la serie Hijos de la Anarquía). La relación entre el delincuente que prefiere el lanza misiles al Winchester 73 y el sheriff alternativo es el motor de la serie (algo parecido a lo que sucede en esa historia de amor maldita entre la psicópata Alice y el detective impulsivo Luther). En el fondo los dos personajes se necesitan mutuamente para sobrevivir en el Kentucky de la corrupción, los skins y el narcotráfico.
Calificación: 8´5/10
"The Propaganda Game": Inteligente y bellísimo
Álvaro Longoria presentó hace unos años en San Sebastián este documental sobre Corea del Norte y por fin he podido verlo gracias a Cameo. Este director cántabro ya mostró su cercanía a los regímenes comunistas como productor de documentales tan infumables y manipuladores como Comandante de Oliver Stone, o películas como las que dirigió Steven Soderbergh sobre el Che Guevara.
En The Propaganda Game ha cuidado mucho el aspecto visual (el documental es bellísimo), y sobre todo la imparcialidad del discurso. Está claro que muestra lo que le dejan que muestre: una versión Disney de la Corea de Kim Jong-Un en la que todos tienen casas estupendas, modernas, buenos sueldos, hospitales... Pero la ventaja es que Longoria advierte de lo teledirigido de su particular ruta turística con insistencia y sentido del humor. Así el espectador puede observar como el control en los países comunistas es total: todos dicen las mismas frases, el mismo argumentario, enseñan calles impolutas y una vida tan ideal que es imposible. no sólo en Corea del Norte, sino en cualquier sitio del mundo.
Con este documental uno recuerda aquellos viajes tan preparados que hacía China o la Unión Soviética a extranjeros elegidos. Hubo algunos que pensaron que aquellos países eran maravillosos, ejemplar y exportable. Pero cuando se derribaron los muros se pudo saber la verdad de cada uno de los infiernos locales en los que había gulags, hambrunas, millones de muertos, fusilados, control exhaustivo y una pobreza masiva. Las ideologías totalitarias es lo que tienen; al expresarse son cursi y tan exageradamente románticas que tiran para atrás. Y eso se explica muy bien en un documental que da mucho que hablar por que tiene mucha riqueza de argumentos y matices, incluidas unas críticas certeras a la actuación exterior de Estados Unidos.
Calificación: 9/10
En The Propaganda Game ha cuidado mucho el aspecto visual (el documental es bellísimo), y sobre todo la imparcialidad del discurso. Está claro que muestra lo que le dejan que muestre: una versión Disney de la Corea de Kim Jong-Un en la que todos tienen casas estupendas, modernas, buenos sueldos, hospitales... Pero la ventaja es que Longoria advierte de lo teledirigido de su particular ruta turística con insistencia y sentido del humor. Así el espectador puede observar como el control en los países comunistas es total: todos dicen las mismas frases, el mismo argumentario, enseñan calles impolutas y una vida tan ideal que es imposible. no sólo en Corea del Norte, sino en cualquier sitio del mundo.
Con este documental uno recuerda aquellos viajes tan preparados que hacía China o la Unión Soviética a extranjeros elegidos. Hubo algunos que pensaron que aquellos países eran maravillosos, ejemplar y exportable. Pero cuando se derribaron los muros se pudo saber la verdad de cada uno de los infiernos locales en los que había gulags, hambrunas, millones de muertos, fusilados, control exhaustivo y una pobreza masiva. Las ideologías totalitarias es lo que tienen; al expresarse son cursi y tan exageradamente románticas que tiran para atrás. Y eso se explica muy bien en un documental que da mucho que hablar por que tiene mucha riqueza de argumentos y matices, incluidas unas críticas certeras a la actuación exterior de Estados Unidos.
Calificación: 9/10
"Leones por corderos": Una buena tesis sin trama ni drama
Son muchas las virtudes de
esta película, quizás únicamente contrarestadas por un importante defecto. Este
acercamiento político de Redford a
las maneras de combatir el terrorismo islámico que utiliza el gobierno
norteamericano tiene mucho de tesis, de reflexión honesta, de “pros” y
“contras”… y muy poco de trama.
La película tiene una
estructura muy sencilla con tres escenarios distintos en los que se debate
sobre la guerra de Afganistán. En el primero de ellos el senador Jasper Irving
(Tom Cruise), un hombre de la línea
ideológica de Bush, es entrevistado por una periodista muy crítica con los
métodos de invasión norteamericanos (Meryl
Streep). Mientras tanto el catedrático idealista Stephen
Malley (Robert Redford) discute sobre la guerra con uno de sus
alumnos más prometedores (Andrew
Garfield). Todo esto sucede en medio de la ofensiva norteamericana en Afganistán
en la que se han enrolado dos estudiantes del profesor Malley (Derek Luke y Michael Peña).
A la espera de un buen número
de películas sobre Oriente Medio que llegarán próximamente (La sombra del reino de Peter Berg, la polémica Redacted
de Brian de Palma y la más esperada
En el valle del Elah de Paul
Haggis, entre otras), Leones
por corderos es una propuesta tan interesante como arriesgada. Interesante
porque casi todo lo que dirige Redford
da que pensar, más si cabe cuando cuenta con un buen guión del jovencísimo Matthew Michael
Carnahan (también guionista de la
anteriormente citada La sombra del reino).
Las replicas y contrarréplicas en las que se fundamente dos terceras partes de
la película (la de Cruise-Streep y
la de Redford-Garfield) son inteligentes,
matizadas y respetuosas con la libre interpretación del espectador. En este
contexto, los actores se sienten muy cómodos con cosas interesantes que decir
(los cuatro están fantásticos, pero sorprende especialmente el casi desconocido
Andrew Garfield por la naturalidad
con la que refleja una juventud actual tan crítica con la realidad como frívola
a la hora de comprometerse).
Pero esta opción
de Redford por hacer pensar al
espectador tiene el enorme riesgo de que prácticamente “sacrifica” la trama.
Apenas una historia muy estática y deslucida, la de los dos soldados en Afganistán,
que más que aligerar la historia la interrumpen y la hacen aburrida. Queda así
una película de tesis, que pregunta sin responder, y que deja al espectador con
la sensación de que, más que a una película, acaba de asistir a una buena clase
de política con diapositivas intermedias de Hermanos
de Sangre.
Calificación: 6´5/10
"No respires": Talento bipolar
El director y guionista uruguayo Fede Álvarez realizó en 2013 una versión aplaudida del clásico del terror de Sam Raimi Posesión Infernal. Tres años después estrena una película que parte de una premisa original; darle la vuelta al clásico de ladrones que acosan a un invidente. Repite la actriz protagonista de Posesión infernal, Jane Levy, que vuelve a estar magnífica.
La trama tiene vueltas de tuerca para parar un tren que hacen que el motor del suspense no deje de funcionar, y hasta el último tercio la película no es excesivamente escabrosa. Fede Alvarez juega mucho con el sonido y la escasa luz logrando una tensión muy hábil. Pero hay decisiones de guión demasiado toscas y tramposas que hacen que la historia no acabe de ser redonda. Tampoco el desarrollo de los personajes es muy detallado y sutil, especialmente el de Stephen Lang, que es un ex-militar musculoso con un discurso reducido y sobre todo muy elemental y artificioso.
Aunque el guiño final es sobresaliente, No respires se queda lejos del nivel de las mejores películas de James Wan como The Conjuring 2 o Insidious, o de series tan terroríficas y sugerentes como Motel Bates.
Calificación: 6/10
La trama tiene vueltas de tuerca para parar un tren que hacen que el motor del suspense no deje de funcionar, y hasta el último tercio la película no es excesivamente escabrosa. Fede Alvarez juega mucho con el sonido y la escasa luz logrando una tensión muy hábil. Pero hay decisiones de guión demasiado toscas y tramposas que hacen que la historia no acabe de ser redonda. Tampoco el desarrollo de los personajes es muy detallado y sutil, especialmente el de Stephen Lang, que es un ex-militar musculoso con un discurso reducido y sobre todo muy elemental y artificioso.
Aunque el guiño final es sobresaliente, No respires se queda lejos del nivel de las mejores películas de James Wan como The Conjuring 2 o Insidious, o de series tan terroríficas y sugerentes como Motel Bates.
Calificación: 6/10
"Miss Peregrine": ¿Qué le pasa a Tim Burton?
Haga lo que haga Tim Burton el resto de su vida yo siempre le estaré agradecido. Gracias a él he vivido algunos de los momentos más divertidos y emocionantes que he pasado delante de una pantalla. Bietelchus, Ed Wood, Eduardo Manostijeras, Charly y la fábrica de chocolate, Frankieweenie, Big Fish, Batman (1 y 2), Sweeney Todd, Mars Attack... No es fácil decir una decena de títulos de memoria tan simpáticos y personales de un mismo director.
Pero por estos mismos motivos me resulta tan incomprensible que alguien cómo él hiciese una película tan sosa y niñoide como Alicia en el país de las maravillas a partir de una novela tan excepcional como la de Lewis Carroll. El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares no vuela tan bajo pero es una película sin chispa ni magia, de personajes huecos e inertes, de diálogos evidentes que extrañan en una guionista como Jane Goldman (responsable de un divertimento maravilloso como Kingsman).
Ni la música ni un gran reparto pueden esconder la falta de ingenio a la hora de transmitir la esencia del cine de Tim Burton: el ensalzamiento de los marginados, peculiares y demás genios con grandes dificultades sociales. Esos personajes perversos tan idiotas (el personaje de Samuel L. Jackson y su ejercito de uñas largas), esa falta de entusiasmo en la planificación, el montaje, no es coherente con un genio de un talento descomunal.
La película dura más de dos horas que para mí fueron un suplicio buscando los restos de un mundo maravilloso que parece que este director expulsado de Disney ha decidido clausurar. Ojalá me equivoqué y Tim Burton pueda volver a ser lo que era. Evidentemente su nuevo "estilo" le está dando mucho dinero, pero es tan instaisfactorio.
Calificación: 5/10
Pero por estos mismos motivos me resulta tan incomprensible que alguien cómo él hiciese una película tan sosa y niñoide como Alicia en el país de las maravillas a partir de una novela tan excepcional como la de Lewis Carroll. El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares no vuela tan bajo pero es una película sin chispa ni magia, de personajes huecos e inertes, de diálogos evidentes que extrañan en una guionista como Jane Goldman (responsable de un divertimento maravilloso como Kingsman).
Ni la música ni un gran reparto pueden esconder la falta de ingenio a la hora de transmitir la esencia del cine de Tim Burton: el ensalzamiento de los marginados, peculiares y demás genios con grandes dificultades sociales. Esos personajes perversos tan idiotas (el personaje de Samuel L. Jackson y su ejercito de uñas largas), esa falta de entusiasmo en la planificación, el montaje, no es coherente con un genio de un talento descomunal.
La película dura más de dos horas que para mí fueron un suplicio buscando los restos de un mundo maravilloso que parece que este director expulsado de Disney ha decidido clausurar. Ojalá me equivoqué y Tim Burton pueda volver a ser lo que era. Evidentemente su nuevo "estilo" le está dando mucho dinero, pero es tan instaisfactorio.
Calificación: 5/10
"Florence Foster Jenkins": Divertimento amargo y tosco
Hay momentos muy divertidos en esta comedia, pero el resultado final es muy insatisfactorio. Los 3 protagonistas son unos cómicos excelentes con poderosas posibilidades dramáticas, la dirección artística, el vestuario y la fotografía son espléndidas. Pero salvando a un personaje secundario (esa fulana que casi se rompe el bazo rodando por el suelo mientras se ríe sin control del ridículo espectáculo), el resto de la película es lenta e insustancial, con una última media hora muy decepcionante.
A una película con una historia real tan increíble hay que darle un poco más de vida e ingenio para que no muera en el intento de que nos la creamos. Y eso es lo que le sucede a esta última película de Stephen Frears, un director caracterizado por los vaivenes de su talento.
Calificación: 5,5/10
"El regalo" de Joel Edgerton
Después de haber realizado dos cortometrajes, el actor Joel Edgerton (El gran Gatsby, The Warrior) protagoniza, escribe y dirige una película muy "hitchcockiana". Una de esas historias que te envuelve lentamente y va generando interés ante las sucesivas sorpresas. El reparto es de primera con Rebecca Hall y Jason Bateman, y el baratísimo presupuesto (5 millones de dólares) está muy bien amortizado (la película acabó ganando casi 60).
Guión y actores, un argumento original y no hacer cosas raras con la cámara y la música. Una fórmula que parece sencilla y no lo es. Hace falta talento para llenar un buen metraje (108 minutos) con una historia tan pequeña, que huye de efectismos y giros inverosímiles. Además se agradece que la película no juegue con las vísceras y la sangre gratuita.
El regalo fue presentada en 2015 en el Festival de Sitges y fue muy bien recibida por crítica y público.
Calificación: 7´5/10
Guión y actores, un argumento original y no hacer cosas raras con la cámara y la música. Una fórmula que parece sencilla y no lo es. Hace falta talento para llenar un buen metraje (108 minutos) con una historia tan pequeña, que huye de efectismos y giros inverosímiles. Además se agradece que la película no juegue con las vísceras y la sangre gratuita.
El regalo fue presentada en 2015 en el Festival de Sitges y fue muy bien recibida por crítica y público.
Calificación: 7´5/10